Étiquette : Daikanyama

Art/Musiques/Tokyo

le point de fuite des fourmis

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L’étrange araignée gonflable que l’on peut voir depuis la rue principale du quartier de Daikanyama à travers la grande baie vitrée de la petite galerie de Hillside Terrace attire tout de suite le regard. On la devine en mouvement comme si elle respirait profondément. Je m’approche de la galerie. Elle occupe la quasi totalité de l’espace. Une pompe à air lui fait bouger les membres de manière intermittente. Autour de ses pattes noires et roses, elle est décorée de multiples couleurs. Ses formes sont étranges sans pour autant être vraiment inquiétantes. Il s’agit d’une création de l’artiste Lee Byungchan (이병찬), originaire de Corée du Sud et né en 1987. Ces œuvres évoquent des étranges créatures ondulantes, réalisées en plastique jetable. Elles viennent parasiter symboliquement le corps humain dans des mises en scène photographique ou filmées. Son travail artistique entend rendre visible la matérialité invisible des énergies circulant dans les espaces urbains, traduire la masse urbaine en des formes respirantes. Dans une autre salle de l’exposition montre des vidéos de ces étranges monstres portatifs accrochés au dos des personnes sans qu’ils où elles ne s’en rendent apparemment compte. On imagine ces objets comme des représentations imagées de l’être profond que l’on ne souhaite pas montrer aux autres mais qui finit par transparaître dans toute son évidence (ndlr: l’auteur de ces lignes se demande en ce moment à quoi pourrait ressembler cet appendice extérieur en ce qui le concerne). Cette petite exposition s’intitulait The Vanishing Point of the Ant (アリの消失点) et se déroulait du 26 Avril au 25 Mai 2025 dans la petit galerie Art Front Gallery de Hillside Terrace.

Après son album Flesh sorti le 11 Mars 2025, l’artiste électronique cyber milkちゃん nous propose un long mix d’un peu plus d’une heure intitulé Ambient & Experimental mix with cyber milkちゃん sur sa chaîne YouTube et je l’écoute bien sûr avec attention. On y retrouve l’ambiance indistincte et vaporeuse qu’on pouvait entendre et apprécier sur son album. A la 27ème minute du mix, je crois reconnaître l’instrumental Movement III: Linear Tableau with Intersecting Surprise de Sufjan Stevens sur son album The BQE, morceau que j’adore au plus haut point (ndlr: ce plus haut point serait placé sur une hypothétique hiérarchie musicale qui n’aurait bien sûr qu’assez peu de sens mais qui aurait au moins le mérite de traduire l’enthousiasme ponctuel ressenti). Sauf que dans le mix de cyber milkちゃん, ce morceau est presque irreconnaissable au point où je me demande tout le long de mon écoute s’il s’agit bien de celui-ci. Je lui ai bien demandé, mais seule la divinité Benzaiten (ndlr: divinité bouddhiste japonaise du savoir, des arts dont la musique, entre autres) pourra prédire si elle me répondra un jour. A propos de mix, j’attends avec une certaine impatience le nouvel épisode mensuel de Liquid Mirror d’Olive Kimoto sur NTS Radio, qui aurait dû arrivé à la fin du mois de Mai et qui commence à tarder. Je patiente donc en réécoutant encore l’épisode du 29 Avril 2025, qui est excellent dès les premières minutes avec l’étrange et hypnotisant Xith c. Spray de Lee Gamble qui pourrait nous faire entrer en médiation transcendantale si on n’y criait gare. Ce morceau est tiré de l’album Models sorti en Octobre 2023.

