Étiquette : Kazunobu Mineta

AI/Musiques/Tokyo

hypnotic innocence, cathartic existence ~1

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Le Samedi 18 Juin 2022.
Kaori Himuro (氷室 薫) a appris à jouer du piano dès son plus jeune âge, poussée par ses parents. Elle ne regrette pas maintenant cet apprentissage forcé bien qu’elle se soit ensuite tournée vers la guitare pour fonder un groupe de rock avec ses camarades du club de musique de son lycée à Nagano, Tak, Kyo Nakamura et Megu. Les quatre ont commencé par jouer des reprises de groupes punk japonais comme The Stalin, mais ont assez rapidement créé leurs propres compositions. Elle écrit les paroles et Nakamura qui chante également avec elle, compose les musiques de la plupart des morceaux. Depuis l’université, elle a déménagé à Tokyo, tout comme les autres membres du groupe ce qui leur a permis de continuer à jouer ensemble de manière très régulière. Leur style s’est progressivement éloigné du punk rock pour un son plus garage qui garde cependant toute l’intensité de leur tout début. Le groupe a changé plusieurs fois de noms bien que les membres de la formation soient identique. Ils s’appellent actuellement In a Cold Room. Megu proposa ce nom en référence au nom de famille de Kaori et en imaginant que la musique du groupe parviendrait par son énergie à réchauffer toutes les salles. Kaori s’est d’abord sentie gênée par cette référence directe mais s’est finalement laissée convaincre par l’enthousiasme des autres. Ils n’ont pour l’instant sorti qu’un EP éponyme qui a eu un certain succès dans les milieux indépendants et qui leur permet de jouer dans quelques petites salles et bars de Shimokitazawa. Elle me raconte cette version courte de son histoire que je note sur mon petit carnet moleskine noir, en imaginant qu’elle se trouve devant moi un peu pressée par le temps car son groupe l’attend pour les répétitions du concert de ce soir. J’ai à peine le temps de souhaiter à Himuro san beaucoup de succès qu’elle s’est déjà évanouie dans les sons saturés de guitares comme une image floue mais persistante.

Le Samedi 7 Mars 2026.
Je repense au rock du groupe punk The Stalin (ザ・スターリン) car l’ancien batteur du groupe Jun Inui (イヌイジュン) tenait une petite conférence dans l’espace événementiel au 6ème étage du Tower Records de Shibuya le 7 Mars 2026 à 19h, à l’occasion de la publication de son livre intitulé PUNK! De l’autre côté de la rébellion: qu’ont chanté The Stalin ? (PUNK! 反逆の向こう側で ザ・スターリンたちはなにを歌ったのか?). Je ne connais pas bien la musique du groupe mais j’étais sur place au moment de cette conférence. Ce n’était pas tout à fait un hasard car je savais que Jun Togawa (戸川純) y intervenait comme invitée. J’étais plus intrigué de voir Jun Togawa que Jun Inui, et je me suis donc demandé si j’allais vraiment essayer d’assister à cette conférence. L’entrée était libre mais je ne me suis pas senti à l’aise pour y entrer ne connaissant pas bien le groupe, d’autant plus que la conférence se déroulait dans un espace fermé d’où il semblait difficile de s’éclipser discrètement. Je n’y ai donc pas assisté mais j’ai tout de même aperçu Jun Togawa au sixième étage du Tower Records se dirigeant péniblement vers la salle de conférence. Elle semble avoir du mal à marcher et se faisait aider d’une personne du staff pour se déplacer. J’avais deviné qu’elle avait du mal à se déplacer car elle est assise lors de ses concerts. Elle est toujours active sur scène, mais j’hésite encore à aller la voir car je sais que sa voix a beaucoup changé et j’ai peur de ne pas retrouver toutes les émotions que j’avais éprouvé en écoutant ses albums solo ou avec Yapoos. Depuis ce passage manqué au Tower Records de Shibuya, j’écoute l’album Mushi (虫) de The Stalin qui doit être à mon avis un des plus emblématiques du groupe, du moins celui dont je connaissais déjà la couverture.

