Installation Conviviality par Tomas Saraceno.Forest of Tranquility par Hiroki Kutsuna & Nikken SekkeiInstallations The Hidden Plant Community par Stefano Mancuso & PINAT.Zone de repos Resting Area 4 par Daisuke Hattori, Saori Hattori/MIDW & Yudai Niimori.Pavillon de la Corée du Sud par Urban Intensity Architects & Nikki.Pavillon de l’Union Européenne.Pavillon de Singapour par DP Architects.Pavillon de la République Tchèque par Apropos Architects.Pavillon de la Colombie par Atelier MORF.
Le centre vide de l’Expo d’Osaka 2025 est occupé par un espace naturel aménagé nommé Forêt de la Tranquillité. Ce nom me rappelle chaque fois le titre de la trilogie romanesque La Mer de la fertilité de l’écrivain Yukio Mishima. Cette forêt porte en tout cas assez bien son nom, car elle est beaucoup plus tranquille que le reste de l’Expo. J’ai même réussi à y prendre une photographie sans âme qui vive. La forêt est très bien aménagée, avec un étang en son centre et des allées agrémentées d’installations artistiques. J’aime beaucoup les drôles de nids d’abeilles (c’est ce que cela m’évoque immédiatement) suspendus par l’artiste Tomás Saraceno. Comme je le mentionnais dans un précédent billet de cette longue série de photographies, chaque détail et recoin de l’Expo a été réfléchi et stylisé. C’est également le cas des quelques aires de repos disséminées sur le site, comme celle nommée Resting Area 4, conçue par Daisuke et Saori Hattori & Yudai Niimori. Le terrain et sa toiture grillagée ondulent comme des vagues.
Parmi les nombreux pavillons de l’Expo, je me suis fait la réflexion qu’aucun n’a été signé par Tadao Ando, pourtant originaire d’Osaka. Il intervient par contre sur l’Expo comme conseiller (Senior Advisor). Je me suis en fait dit que l’architecture de béton de Tadao Ando ne s’adaptait pas vraiment à des pavillons éphémères, amenés à disparaître après quelques mois.
Intérieur du Pavillon de la Colombie
Notre petit groupe s’est finalement réuni en deuxième partie d’après-midi et nous avons tenté de visiter quelques pavillons, en commençant par celui de la Colombie. Il n’y avait pas de file d’attente attitrée, mais l’entrée s’est miraculeusement ouverte lors de notre passage, ce qui nous a permis d’y entrer après une petite dizaine de minutes d’attente. Nous avons eu moins de chance pour les pavillons tchèque et maltais, que nous étions curieux de visiter. Cette petite déception a été compensée par une pause boisson au pavillon maltais. J’y ai acheté une bière maltaise, tout en me pinçant en voyant le prix annoncé de 1 400 yens. L’inflation à l’Expo d’Osaka est particulièrement marquée. La bière n’en était heureusement pas moins rafraîchissante, et je n’ai pas boudé mon plaisir, assis sur un des bancs du parc à proximité de l’eau de la Water Plaza. Ces quelques minutes de repos nous ont redonné un peu de force pour terminer notre visite, qui se conclura avec le prochain billet.
Extérieur du NTT Pavillon par NTT Facilities Inc.Intérieur du NTT Pavillon par NTT Facilities Inc.Sumitomo Pavillon par Dentsu Live & Nikken Sekkei.Pop-up Stage (Outer East) par Motosuke Mandai.Wolf Benches par Tomoko Konoike au bord du bassin de l’Osaka Healthcare Pavillon – Nest for Reborn par Tohata Architects & Engineers.Vue sur le Grand Anneau conçu par Sou Fujimoto.Pavillon de la Malaisie par Kengo Kuma.Pavillon des Philippines par Carlo Calma & cat,1053.CO.Pavillon des Philippines par Carlo Calma & cat,1053.CO.Pavillon de l’Irlande par Government of Ireland.
Je parcours ensuite de manière méthodique les pavillons japonais situés dans le grand espace de l’entrée Est. Ce sont principalement des pavillons dédiés à de grands groupes japonais comme Mitsubishi, Sumitomo ou NTT. Le pavillon NTT était en partie accessible, ouvert sur un petit jardin aux murs couverts de tissus colorés. Des câbles verticaux émettaient des notes de musique lorsqu’on les touchait de la main, créant une symphonie étrange. Au détour des pavillons, je reconnais la touche artistique de Tomoko Konoike sur des bancs en forme de loups disposés autour du bassin de l’Osaka Healthcare Pavilion. Ces loups m’ont tout de suite semblé familiers.