Alors qu’on parlait justement de NTS Radio dans les commentaires d’un précédent billet, mahl me fait remarquer très justement que Yeule y a également sa chaîne avec trois épisodes diffusés cette année dans une série intitulée ALTAR ♱ ELECTRONICA W/ YEULE. Je m’empresse de les écouter en me promenant du côté des quartiers d’Ayase et de Kameari dans le Nord de Tokyo (ndlr: ces lieux seront le sujet d’un prochain billet), alors que j’avais une après-midi entière à passer seul. On n’est jamais vraiment seul lorsqu’on est entouré de bonnes musiques, même si la solitude est un élément indissociable de mes promenades tokyoïtes (ndlr: ceci pourrait également être le sujet d’un billet, plus long peut-être). J’écoute donc les trois épisodes disponibles en ordre antéchronologique, en commençant donc par celui du 28 Février, puis celui du 31 Janvier et finalement le premier épisode du 3 Janvier 2025. Les trois heures d’écoute à la suite ne sont pas de tout repos, car le son y est très abrasif, disruptif et à l’atmosphère très sombre à l’image des photographies accompagnant l’émission prises par le photographe américain Neil Krug. On ne s’ennuie pas car on y trouve beaucoup d’excellents moments, comme par exemple le morceau Ninacamina de l’artiste électronique australienne Ninajirachi avec la productrice américaine Izzy Camina, remixé par le DJ anglais KAVARI. Dans les mixes, on reconnaît parfois mais rarement quelques morceaux de l’électronique mainstream comme le Born Slippy d’Underworld, mais dans une version défigurée par le DJ et producteur américain Cenaceae. Je n’étais pas vraiment surpris de voir dans ces mixes un morceau de Grimes. Il s’agit d’un de ses premiers singles intitulé Genesis (ndlr: et peut-être son meilleur le plus inspiré tant musicalement que visuellement), sauf que le morceau est accrédité au musicien électronique grec Michail Chondrokoukis, sous le nom Apu Nanu, qui le remixe en fait complètement. A ses débuts, je ressentais que Yeule prenait Grimes comme une sorte de modèle, mais elle est désormais partie beaucoup plus loin musicalement. Yeule vient d’ailleurs de sortir son nouvel et quatrième album Evangelic Girl is a Gun, que je pressentais être excellent à l’écoute des trois singles sortis à l’avance. À part ces singles, je trouve malheureusement le reste de l’album en deçà, à la limite un peu fade surtout si on les compare à l’excellent single Evangelic Girl is a Gun qui donne son titre à l’album. L’approche est moins écorchée que sur ses albums précédents et je pense que c’est la raison pour laquelle je le trouve moins intéressant, tout en n’étant pas mauvais pour autant, loin de là. Les trois mixes de NTS Radio sont en comparaison beaucoup plus puissants. Mais comme le fait d’être déçu d’un nouvel album de Yeule me déçoit, je vais certainement entamer une nouvelle écoute qui me fera peut-être changer d’avis.