Le groupe The Stalin est l’un des piliers les plus radicaux et influents du punk japonais des années 1980. Il a été fondé par Michiro Endo (遠藤ミチロウ), né en 1950 et mort en 2019. Le nom du groupe en référence à Joseph Stalin est volontairement provocateur car choisi pour choquer et attirer l’attention. Les morceaux que j’écoute sur l’album Mushi sorti en 1983 sont bruts, agressifs et chaotiques dans le plus pur esprit punk. Michiro Endo y crie plus qu’il ne chante, comme des complaintes incessantes. Chaque morceau est condensé en 2 minutes et garde une mélodie de guitare relativement simple mais accrocheuse. J’aime le punk à petites doses mais j’ai quand même du mal à m’accrocher au genre. Le morceau Mushi (虫) qui conclut l’album est par contre assez différent du reste, notamment pour sa longueur de presque dix minutes. Alors que les autres morceaux de l’album sont de pures explosions verbales et musicales, celui-ci est beaucoup plus habité. La voix de Michiro Endo semble crier une douleur intérieure qui le ronge lentement. On a même l’impression qu’il est possédé, enfermé dans un lieu sombre claustrophobique. On n’y retrouve pas la catharsis typique du punk mais la même douleur rampante. C’est très clairement le morceau le plus fort de l’album, une véritable expérience sensorielle. Le morceau est absolument fascinant et même inquiétant. On a le sentiment que Michiro est poursuivi par une force qu’il ne reconnaît pas (おまえなんて知らない、どこかへ飛んでけ) mais qui le ronge progressivement jusqu’à une forme de déshumanisation. Il y évoque devenir un insecte (虫になったらよろしく), ce qui n’est pas sans me rappeler le premier album de Jun Togawa, Tamahimesama (玉姫様), qui évoquait une imagerie un peu similaire. L’image que projette le morceau Mushi est très forte et marquante. Listen at your own risk.

Parmi les flyers que j’ai trouvé au Tower Records de Shibuya, je vois celui du film Street Kingdom: Make Your Own Sound (ストリート・キングダム: 自分の音を鳴らせ) qui nous parle justement de la scène indie rock japonaise de cette époque en évoquant directement la vraie scène punk japonaise et notamment The Stalin. Le film sortira le 27 Mars 2026 et est réalisé par Tomorowo Taguchi (田口 トモロヲ), connu pour être l’acteur principal des films Tetsuo 1 et 2 de Shinya Tsukamoto. Le film se déroule en 1978 à Tokyo, au moment où naît la scène punk japonaise. On suit le photographe Yuichi, interprété par Kazunobu Mineta (峯田 和伸). En plus d’être acteur, il est lui-même frontman du groupe punk Ging Nang Boyz, dont j’ai déjà parlé sur ces pages. Il est fasciné par les Sex Pistols et découvre une scène underground en pleine ébullition, dans des live-houses devenues mythiques comme celle du Loft à Shinjuku. Parmi les groupes ayant inspiré le film, je vois avec plaisir le nom de Zelda dont j’ai également déjà parlé sur ce blog, et une musique de film composée par Yoshihide Otomo. C’est clairement un film que j’ai envie de voir au cinéma, d’autant plus que je suis maintenant un peu plus familier de The Stalin.

Architecture/Cinéma/Tokyo

悠然と構えてトランスフォーメーション

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J’avais bien mentionné dans le billet précédent un passage au sanctuaire Yushima Tenman-gū (湯島天満宮), qu’on appelle plus communément Yushima Tenjin (湯島天神). Le voici donc dans les quatre premières photographies du billet, depuis l’une de ses approches par l’étroite rue Gakumon (学問の道). Il est situé dans l’arrondissement de Bunkyō, non loin du grand étang Shinobazuno-Ike, dans le parc d’Ueno. Fondé en 458, il est initialement dédié au kami Ame-no-Tajikarao (天手力男神), dont le nom signifie « la puissance de la main céleste ». En 1355, le sanctuaire devient un lieu de culte en l’honneur de Sugawara no Michizane (菅原道真), lettré, poète et homme politique de l’époque de Heian, divinisé sous le nom de Tenjin, dieu des études et de l’intellect. Cela explique le second nom du sanctuaire. Très fréquenté par les étudiants avant les périodes d’examens et de concours, il attire ceux qui cherchent à bénéficier de la protection de Tenjin. Je n’ai pas d’examens à préparer, mais je fais tout de même le tour du sanctuaire. Il est malheureusement un peu tard pour obtenir le sceau goshuin, mais je n’attendrai peut-être pas vingt ans avant d’y revenir.

Les photographies suivantes ont été prises à Ginza, un tout autre jour. Il s’agit de l’Okuno Building (奥野ビル), datant de l’ère Shōwa. Construit en 1932 — et en 1934 pour l’annexe — par l’architecte Ryōichi Kawamoto (川元良一), il repose sur une structure en béton armé conçue pour résister aux tremblements de terre. Le bâtiment abritait à l’origine des appartements de haut standing, mais il accueille aujourd’hui des boutiques et galeries d’art réparties sur tous les étages. Un seul appartement subsiste dans son état d’origine, le numéro 306, que l’on peut visiter uniquement le 6 du mois. Nous avons parcouru les six étages du bâtiment principal et de son annexe, en commençant par l’ascenseur à porte manuelle. L’ambiance intérieure, notamment dans les couloirs et les escaliers, conserve un charme rétro. On a réellement l’impression de se perdre dans une autre époque.