Il faut à tout moment avoir une petite carte de l’Expo avec soi, car on pourrait s’y perdre assez facilement, ou plutôt perdre du temps en n’empruntant pas les bons chemins. Je me rends compte qu’il y a des recoins que je n’avais pas encore explorés, ce qui me fait revenir vers la zone Ouest de l’anneau par où nous étions initialement entrés. J’ai marché environ 26 000 pas pendant cette journée. Je pensais dépasser mon record de pas en une journée, qui doit être autour de 30 000, mais ce n’a finalement pas été le cas. Je me situe en ce moment à 10 000 pas en moyenne par jour depuis le début de l’année, ce qui est, je pense, une bonne moyenne.
EXPO National Day Hall par Akihisa Hirata.EXPO National Day Hall par Akihisa Hirata.Pavillon du Portugal par Kengo Kuma.Vue d’ensemble depuis l’Est du grand anneau.EXPO Hall par Toyo Ito.Pavillon du Canada par Rayside Labossière & Guillaume Pelletier.Pavillon du Qatar par Kengo Kuma.Pavillon de la France par Thomas Coldefy & Carlo Ratti.Pavillon des United States of America par Trey Trahan.Electric Power Pavillon – Eggs of Possibilities par Dentsu Live & Nikken Sekkei.
J’évolue ensuite dans la zone Empowering Lives, qui est certainement la plus grande section de l’Expo, et dont la bordure Est comprend l’entrée principale. Cette zone est la plus dense en visiteurs mais, comme la foule se concentre dans les files d’attente devant certains pavillons, on peut tout de même trouver des espaces où circuler librement. On y trouve des bâtiments à l’architecture très intéressante comme l’EXPO National Day Hall conçu par Akihisa Hirata. La structure de l’édifice est légère, placée au-dessus d’un bâtiment plus traditionnel ressemblant à un petit sanctuaire. Ce bâtiment très élégant est situé en bordure du parc, près de l’océan. On imagine assez bien que sa structure fragile n’est pas faite pour durer. Elle paraît en tout point éphémère, et c’est même ce qui fait sa beauté et son intérêt. Un peu plus loin, on trouve le fameux EXPO Hall, surnommé Shining Hat, conçu par Toyo Ito. Ce bâtiment, qui accueillait la cérémonie d’ouverture et certainement celle de fermeture, se compose d’un disque doré posé sur une base cylindrique. Cet édifice immédiatement remarquable représente une sorte d’antenne parabolique transmettant et recevant des informations. Ce pavillon est accessible uniquement sur réservation préalable et il est donc très difficile de le visiter. Un collègue ayant visité l’Expo à la fin du mois d’avril (le mois d’ouverture) m’a fait part du fait que le pavillon était bien sous réservation la journée à cette époque, mais devenait ouvert au public le soir. Il y avait beaucoup moins de monde au début de l’Expo, ce qui me fait un peu regretter de ne pas nous être décidés à y aller plus tôt. J’ai pu au moins profiter de son extérieur, comme pour un grand nombre de pavillons, celui-ci ayant la particularité visuelle de ressembler à un trou dans le ciel. Il semble tout droit sorti de l’imagination du manga Doraemon. Ce rapprochement me revient soudainement en tête car il y a un épisode où Doraemon fait transiter des robots dans un monde parallèle grâce à un trou dans le ciel. Mes photographies ne rendent pas vraiment cette impression, mais ce bâtiment n’en reste pas moins poétique et élégant, comme un bel objet d’art.
Le pavillon français est de grande taille et est très bien placé sur le site de l’Expo. Je dirais qu’il occupe, avec le pavillon américain, un espace privilégié au niveau de l’entrée principale (l’entrée Est), après avoir traversé le grand anneau. On disait qu’il fallait au moins quatre heures d’attente pour y entrer, car il était accessible sans réservation. Plusieurs bâtiments de pays étrangers ont été conçus par Kengo Kuma, ce qui m’a étonné. Le pavillon malaisien, construit de lamelles de bois, est typique de l’architecture de Kuma, mais les pavillons du Qatar et du Portugal ont une apparence bien différente et très intéressante. Dans la chaleur de l’après-midi, les bassins d’eau devant certains pavillons, comme celui du Qatar, apportaient une certaine fraîcheur. Le pavillon du Canada en forme d’iceberg sur une banquise pouvait également donner une impression de fraîcheur, mais il fallait tout de même un peu d’imagination. Nous sommes près de l’océan et le vent marin parvenait jusqu’à nous. Il y a assez peu d’endroits où se protéger du soleil, mais on pouvait tout de même prendre refuge sous le grand anneau.