Musiques/Tokyo

that’s a pretty long third gear in this car

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Ce billet aurait très bien pu être le seizième épisode de ma série au long cours the streets mais je préfère lui donner un autre titre car j’ai réécouté récemment l’album Blonde de Frank Ocean et j’adore en particulier cet extrait des paroles du morceau Skyline To. Et en plus de cela, il y a des voitures dans ce billet. Ce billet est un mélange de plusieurs rues, celle de Komazawa et autour, celle de Kamurozaka où se trouve un Hôtel Vintage qui n’a rien de vintage mais qui prend tout de même ce nom. Le café au rez-de-chaussée est très agréable et calme. Des grandes fenêtres donnent sur la longue rue en pente Kamurozaka bordée de cerisiers qui étaient encore en fleurs au moment où cette photographie a été prise. On change ensuite de lieux pour le quartier chinois de Yokohama et un quartier de Kawasaki à l’écart de la gare. La dernière photographie a été prise au Tsutaya T-site de Daikanyama lors d’un petit festival célébrant les “subcultures” qui se déroulait les 19 et 20 Avril 2025. Dans l’ensemble, ce n’était pas le type de subculture qui m’intéressait vraiment car je n’ai pas trouvé d’intérêt à regarder des personnages déguisés, des Yuru-chara (ゆるキャラ), danser mollement devant une platine. J’ai même trouvé une certaine gêne à regarder les quelques admirateurs adultes postés autour de ce personnage rose appelé Iwashika-Chan (イワシカちゃん). Cela fait assez longtemps que je n’avais pas eu ce sentiment là. Le festival se composait en fait de petits stands. L’un d’entre eux vendait des t-shirt underground, parfois de films. J’y ai aperçu Tetsuo the Ironman de Shinya Tsukamoto. Il y avait également des stands réservés aux dédicaces notamment de mangaka, mais je suis malheureusement arrivé trop tard. J’aurais tout de même aimé passer à celui d’Eldo Yoshimizu (エルド吉水) car j’ai acheté il y a quelques temps le premier tome de son manga RYUKO (龍子). Eldo Yoshimizu est diplômé du département de sculpture de l’Université des Beaux-arts de Tokyo. Il n’a commencé sa carrière de mangaka qu’à l’âge de 45 ans. En demandant à Mari par tout hasard si elle connaissait cet artiste venant de la même école qu’elle, elle me répond à l’affirmative à mon grand étonnement. Eldo Yoshimizu était en fait un de ses professeurs en école préparatoire pour entrer aux Beaux-arts. C’est une coïncidence amusante et ça me ferait un sujet de discussion si jamais j’avais l’occasion de faire signer un jour mon exemplaire de RYUKO. Autre point intéressant, le manga est apparemment d’abord sorti aux éditions françaises du Lézard Noir en 2016, puis ensuite au Japon beaucoup plus tard en 2023 aux Éditions Leed Publishing.

Par souci d’augmenter un peu mon audience web, je me décide à montrer des photos de chats. C’est une recette bien connue pour attirer les visiteurs. C’est en fait une coïncidence que j’écoute en ce moment des artistes ou groupes utilisant des images de chats comme couverture de leur single. Ceux de Hoshikuma Minami (星熊南巫) sont cyberpunk, une race de chat que je ne connaissais pas. En recherchant d’autres collaborations de Rinahamu (苺りなはむ) avec des artistes que j’apprécie, je note qu’elle a également sorti un single avec Hoshikuma Minami au chant et KOTONOHOUSE à la composition. Ce single intitulé d∞r est sorti le 18 Janvier 2025. La composition musicale de KOTONOHOUSE n’hésite pas triturer le morceau ce qui apporte à chaque fois un contraste intéressant avec la voix un peu éthérée de Rinahamu. Hoshikuma Minami a par contre une voix plus puissante et agressive, qui m’amène vers trois de ses singles solo PAINKILLER sorti en 2024, puis Demigod Chan et Shinra DARKPOP (新羅DARKPOP) tous les deux sortis en 2023. L’ambiance y est beaucoup plus sombre et les sons électroniques plus disruptifs. Les trois morceaux sont assez courts et s’enchainent comme des petites bombes sonores dans ma playlist. Mon préféré des trois est Demigod Chan qui est dans l’ensemble plus apaisé mais pleins de glitches. Shinra DARKPOP s’enfonce par contre dans les bas-fonds et Hoshikuma Minami chante au bord des cris. Les petits chats à priori mignons des images de couverture de ces singles ne nous laisse en fait pas vraiment imaginer l’ambiance que se cache à l’intérieur. Ecouter ces trois morceaux m’a donné l’occasion de revenir vers le groupe Wagamama Rakia (我儘ラキア) dont elle fait partie. Je découvre le morceau New World sur l’album éponyme sorti en 2020 et je suis tout de suite accroché. Je pense que c’est mon préféré du groupe. En plus des passages rappés toujours excellents de MIRI, le petit plus du morceau est d’entendre Hoshikuma Minami rouler les ‘R’ à certains moments du morceau. Bite Off!!!! sur le EP ONYX sorti en 2022 a un coté K-Pop, mais qui serait dynamité par des guitares métal. J’écoute ensuite le single GR4VITY G4ME sorti en 2022, qui est plus classique dans leur discographie mais également très bon. On est assez loin du son des musiques d’idoles, bien que les quatre filles de Wagamama Rakia fassent officiellement partie de cette catégorisation musicale. J’écoute également le nouveau single de Yeule intitulé Dudu, montrant en couverture un gros chat blanc flottant au dessus de la compositrice et interprète. Son titre Dudu est étrange. Il ne s’agit pourtant pas du nom du chat de Yeule qui s’appelle Miso et a un pelage très différent. Le single a une approche Pop rock inhabituellement lumineuse et sera présent sur son prochain album Evangelic Girl is a Gun, qui s’annonce décidément très bon et qu’on pourra écouter en entier à partir du 30 Mai 2025. Le style musical diffère avec les chats dessinés de la quatrième couverture. Il s’agit du single mild days de Hitsuji Bungaku (羊文学) sorti le 13 Mai 2025. Il démarre à la guitare acoustique et je lui trouve tout de suite un petit air américain ce qui normal car sa sortie marque en quelques sortes le retour du groupe de leur tournée américaine. Le morceau est très beau, mais Hitsuji Bungaku fait de toute façon un sans-faute musicalement depuis le début de leur carrière.