Au sixième étage, nous sommes d’abord attirés par le Salon de Lã, également appelée Galerie Lã (ギャルリー ラー), qui occupe les appartements 601 et 607. On y trouvait une exposition d’artisanat traditionnel en menuiserie par Sato Mokkō (佐藤木工), présentant notamment des meubles japonais contemporains créés sur mesure selon des techniques traditionnelles. J’ai été particulièrement impressionné par les tables basses octogonales laquées, au design complexe en assemblage de type masugumi (斗組), rappelant l’architecture miniature des sanctuaires. On retrouve clairement chez Sato Mokkō le savoir-faire des charpentiers de sanctuaires, ainsi qu’un raffinement délicat, notamment dans les petites boîtes à trésors appelées Tamatebako (玉手箱). On pouvait admirer différentes boîtes en bois, aux finitions laquées dans divers coloris, dont certains très pop et modernes. La dame de la galerie a pris le temps de nous expliquer en détail la finesse de ces objets, que l’on pouvait acheter — même si leurs prix restent très élevés, voire inaccessibles. Nous avons ensuite parcouru les autres étages du bâtiment Okuno, sans trop nous attarder. Le parcmètre devait déjà avoir largement dépassé l’heure, et il valait mieux éviter une contravention de la part de la patrouille verte de surveillance du stationnement (駐車監視員). Et pourtant, en sortant de l’Okuno Building, je les vois déjà rôder autour de la voiture. Je me précipite aussitôt, tel un lièvre, pour leur signifier gentiment mais fermement que je suis justement en train de partir. Leur procédure d’enregistrement d’une contravention prenant heureusement plusieurs minutes, intercepter leur inspection permet d’arrêter le processus à temps.

Le petit concert de macaroom sur YouTube intitulé a tiny tiny room concert fut une très agréable surprise. Dans un format minimaliste, le groupe a interprété trois morceaux sur le thème de la pluie, dans une ambiance tout à fait détendue. Le dernier titre, sorti le 11 juin 2025, s’intitule Nagaame (長雨), un nom très approprié à la saison humide actuelle. Comme toujours chez macaroom, on retrouve la délicatesse des compositions d’Asahi et la voix douce et expressive d’Emaru, jusque dans ses soupirs insistants. Chaque écoute me procure des instants de poésie qui me soulagent, l’espace d’un moment, des tracas du quotidien. Par coïncidence, j’écoute en ce moment un autre morceau centré sur la pluie. J’ai découvert la chanson Ame (雨) d’Eiji Miyoshi (三善英史) lors d’une émission de radio. Elle a immédiatement capté toute mon attention. Il s’agit d’une ballade enka sortie en mai 1972, racontant l’histoire d’une femme attendant, sous la pluie un samedi après-midi, un homme qui ne viendra jamais. Le chant traduit avec finesse et poésie cette attente, cette solitude, et la souffrance silencieuse causée par une promesse non tenue. Le morceau respecte les codes du enka dès les premières notes. Bien que je sois loin d’être un spécialiste du genre, son écoute m’est étrangement familière, sans doute parce que j’en ai souvent entendu malgré moi à la télévision. Je ne cache pas mon envie d’explorer davantage ce style, dans la veine de Ame d’Eiji Miyoshi. Je me suis alors tourné vers Meiko Kaji (梶芽衣子).

Je savais depuis longtemps que j’en viendrais à écouter les morceaux enka de l’actrice et chanteuse Meiko Kaji, mais j’ignorais quand cela arriverait. Le premier morceau à s’imposer à moi fut The Flower of Carnage (修羅の花), tiré du film Shurayuki-hime (修羅雪姫, Lady Snowblood), réalisé en 1973 par Toshiya Fujita. L’écoute du morceau m’a poussé à voir le film. Meiko Kaji y incarne Yuki, formée dès l’enfance aux arts martiaux pour accomplir une vendetta sanglante visant à venger sa mère. Le film possède une esthétique stylisée magnifique. Yuki y accomplit sa vengeance avec une froideur implacable et une violence très graphique. Le film a d’ailleurs fortement influencé Kill Bill de Quentin Tarantino, qui a repris The Flower of Carnage pour sa bande-son. Si j’avais trouvé Kill Bill un peu ridicule dans son approche excessive, j’ai été au contraire fasciné par la justesse et l’intensité de Lady Snowblood. L’interprétation de Meiko Kaji, surtout par l’expression de son regard, et l’esthétique globale du film y sont pour beaucoup. Ces deux morceaux, celui de Meiko Kaji et celui d’Eiji Miyoshi, m’ont donné une irrésistible envie de découvrir d’autres titres enka. Mais par où continuer? La question reste ouverte. En attendant, j’écoute bien sûr le nouveau single de Sheena Ringo.