Tous ces pavillons, tous plus originaux les uns que les autres, m’ont presque fait oublier celui que l’on avait aperçu sur l’île de Maishima, alors que nous nous déplacions le matin du centre d’Osaka jusqu’à l’entrée Ouest de l’Expo. Il ne s’agissait bien sûr pas d’un pavillon en dehors de l’Expo mais de l’usine d’incinération de Maishima (舞洲工場). Elle est remarquable pour son architecture unique et spectaculaire conçue par l’architecte autrichien Friedensreich Hundertwasser, connu pour son style coloré et organique. Les façades ornées de motifs colorés et de mosaïques témoignent d’une fantaisie qui contraste fortement avec la fonction de l’usine. Elle a été conçue en 2001, à distance par Hundertwasser, qui n’a jamais mis les pieds au Japon pour ce projet. L’architecte est décédé en février 2000 et n’a donc pas connu cette œuvre architecturale terminée. L’usine d’incinération de Maishima (舞洲工場) est le seul projet architectural de Hundertwasser au Japon. Ce complexe comprend en fait également un bâtiment voisin qui joue le rôle de station de traitement des boues. À noter, en détail, que la deuxième épouse de Hundertwasser était une artiste japonaise nommée Yuko Ikewada (池和田優子). Ils se sont mariés en 1962. Cette union explique en partie les liens personnels de Hundertwasser avec le Japon dès les années 1960, bien avant ce projet à Osaka.
Continuons encore un peu les petits moments estivaux d’architecture, si vous le voulez bien. La pluie inattendue de ce mois d’Août a l’avantage d’adoucir un peu les températures mais compromet un peu nos plans de sortie pendant le long week-end de mi-mois. Je profite de quelques heures devant moi avant la prochaine averse pour me diriger vers Nishi-Shinbashi. Près de Toranomon, se dresse un immeuble fin de 35 mètres nommé Arakawa Building. Il a été conçu par Nikken Sekkei en 2018, comportant des bureaux et magasins ainsi que la résidence du propriétaire du building. L’ensemble de couleur grise unie donne l’apparence d’un labyrinthe difforme avec des blocs ’deko boko’. Sa particularité est bien entendu l’escalier de secours visible tournant autour de la façade, comme élément principal du design extérieur. L’idée de ce design est de créer un bâtiment plus ouvert sur la ville, par rapport aux façades uniformes des tours qui isolent souvent les étages supérieurs de la rue. Ce building se distingue grâce à ses escaliers extérieurs formant des sortes de balcons permettant aux usagers d’en quelque sorte se reconnecter à l’espace urbain et aux passants d’apercevoir la vie intérieure du bâtiment. Ce concept n’est pas nouveau et j’ai pu constater des créations architecturales assez similaires sur le Sauna Reset Pint de l’architecte Akihisa Hirata à Asakusa ainsi que sur le 12 KANDA conçu par sinato et l’atelier NANJO à Kanda Sudachō. D’une manière un peu différente le petit hôtel Siro conçu par Mount Fuji Architects Studio à Ikebukuro mettait aussi en avant ses escaliers arrondis de métal ouverts sur la rue.
Ginza n’est qu’à une petite trentaine de minutes à pieds. Je décide d’y aller pour aller voir ce qui a changé. Je revois l’immeuble Louis Vuitton aux surfaces bleutées mais changeantes conçues par Jun Aoki. Le nouveau magasin du joaillier Tiffany reprend une façade assez similaire avec des gradients du bleu au blanc. Il s’agit en fait également d’une conception de Jun Aoki. Cette boutique Tiffany est apparemment la plus grande d’Asie et a ouvert ses portes le 11 Juillet 2025. Un peu plus loin, j’avais noté une surface intéressante pour le nouveau magasin Cartier, mais je n’ai pas trouvé de qui était le design. Ginza donne le sentiment que les grandes marques de luxe cherchent à tout prix à se faire remarquer, mais le design très fluide tend au final a une certaine ressemblance.