« ハート ハート ハート1個 頂戴 ベイビー » Donnes moi un cœur, nous répète Yu-ri (ゆーり) sur le single Heart111 (ハート111) composé par le musicien électronique Sasuke Haraguchi (原口沙輔), dont je parle de plus en plus souvent sur ses pages. Le morceau super drôle et charmant à l’écoute, même addictif dans une certaine mesure, n’est pas récent car il date d’Avril 2024, mais il me vient en tête alors que l’on fête aujourd’hui les 22 ans de Made in Tokyo. Je passerais sur mon propre étonnement d’une si longue vie et d’une inspiration continue qui me fait ne jamais m’arrêter à écrire des histoires, montrer des photographies de rues et d’architecture, d’évoquer les musiques que j’aime, divaguer parfois vers des terres irréelles (quoique), essayer de transmettre tous les intérêts culturels que je peux trouver dans cette ville et ce pays, le tout avec une sensibilité et une poésie discrète (si possible). Je suis en même temps tout à fait conscient de ne pas être sur la même longueur d’onde que les autres contenus sur le Japon (ah, je n’aime pas ce terme générique de créateur de contenu), mais je n’ai pas non plus l’intention de montrer un autre Tokyo ou un Japon différent. Après autant d’années de vie ici, ces concepts là n’ont plus beaucoup de sens et ne valent que pour ceux qui croient vivre une vie extraordinaire. La mienne est celle de mon quotidien. Elle n’est pas celle d’un voyageur bien que je me l’autorise de temps en temps sur quelques billets de vacances. Je continue tant que je trouve la volonté et la nécessité d’ouvrir mon notepad pour écrire mes impressions, avec toujours dans l’idée le partage gratuit. Mais je ne suis pas contre recevoir de temps en temps en échange un petit cœur de la part des visiteurs. « ココロを下サイ » nous répète encore Yūri sur Heart 111.

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true blue interlude

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Je suis plus attentif ces derniers mois aux sorties musicales non-japonaises, grâce notamment au podcast Very Good Trip de France Inter qui m’oriente vers quelques très belles découvertes. Michka Assayas diffuse dans des episodes récents de son émission une rétrospective de titres sortis cette année qui auraient mérité être davantage diffusés. J’écoute d’abord l’épisode consacré à l’electro et j’accroche tout de suite sur le morceau Death & Romance du groupe Magdalena Bay sur leur dernier album Imaginal Disk, sorti le 23 Août 2024. Le nom de ce duo américain composé de Mica Tenenbaum et Matthew Lewin m’était familier, et je le gardais même en tête sans avoir écouté leur musique, car j’en avais entendu parler à plusieurs reprises. La synth pop à tendance rétro et alternative du morceau Death & Romance me plait tout de suite beaucoup et une première écoute de l’album sur Bandcamp me fait tout de suite l’acheter. J’aime beaucoup la manière dont la plupart des morceaux s’enchainent sur l’album sans interruption, ce qui crée un univers continu. J’adore l’approche pop un peu vaporeuse des morceaux qui n’hésite pas à s’en éloigner en cours de route pour des sons plus expérimentaux. Le tout donne un son alternatif mélangeant les styles, avec même des incursions disco sur l’excellent morceau Image. Ce morceau suivi de Death & Romance m’a tout de suite convaincu de la qualité de l’album. La très grande majorité des morceaux de cet album sont excellents, mais certains sortent quand même leur tête par dessus les autres. Outre ceux déjà cités, on peut également noter Vampire in the Corner, Tunnel Vision, entre autres. Ah, j’adore ce genre de découvertes musicales inattendues qui viendraient presque mettre sans dessus-dessous tout ce que j’ai écouté jusqu’à maintenant (et la composition classique de mes billets par la même occasion).