Le nouveau single de Sheena Ringo, sorti en CD le mercredi 25 juin 2025, s’intitule Susuki ni Tsuki (芒に月) et comporte un second titre en espagnol, La velada legendaria. Il était déjà disponible en version digitale quelques jours auparavant, et c’est ainsi que je l’ai découvert. Cela ne m’a pas empêché d’acheter le CD au Tower Records de Shinjuku, qui avait organisé une petite exposition en l’honneur de Sheena Ringo, comme à chaque sortie importante. Ce nouveau single est une reprise du morceau Gipsy (ジプシー) de l’album GIGS du groupe Appa (あっぱ), fondé en 2004 par Ichiyō Izawa (伊澤一葉), de son vrai nom Keitarō Izawa (伊澤啓太郎), pianiste et chanteur du groupe. Il est accompagné de Hideaki Hotta (堀田秀顕) à la basse et de Kazuto Satō (佐藤一人) à la batterie. Sheena Ringo avait déjà donné un aperçu du morceau durant sa tournée Ringo Expo’24. La version remaniée par Izawa pour Ringo conserve la structure musicale du morceau original, tout en la rendant plus riche et plus mature. Ringo en a toutefois entièrement réécrit les paroles, établissant un contraste entre une société japonaise rigide, parfois désabusée, et une quête poétique et spirituelle de transformation et de réconciliation. Dès la première écoute, le morceau intrigue par son début déconcertant, mais il captive rapidement. Il se présente comme une fresque musicale en plusieurs actes. Sa composition est polymorphe, virevoltante, toujours retombant sur ses pattes. Côté chant, Ringo déploie toute sa palette vocale, alternant graves profonds et aigus soudains. Sa puissance vocale est particulièrement marquante lorsqu’elle roule les « r » à l’envie en chantant certaines phrases en anglais dans la seconde partie. Le piano d’Izawa est virtuose sur ce morceau de plus de six minutes, qui se termine même sur des claquettes de Ringo en kimono dans le clip.

La vidéo, très abstraite, a été réalisée comme toujours par Yūichi Kodama (児玉裕一). On y retrouve Aya Sato, chorégraphe et danseuse, accompagnée de son groupe de 14 danseuses. Si je ne me trompe pas, elles n’étaient plus apparues ensemble depuis les videos de Niwatori to Hebi to Buta (鶏と蛇と豚) et Open Secret (公然の秘密) sortis en 2019. Aya Sato est la protagoniste principale de cette nouvelle vidéo, qui met en scène une lutte intérieure symbolisant la résilience humaine. La mise en scène, expressive et poétique, complète magnifiquement ce morceau atypique, qu’on imagine difficilement interprété par une autre que Ringo. La face B du single, intitulée Matsu ni Tsuru (松に鶴, Este nuevo problema), est plus classique dans sa composition. Chantée entièrement en espagnol, elle débute par des sonorités de samba assez surprenantes. J’ai beaucoup aimé le refrain, et même le juron inattendu en espagnol, facile à comprendre. Depuis le morceau en argentin sur son dernier album, Ringo semble entrer dans une phase hispanisante qui lui va plutôt bien. Ce morceau est également une reprise d’Appa, intitulée Kimochiyo (きもちよ), issu du même album GIGS (2006), avec une musique réarrangée par Izawa et des paroles entièrement réécrites par Ringo.

Je suis donc allé acheter ce nouveau single, ainsi que le Blu-ray du concert Ringo Expo’24 – 景気の回復, au Tower Records de Shinjuku, le jour de leur sortie commune, le mercredi 25 juin 2025. Je savais qu’on y exposait les costumes de la tournée Ringo Expo’24. Certains d’entre eux ont été conçus par le styliste Keisuke Kanda (神田恵介), comme pour la tournée précédente. Petite parenthèse: j’ai été amusé de découvrir que Keisuke Kanda a également collaboré à plusieurs reprises avec Ging Nang Boyz (銀杏BOYZ) pour une ligne de vêtements et de t-shirts. On peut voir certaines de ces pièces portées par Kazunobu Mineta (峯田和伸) et Riho Yoshioka (吉岡里帆), qui est une grande fan de Sheena Ringo. C’est toujours un plaisir de constater que le Tower Records de Shinjuku perpétue la tradition de ces mini-expositions dédiées à Sheena Ringo lors de ses sorties importantes. Les fans sont toujours au rendez-vous dès les premiers jours, prenant des photos des tenues de scène exposées sous verre.🎴

Art/Musiques/Tokyo

the streets #7

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C’est assez reposant pour l’esprit de prendre des photos plus abstraites en se basant simplement sur l’impression que nous donne des formes ou des superpositions de matériaux. On saisit les choses qui nous interpellent sans besoin d’expliquer descriptivement ce que l’on a devant nous. Je pourrais certainement préciser le nom des architectes de certaines des architectures montrées ci-dessus mais je les ai déjà montré plusieurs fois sur Made in Tokyo. Les billets intitulés the streets, comme le précédent, ont tendance à partir dans des directions variées, sans avoir de cohérence très précise. Ces photographies parfois énigmatiques et ces textes qui partent dans tous les sens contribuent à cette image de forêt dense dans laquelle on se perdrait, que j’aime donner à ce blog. Quand j’imagine cette forêt dense, me reviennent en tête les photographies de Yoshihiko Ueda dans le recueil intitulé Quinault prenant pour thème la forêt profonde du parc de Quinault près de Seattle aux États Unis. Je parlais de ce livre dans un billet d’Avril 2011 intitulé Structure and Clouds, sur lequel je reviens régulièrement. Sur Made in Tokyo, certains billets sont plus structurant que d’autres, comme des troncs d’arbres dont la cime dépasserait les autres arbres tout autour. Il y a un certain nombre de billets qui ont pour moi une importance toute particulière et cette importance est souvent liée aux discussions qui suivent dans les commentaires qui m’ont amené vers des directions nouvelles ou conforté dans certaines voies.

Je suis allé voir le Samedi 31 Août 2024 la grande exposition dédiée à l’artiste Japonais Keiichi Tanaami (田名網敬一) au National Art Center Tokyo (NACT). Cette exposition intitulée Adventures in Memory (記憶の冒険) a démarré le 7 Août et fermera ses portes le 11 Novembre 2024. J’ai été très impressionné par le densité de ces œuvres, souvent basées sur des collages de multiples éléments tirés de magazines ou illustrés par lui-même. Cette exposition nous montre aussi ces peintures, un grand nombre de sculptures aux formes fantastiques et objets bizarres aux couleurs fortes. On peut également y voir quelques vidéos expérimentales. Keiichi Tanaami est un artiste qui touche à tout, mais son style reste immédiatement reconnaissable. Cette exposition est la première rétrospective majeure de son œuvre, et en soixante ans de carrière, il y a vraiment beaucoup de belles choses à montrer, certaines étant parfois un peu dérangeantes. L’artiste est mort à l’âge de 88 ans le 9 Août 2024, deux jours seulement après l’ouverture de cette grande exposition. Avec l’exposition CLAMP se déroulant en même temps dans d’autres salles, les propositions artistiques axées pop culture du musée NACT sont particulièrement intéressantes en ce moment.

J’adore retrouver la musique hyperpop d’4s4ki lorsqu’elle créé d’excellent morceaux comme celui intitulé ReEnd (再終焉) de son EP Collective Obsession (集合体大好病) sorti le 4 Octobre 2024. Il s’agit d’une collaboration avec le compositeur et DJ NUU$HI et Eijun Suganami (菅波栄純), guitariste du groupe THE BACK HORN. J’aime beaucoup quand le chant rappé légèrement modifié d’4s4ki s’entoure d’une ambiance musicale qui a de l’ampleur comme ici. L’autre morceau intitulé Ganbariyasan dakara ai shite (頑張り屋さんだから愛して) que j’écoute beaucoup est nettement plus détendu, peut-être parce qu’il s’agit d’une nouvelle collaboration avec Rinahamu qui n’est pas vraiment connue pour partir dans les tours. C’est peut-être parce que les voix d’4s4ki et de Rinahamu sont différentes qu’elles se complémentent bien. Leur autre duo était sur le morceau NEXUS sur l’album Your Dreamland d’4s4ki (2020), qui reste un de ceux que je préfère de cet album. Le EP Collective Obsession démarre par une collaboration avec Dé Dé Mouse intitulée Espa Shōgakusei (エスパー小学生) qui, je trouve, va un peu trop loin dans l’agressivité électronique pour vraiment m’accrocher.

Je n’écoute pas souvent la musique de Seiko Ōmori (大森靖子) mais je reste toujours attentif aux nouveaux albums qu’elle sort. Son dernier s’intitule, dans un anglais un peu approximatif, THIS IS JAPANESE GIRL et il est sorti le 18 Septembre 2024. En survolant les morceaux de l’album, je retiens le cinquième Momoiro Danchi (桃色団地). Mon oreille est certainement attirée par le fait qu’il s’agit d’un duo avec Shūtoku Mukai (向井秀徳) et par le son très appuyé de synthétiseur vintage démarrant le morceau. Il faut aimer la façon très maniérée de chanter de Seiko Ōmori, mais il faut dire que la voix de Shūtoku Mukai est également assez particulière et quand les deux chantent en même temps, on atteint une sorte d’harmonie inattendue. Cette collaboration m’a fait me demander si Seiko Ōmori avait déjà chanté en duo avec Kazunobu Mineta (峯田和伸) de Ging Nang Boyz, une autre figure du rock indé japonais. Je me suis rappelé du single Re: Re: Love, sorti en 2019 dont la vidéo était un véritable petit drama avec les joie, chagrin et dispute d’un couple. Il y a une densité émotionnelle, à chaque fois prête à éclater, dans les morceaux de Seiko Ōmori qui ne laisse pas indifférent, même si personnellement, je n’accroche vraiment que sur certains morceaux, comme les deux mentionnés ci-dessus ou l’album TOKYO BLACK HOLE dont j’avais déjà parlé sur Made in Tokyo et vers lequel je reviens régulièrement.