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the streets #12

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Je continue avec un nouvel épisode de ma série the streets car ça faisait bizarre de terminer sur un épisode 11, bien que le numéro 11 puisse représenter un niveau optimal, au-dessus du niveau 10 comme ça peut l’être par exemple sur les amplificateurs de guitares Marshall (If we need that extra push over the cliff). Je continue donc avec un épisode 12 qui sera peut-être suivi d’autres car c’est tellement plus simple d’avoir des titres prédéfinis à l’avance plutôt que de se faire à chaque fois des noeuds au cerveau pour trouver des titres originaux que peu de personnes seront en mesure d’en déceler l’origine. Ces photographies sont prises à Daikanyama, Naka-Meguro et Shinjuku. Une fois n’est pas coutume, elles sont peuplées d’habitants soigneusement choisis. Il est assez difficile pour moi de saisir des personnes en photo. Elles s’échappent toujours au dernier moment derrière un mur ou un coin de rue. Il faudrait idéalement qu’elles restent figées pendant une trentaine de secondes, voire un peu moins, pour me laisser assez de temps pour me décider à appuyer sur le bouton de l’obturateur. Mon manque de spontanéité fait que la lumière issue de la scène ne contient déjà plus personne au moment où elle traverse finalement l’objectif pour être captée par le dispositif numérique de mon appareil photo. Le problème peut être inversé lorsqu’une personne forcément mal intentionnée vient traverser mon champ de vision pour y laisser son empreinte. Je m’accommode finalement de ces différents cas de figures, car la photographie dépend aussi des hasards bienvenus, même quand ceux-ci sont tout de même un peu préparés à l’avance. Mon intention était par exemple de prendre en photo les blocs de béton aux murs obliques sur la quatrième photo du billet, mais mon doigt posé sur le bouton de l’obturateur a cru bon attendre une demi-seconde de plus pour voir comment un passant à casquette pourrait venir remplir le cadre. J’aurais pu utiliser une allusion à l’obliquité dans le titre de mon billet car la deuxième photo est assez réussie à ce niveau là. Sur cette photographie, j’ai pendant un moment pensé à saisir le livreur de Sagawa poussant son petit chariot rempli de paquets, mais son service de livraison était tellement rapide qu’il m’a échappé, de peu il faut dire. Je ne me sentais pas dans l’idée de faire attendre le client de la livraison pour qu’il pose quelques secondes en plein action devant mon appareil photo. C’est finalement une bonne chose car le véritable intérêt de cette photo ne vient pas du livreur mais des paquets. La disposition de ces paquets à l’oblique venait s’accorder parfaitement avec l’angle du bâtiment de béton placé juste derrière et avec l’angle du panneau de signalisation. Je me demande maintenant si l’angle du panneau de signalisation est volontaire car, s’il avait été bousculé par une voiture, son angle aurait dû être à l’opposé vu le sens unique de circulation de cette toute petite rue. Je n’avais jusqu’à présent jamais remarqué la petite affichette de style manga au nom de Wackozaki (わこ崎), que je montre sur la première photographie du billet. Wackozaki est un illustrateur et graffeur, mais je n’ai trouvé que peu d’information sur cet artiste de rue. Il semble lié au créateur de la collégienne Alpha Uyu, qui se trouve justement au dessus de son illustration sur le poteau de cette rue très fréquentée de Daikanyama. Le choix de montrer ensuite une voiture vintage dans la sélection de photographies de ce billet n’est pas par hazard et vient dresser un lien subtil avec la musique qui va suivre.