Musiques/Tokyo

expanded lights & noisy sounds (ガンマフラッシュ)

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Les lumières quand on les étirent font parfois ressembler les objets du décor urbain à des machines animées infernales. On les regarde de loin gesticuler sans arrêts et on ne peut que s’extasier devant ce spectacle formidable.

Côté musique, je reviens une nouvelle fois vers le rock à tendance noise et punk de Ging Nang Boyz (銀杏BOYZ), le groupe fondé par Kazunobu Mineta (峯田和伸), avec leur troisième album studio intitulé Hikari no naka ni tatteitene (光のなかに立っていてね) sorti en 2014. Je le cherchais en fait depuis un bon moment dans les magasins Disk Union de Shinjuku, Shibuya, Ochanomizu ou Shimo-Kitazawa. Je préfère trouver les albums de Ging Nang Boyz en version CD car les photographies ou illustrations sur leurs livrets sont toujours remarquables. Les photographies sur cet album sont une nouvelle fois de Kotori Kawashima (川島小鳥), qui collabore avec Kazunobu Mineta depuis plus de dix ans. Les photographies pour cet album montre l’actrice taïwanaise Yao Aining (ヤオ・アイニン), surnommée Pipi-chan (ピピちゃん), originaire de Kaohsiung. Elle a joué dans un film japonais intitulé Renai Kitanshu (恋愛奇譚集) sorti en 2017, qu’il faudrait que je vois si l’occasion se présente car le synopsis teinté de fantastique a l’air intéressant. Le son de cet album se trouve à mi-chemin entre le premier album You & I’s WW III Love Revolution (君と僕の第三次世界大戦的恋愛革命) et l’album suivant Ne- Minna Daisuki dayo (ねえみんな大好きだよ). Il n’est pas aussi punk que le premier mais reste plus agressif dans son approche que le deuxième. Le premier morceau 17 Sai (17才) est un des meilleurs morceaux de l’album et peut-être même du groupe. Il est particulièrement intéressant car on a le sentiment que Mineta accouche péniblement du morceau en allant chercher les paroles qu’il chante au plus profond de lui-même, et que les extraire lui sont à la fois pénible mais nécessaire et salvateur. Cela donne un morceau très prenant à l’écoute, plein d’une force que l’on ressent très clairement. J’ai lu que l’atmosphère lors de l’enregistrement était assez tendu entre les membres du groupe, voulant eux-mêmes poursuivre leurs propres directions, et que le guitariste Chin Nakamura et le bassiste Abiko ont finalement quitté le groupe après cet album. On ressent tout à fait cette tension dans les morceaux de l’album, sauf qu’elle semble tout de même canalisée pour ressortir dans la puissance du son et du chant, que Mineta maîtrise très bien au delà parfois des cris. J’aime beaucoup la force brute qui se dégage des albums de Ging Nang Boyz, qui n’hésite pas utiliser des sons abrasifs, qu’ils soient issus des guitares ou des synthétiseurs. On ne ressent pas de délicatesse particulière dans ses morceaux mais une émotion sans filtre et à fleur de peau. L’album reste plus abordable que You & I’s WW III Love Revolution et n’hésite pas à introduire des sonorités plutôt pop dans une atmosphère tout de même assez fortement marquée pour les sons punk. Alors bien sûr les sons pourront paraître agressifs et les mélanges de style un peu étonnants comme sur le deuxième morceau Konrinzai (金輪際) ou le troisième Ai shiteru-te yu-te yone (愛してるってゆってよね) ajoutant des sons électroniques, mais le bruit des guitares également présentes est tellement beau. Le quatrième morceau I DON’T WANNA DIE FOREVER est peut-être celui qui va le plus loin dans le grand écart entre ces différents sons et esprits, car les sons électroniques pourraient être empruntés à un groupe d’idoles, mais ça fonctionne étonnamment bien. La constante du groupe est de produire un son d’une jeunesse adolescente particulièrement rafraîchissante, et le chant de Mineta et de son groupe y sont pour beaucoup. Il y a quelque chose du défouloir dans cette musique, quelque chose de pas très raisonnable et résonné, d’excessif et d’exacerbé, qui fait beaucoup de bien, et ce même dans les morceaux plus posés comme le long Hikari (光) qui est un des points marquants de l’album.