Ryōsuke Nagaoka (長岡亮介), alias Ukigumo, du groupe Tokyo Jihen est un fervent amateur de voitures anciennes, même s’il a apparemment une préférence pour les françaises de type Citroën. Je ne vais par contre pas parler de Tokyo Jihen dans la suite de ce billet car il n’y a malheureusement aucune actualité concernant le groupe. Évoquons plutôt l’autre groupe de Nagaoka, Petrolz (ペトロールズ) que je finis par découvrir suite à des pressions extérieures que je ne nommerais pas mais qui avaient bien raison d’insister. La raison pour laquelle je ne m’étais pas encore penché sur Petrolz m’échappe un peu, mais je pense que la difficulté de se procurer la musique du groupe a certainement joué. La plupart des albums ne sont bizarrement pas disponibles sur iTunes ou Bandcamp, et les CDs des quelques albums sont difficilement trouvables chez les disquaires, ou à des prix excessifs en occasion. En fait, je pense également que j’ai toujours eu inconsciemment l’idée que la force créatrice qui me parlait vraiment dans Tokyo Jihen était celle de Sheena Ringo. A vrai dire, je n’ai aucune idée du pourquoi j’avais cette impression car Ukigumo a créé plusieurs morceaux emblématiques de Tokyo Jihen, dont l’insaisissable OSCA, qui reste pour moi un des sommets créatifs du groupe. Peut-être est ce plutôt dû au fait que Ryōsuke Nagaoka est le guitariste d’appoint du groupe accompagnant la musique sympathique d’Hoshino Gen. À chaque fois que je le vois sur scène à la télévision avec Hoshino Gen, je me demande toujours s’il ne perd pas un peu son temps sachant toutes les qualités de guitariste qu’on lui connaît et qu’il a maintes fois démontré que ce soit sur des albums ou en concerts. En fait, je pense que j’ai toujours eu un peu de mal à cerner sa personnalité et son approche artistique car il reste très discret (malgré son émission radio toutes les semaines intitulée Fourgonnette, sponsorisée par Citroën). En même temps, il me donne l’image d’un électron libre, insaisissable comme son morceau OSCA et comme son jeu de guitare qui ne ressemble pas beaucoup à celui des autres guitaristes que je connais. J’imagine d’ailleurs très bien la vision que Ringo a dû avoir du personnage lorsqu’elle lui a donné le surnom de nuage mouvant (pour Ukigumo). Bref, tout cela pour dire que je ne savais pas trop à quoi m’attendre avant d’écouter l’album Renaissance, qu’on m’avait vivement conseillé.

Renaissance est le premier album studio du groupe. Il est sorti en 2015 et, à cette époque, Tokyo Jihen avait cessé ses activités depuis 2012. Petrolz a cependant été fondé bien avant cela, en 2005, la même année où Ukigumo a rejoint la Phase 2 de Tokyo Jihen. Ce double démarrage pour Ryōsuke Nagaoka / Ukigumo explique certainement le fait que Petrolz ne sortit son premier EP et des singles qu’à partir de l’année 2008. Après la dissolution de Tokyo Jihen en 2012, la sortie de ce premier album en 2015 sous la bannière Petrolz était peut-être comme une renaissance pour Ryōsuke Nagaoka. Petrolz est en fait un trio. Ryōsuke Nagaoka y joue bien sûr de la guitare et chante. Il est accompagné par Jungo Miura (三浦淳悟) à la basse et par Toshihide Kawamura (河村俊秀) à la batterie. On comprend tout de suite l’origine du nom du groupe, Nagaoka étant amateur d’automobiles. Renaissance se compose de 11 titres pour un peu plus de 50 minutes. On reconnaît sur chacun des morceaux le style aérien d’Ukigumo dans les riffs de guitare, mais sa voix claire et mélodieuse me donne également cette même impression. Le style est différent mais les compositions assez atypiques de chaque morceau de l’album me rappellent un peu Cero sur leur album e o. On y trouve une grande liberté stylistique même si on reste sur du rock à tendance alternative. J’ai toujours le sentiment qu’Ukigimo joue avec aisance, sans faire d’efforts et que ces sons si bien agencés lui viennent naturellement sans qu’il se fasse violence. Ce qui est particulièrement épatant sur une bonne partie des morceaux est la qualité des chœurs accompagnant les compositions. On y trouve quelque chose de ludique, que ça soit dans ses chœurs très chantant ou dans les choix d’accords de guitare. Je me dis par moment qu’on n’est pas très loin de Tokyo Jihen, et je m’attendrais presque à ce que Sheena Ringo et Ichiyō Izawa viennent apporter soudainement leurs voix au détour d’un couplet. Et quand la guitare se réveille pour des petits solo, c’est un vrai régal. L’ensemble de l’album est excellent dès le premier morceau Tight! (タイト!) et le suivant On your side, mais j’adore particulièrement l’enchainement de trois morceaux au milieu de l’album Talassa, Fuel et Profile. C’est assez exceptionnel, que ça soit au niveau de la composition musicale particulièrement inventive que du chant plein d’ampleur et de superpositions. Un morceau comme Talassa me fait en fait penser à e o de Cero. Ces morceaux sont vraiment très inspirés et ça accentue d’autant plus mon incompréhension de constater que cet album n’est pas disponible sur iTunes ou en CD au Tower Records du coin. Renaissance se révèle après plusieurs écoutes, et ne donnera pas tout son potentiel dès la première fois. Il faut s’asseoir tranquillement et lui laisser un peu temps pour diffuser son parfum. Je me surprends à avoir des mélodies me revenant en tête soudainement et avoir ensuite l’envie irrésistible d’écouter le morceau en question. Je trouve en plus qu’on se sent bien en écoutant cet album, une ambiance cool mais qui ne s’endort pas non plus sur ses amplis. Donc oui, j’avais tord de ne pas avoir écouté cet album beaucoup plus tôt, mais je n’ai que 9 ans de retard. On me le pardonnera certainement.

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完璧にバグってる生き物で

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Je n’étais pas revenu vers cette forme de composition photographique que j’appelle moi-même Shoegazing Photography depuis très longtemps. Ce n’est pourtant pas l’envie qui me manque d’apporter des perturbations à des photographies plutôt classiques, prises ici à Daikanyama et Ebisu. Tout comme le shoegaze en musique rock, des nappes viennent se superposer au dessus d’espaces clairs et lisibles pour y introduire un univers vaporeux proche du rêve. Avec l’été qui est déjà bien présent en ce tout début du mois de Juillet, me viennent des envies de mirages, comme si la moiteur ambiante rendait flou le contour des choses. La ville devient un immense désert de solitude, bien que la présence humaine soit omniprésente dans le décor urbain tout autour de moi. Elle n’est qu’images qui passent puis disparaissent à jamais. Ces images défilent et m’effleurent délicatement, s’échappant du bruit insaisissable qui les envelope, mais ne viennent pas altérer mon espace vital. Je m’extrais de ce bruit pour en écouter un autre dans mes écouteurs. Mais ce bruit là, celui des guitares, est accompagné d’une voix qui m’élève loin au dessus de ce monde urbain.