Je fais le plus souvent la découverte de nouveaux groupes ou artistes par recommandations YouTube ou sur Instagram, mais il m’arrive de temps en temps de me laisser guider par les avis ou partages laissés par des personnes non directement liées au milieu musical. Je découvre par exemple le groupe américain Turnstile originaire de Baltimore à travers quelques photos d’un concert montrés par le designer Masamichi Katayama sur son compte Instagram. Il se trouve qu’on a quelques goûts en commun et qu’en plus de son métier d’architecte et designer, il consacre régulièrement des billets Instagram à la musique qu’il apprécie et va voir en concert, Tricot par exemple dans le passé mais c’est également un proche d’Ichiro Yamaguchi de Sakanaction. Le nom de groupe Turnstile m’était en fait déjà familier car il sont passés récemment au festival Fuji Rock mais je n’avais jusque là écouter aucun de leurs morceaux. Je découvre donc le rock condensé de Turnstile avec leur troisième album GLOW ON sorti en Août 2021, et c’est une sorte de claque. Le groupe se compose de Brendan Yates au chant, de Pat McCrory à la guitare électrique, Daniel Fang à la batterie et aux percussions, Franz Lyons à la basse, percussions et au chant. Le style est assez difficile à définir car les guitares lourdes et les rythmes de batterie nous ramènent vers le grunge de Nirvana et autres groupes de rock alternatif des années 90, mais l’approche vocale à quelque chose de plus mélodique. On pourra penser à des groupes comme Green Day que je ne connais pourtant pas beaucoup, mais le rock de Turnstile est à mon avis plus imaginatif. Les guitares sur le morceau clé de l’album BLACKOUT sont par exemple beaucoup plus proche du métal, et ce qui est assez étrange, c’est que des rythmes un peu plus latins, de samba notamment sur le morceau DON’T PLAY, viennent s’incruster dans le flot musical en toute fluidité. Il s’agit d’une fusion de nombreux genres avoisinants souvent le punk rock dans la condensation des morceaux ne dépassant en général pas les trois minutes. L’album se compose de 15 morceaux mais ne dépasse pourtant pas les 35 minutes. Le son est dans l’ensemble très puissant et la voix de Yates souvent aux bords du cri est omniprésente. C’est assez difficile de ne pas avoir envie de bouger ou de chanter lorsqu’on écoute cet album, mais il faut éviter les mouvements amples pour ne pas tout casser dans l’appartement. Lors du concert au Zepp DiverCity auquel assistait Masashi Katayama, le public pouvait monter sur scène lors du dernier morceau ce qui rare au Japon, tout ça pour dire l’énergie communicative du groupe.

Musiques/Tokyo

敷石に立つ僕と太陽の光の間には何もない

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Ces photographies sont prises pour la plupart dans le grand sanctuaire Meiji Jingū et datent des premières semaines du mois de Janvier. Le goshuin du sanctuaire vient s’ajouter à la collection et je vais déjà bientôt terminer mon deuxième carnet. Je scannerais certainement mes deux carnets une fois le deuxième terminé. Une fois toutes les pages remplies, cela donne un bel objet avec des signatures de sanctuaires et temples parfois éloignés, à Nagano ou à Yamagata par exemple. Il faudrait presque l’avoir tout le temps avec soi, ce que je ne fais malheureusement pas assez souvent. Les dragons, signes de cette nouvelle année, étaient de sortie à Meiji Jingū, dont certains sculptés dans la glace pour une exposition en plein air dans la grande allée menant au centre du sanctuaire.

De Sakanaction (サカナクション), je connais déjà un certain nombre de morceaux piochés sur différents albums mais je n’avais jusqu’à maintenant jamais écouté un album en entier. Les hasards des découvertes dans les magasins Disk Union m’amènent cette fois-ci vers l’album Night Fishing. Il s’agit du deuxième album du groupe sorti le 23 Janvier 2008. Je suis d’abord assez surpris de l’approche à la fois électronique et indie rock de l’album. Pour l’électronique, la trame du quatrième morceau Ame ha Kimagure (雨は気まぐれ) me plait beaucoup, surtout dans la manière par laquelle elle vient s’accorder avec le morceau suivant purement instrumental électronique Malaysia 32 (マレーシア32). On ne devinerait à priori pas sans le savoir qu’il s’agit d’un morceau de Sakanaction. Dans les morceaux plus indie rock, la mélancolie du morceau Uneri (うねり) me parle beaucoup. On n’est parfois pas très loin de morceaux que pourrait composer et chanter Quruli, dix années auparavant. Des morceaux comme Sample (サンプル) et surtout Night Fishing is Good (ナイトフィッシングイズグッド) sont beaucoup plus fidèles aux compositions que je connaissais du groupe. Le troisième morceau Night Fishing is Good est même d’ailleurs l’archétype de la musique future du groupe, du moins ce que j’en connais. La composition polymorphe du morceau est vraiment brillante. L’intervention inattendue des chœurs à la mode Queen peuvent surprendre le néophyte mais ce n’était pas vraiment mon cas, connaissant déjà un morceau comme Bach no Senritsu wo Yoru ni Kiita Sei Desu (『バッハの旋律を夜に聴いたせいです。』) sur l’album Documentaly, dont la composition m’avait par contre surpris et intrigué à la première écoute, il y a plusieurs années de cela. Le dernier morceau Amsfish (アムスフィッシ) compte également parmi les très beaux morceaux de cet album, notamment pour sa charge émotive croissante. Je trouve que certains morceaux arrivent mieux que d’autres à s’associer dans la mémoire à des lieux parcourus. Je me souviens très bien avoir écouté pour la première fois ce morceau en parcourant de nouveau le grand parc central de Nishi-Shinjuku. Je me pose même la question si certaines musiques ont des forces d’évocation spatiales plus prononcées que d’autres. En fait, il ne s’agit pas vraiment du seul album de Sakanaction que j’ai écouté en entier, car il y a également celui intitulé 834.194 sorti en 2019. Je l’écoute souvent dans la voiture avec le compte Spotify du fiston, mais je ne l’ai pas encore acheté. J’en reparlerais certainement un peu plus tard.

Parler dans les commentaires d’un billet récent des livres d’illustrations d’Hisashi Eguchi (江口寿史), en particulier de celui intitulé RECORD: 1992-2020, m’a rappelé que je n’avais pas encore parlé ici de l’album de Ging Nang Boyz (銀杏BOYZ) qui utilise justement cette même illustration de Hisashi Higuchi comme couverture d’album. Le livre d’illustrations RECORD, comme son nom l’indique, regroupe les illustrations utilisées pour les couvertures d’albums de différents artistes et celle de l’album de Ging Nang Boyz est une des plus emblématiques. L’album s’intitule Kimi to Boku no Daisanji Sekai Taisenteki Renai Kakumei (君と僕の第三次世界大戦的恋愛革命) qu’on pourrait traduire par Toi et moi et la révolution amoureuse de la Troisième Guerre mondiale. Ce titre à rallonge traduit à mon avis assez bien la démesure rock de cet album. Tout comme l’excellent album Nee Minna Daisuki Dayo (ねえみんな大好きだよ) dont j’ai déjà parlé précédemment, cet album commence par des premiers morceaux de punk rock bruyant et immature. On y trouve une énergie adolescente débordante sonnant comme du live et une urgence de tous les moments. Les quatre premiers morceaux sont particulièrement bordéliques. On se demande un peu où on va au début mais le deuxième morceau SKOOL KILL me séduit rapidement, et cette approche sonore et vocale sans compromis me plait déjà beaucoup. Il ne faut pas en abuser bien sûr, mais ce type de sons fait beaucoup de bien de temps en temps. Le leader du groupe, Kazunobu Mineta (峯田和伸), est le principal chanteur sur tous les morceaux mais il se fait souvent accompagner par les autres membres du groupe dans les chœurs qui crient plus qu’ils ne chantent. Cela donne parfois un son assez sauvage qui n’a pas grand chose à voir avec l’apparente sérénité de l’illustration de la couverture. Enfin si, les morceaux de Ging Nang Boyz transcrivent une certaine immaturité masculine de la jeunesse (le seishun qui est un thème central) qui vient contraster avec une figure féminine idyllique. Les premiers morceaux sont vraiment axés punk rock et la suite de l’album se tourne progressivement vers une approche plus pop-rock mais avec toujours une énergie débordante et des guitares agressives très présentes. Dans l’ensemble, l’album est quand même beaucoup plus punk que Nee Minna Daisuki Dayo. Il y a tout de même quelques morceaux apaisés comme le dixième morceau Hyōryū kyōshitsu (漂流教室). Je suis particulièrement satisfait de retrouver un duo avec YUKI sur le huitième morceau Kakenukete Seishun (駆け抜けて性春). Sur l’album Nee Minna Daisuki Dayo, ils chantaient ensemble sur Koi ha Eien (恋は永遠). Cet album n’est très certainement pas pour toutes les oreilles, mais est pour sûr emblématique dans le genre. L’album se termine par un morceau intitulé Tokyo (東京) qui je pourrais rajouter dans la playlist de morceaux exclusivement intitulés Tokyo que J’avais commencé il y a quelques temps. Les artistes provenant des provinces (Mineta vient de Yamagata) écrivent souvent des morceaux prenant la capitale pour titre et sujet. Le style musical de Ging Nang Boyz est extrêmement différent de celui de l’album ci-dessus de Sakanaction, mais j’aime tout de même faire ce genre de grand écart. D’une certaine manière, ces deux groupes composent et écrivent leur musique distinctive sans compromis, et c’est ce qui me plait tout particulièrement.