Je découvre parfois des pépites dont je ne soupçonnais pas l’existence, c’est la cas de l’album Time Machine ga Kowareru mae ni (タイムマシンが壊れる前に) d’abord sorti en 2015 puis ré-enregistré en 2021. C’est cette dernière version que j’écoute en ce moment avec passion. Il s’agit d’un album du groupe Tokenainamae (溶けない名前) formé en 2012 à Nagoya et composé d’Uran Uratani (うらたにうらん) au chant et aux claviers, Ryūta Itō (イトウリュウタ) à la guitare et au chant, Takuya Shimamoto (シマモトタクヤ) à la basse, Naoki Sogabe (ソガベナオキ) également à la basse et Kiyoshi Niwa (ニワキヨシ) à la batterie. Tokenainamae compose une musique shoegaze et noise-pop qui se caractérise par une certaine nostalgie et innocence adolescente, à chaque fois représentée en photo sur les couvertures des albums et EPs. Le groupe n’a en fait sorti que deux albums: Time Machine ga Kowareru mae ni en 2015/21, et Seifuku Kanro Kurabu (制服甘露倶楽部) en 2017, ainsi que trois EPs dont deux à leurs débuts (おやすみA感覚 et おしえてV感覚) puis un en 2022 intitulé Kasuka ni sō matou (幽かにそう纏う). L’album Time Machine ga Kowareru mae ni (タイムマシンが壊れる前に) est tout à fait remarquable et je le classifie facilement dans ma liste des meilleurs albums shoegaze japonais. On y trouve bien sûr les plages de bruits de guitares caractéristiques du genre depuis lesquelles s’élève la voix légèrement vaporeuse d’Uran Uratani. La particularité qui fait toute la différence est l’utilisation des claviers qui apportent une pointe de pop à l’ensemble et une dynamique assez inattendue pour du shoegaze. Les morceaux sont étonnement rapides, le chant d’Uran quasi-omniprésent assez souvent accompagné par une deuxième voix masculine, celle du guitariste Ryūta Itō. L’album de huit morceaux pour 37 minutes est fabuleux de bout en bout sans faiblesse. J’adore absolument tous les morceaux qui ont tous cette même beauté mélancolique mais j‘attends toujours avec une certaine impatience le quatrième morceau √2四 pour l’introduction aux claviers pleine de réverbération. Je trouve que cet album parvient à une sorte de perfection dans sa balance entre la légèreté flottante et délicate du chant et la densité pesante des guitares. Et puis le morceau final de sept minutes Dream Memorandum (睡眠抄) touche au sublime. J’écoute également le EP Kasuka ni sō matou (幽かにそう纏う) et l’album Seifuku Kanro Kurabu (制服甘露倶楽部) qui sont également très beaux mais qui n’arrivent pas au même niveau que Time Machine ga Kowareru mae ni, même si on y trouve de très beaux morceaux comme Double Platonic Suicide (ダブル・プラトニツク・スウイサイド) ou Mahoroba no Reactance (まほろばのリアクタンス). Leur dernière sortie date de 2022, et je ne sais pas si le groupe est toujours en activité car ils ne sont pas très actifs sur Twitter et le dernier billet sur leur page Tumblr semble également dater de cette période. En regardant le fil Twitter du groupe j’ai d’ailleurs été amusé par une reinterpretation de la couverture et du titre de l’album Time Machine ga Kowareru mae ni en montrant Bocchi de l’anime Bocchi The Rock (ぼっち・ざ・ろっく！) avec un nouveau nom d’album ぼっちちゃんが壊れる前に (avant que Bocchi ne se casse) attribué au Kessoku Band (結束バンド), le groupe de l’anime. Dans l’anime, l’instabilité émotionnelle de Bocchi fait qu’elle se « casse » souvent d’une manière similaire. C’est intéressant de voir comme cet anime est encore très présent. On trouve souvent des posters dans les magasins Disk Union et à certains endroits de Shimokitazawa (où se déroule l’histoire). Je pense qu’il ne faut pas sous-estimer l’influence de cet anime sur la jeune génération. La fille d’un ami a par exemple commencé à jouer de la guitare après avoir vu cet anime. Il y aura peut-être dans les années qui viennent de nombreux jeunes groupes de rock influencés par Bocchi The Rock qui verront le jour.