Nous profitons d’une belle journée du mois de Septembre pour aller visiter un musée que j’avais depuis longtemps sur ma liste de lieux à voir absolument, tout autant pour l’art qu’il contient à l’intérieur que pour l’expression artistique de son extérieur. Le Musée Hoki (ホキ美術館) est consacré à la peinture réaliste et compte une collection de 450 œuvres d’environ 50 artistes principalement japonais. Il est situé dans la zone résidentielle d’Asumigaoka (あすみが丘), à la limite du grand parc Showa no Mori (昭和の森), dans l’arrondissement de Midori de la ville de Chiba (千葉市緑区), dans la préfecture de Chiba. Le musée composé de béton et de matériaux métalliques a été construit par Nikken Sekkei et a ouvert ses portes le 3 Novembre 2010. Il a été fondé par Masao Hoki, président de Hogy Medical, qui est un grand fournisseur de produits médicaux, chirurgicaux et de stérilisation, pour y montrer sa collection privée de peintures réalistes. Le Musée Hoki est actuellement dirigé par sa fille Hiroko Hoki. Le bâtiment de sept mètres de haut se compose de trois étages, dont deux en sous-sol, formant de longues galeries en forme de couloirs courbés placées les unes au dessus des autres. La partie la plus impressionnante du musée est la longue zone cantilevée du bâtiment qui semble flotter dans les airs. Dès notre arrivée au musée après une heure et demi de voiture depuis le centre de Tokyo, on se dirige tout de suite vers l’arrière du building pour apprécier sa partie flottant dans les airs. Les parois du building sont fines et élancées. Un étroit chemin entouré de béton nous amène jusqu’à l’entrée du musée, mais on peut continuer ce chemin pour descendre vers l’arrière. Le bloc qui s’élance sur trente mètres dans le vide en défiant la gravité se révèle doucement alors qu’on descend la pente. J’avais bien sûr vu de nombreuses photographies de ce building et de ce tube cantilevé en particulier, mais la réalité est plus impressionnante que ce que j’ai pu voir en photo. On constatera plus tard dans le musée que la galerie à l’intérieur s’avance pratiquement jusqu’à l’extrémité de ce bloc poussé dans le vide. La surface du tube est fine, ce qui donne une légèreté et une grande élégance à l’ensemble qui n’en reste pas moins imposant vu de l’extérieur. C’est une architecture vraiment remarquable, qui me rappelle un peu la résidence privée White Base par l’architecte Akira Yoneda (Architecton) pour sa structure montant dans les airs.
Vue d’ensemble du musée et vues de l’intérieur de plusieurs galeries.
Nous revenons ensuite vers l’entrée du musée pour commencer notre visite, qui démarre par l’étage supérieur et nous fera ensuite descendre méthodiquement et progressivement vers les sous-sols. On ne peut malheureusement pas prendre de photos à l’intérieur, et celles ci-dessus proviennent de différents sites internet traitant d’architecture. La disposition des œuvres dans les galeries est également remarquable. Dans les longues galeries en forme de couloirs pouvant faire jusqu’à 100 mètres, on peut voir les peintures d’une manière séquentielle sans éléments venant perturber notre vision des œuvres. La forme courbée des murs donne en fait une vue d’ensemble des œuvres montrées dans l’espace d’exposition. On avance doucement, comme si on suivait un chemin, attiré par la lumière naturelle au fond du couloir correspondant à la partie surélevée du musée. La lumière varie alors que l’on descend progressivement vers les bas étages du musée. J’ai été plusieurs fois surpris par le volume des espaces qui sont par moment beaucoup plus importants que ce qu’on peut imaginer par rapport à la taille relativement limitée du musée vu de l’extérieur. Le musée fait en tout 3700 m2 de surface et les zones d’exposition couvrent environ 1800 m2 sur neuf galeries.
Sur la partie gauche: le Flyer de l’exposition The Artist’s Gaze. Past, Present, and Then … (作家口視線。 過去亡現在、そして•••) comportant les peintures et installations “Injection Devices” (2023) et “Idle Slumber” (1993-2012) par Kenichiro Ishiguro (石黒賢一郎). Sur la partie droite: de haut en bas et de gauche à droite, “Purple Tears” (2022) et “Praying Beneath a Tree” (2021) par Lo Chan Peng, “Still Life with Lemon” par Fumihiko Gomi (五味文彦), un portrait nu par Nobuyuki Shimamura (島村信之), Shaft Tower par Kenichiro Ishiguro, “The Sacred – Ⅳ” par Hiroshi Noda (野田弘志) et un portrait par Kenichiro Ishiguro.
L’exposition du moment s’intitule The Artist’s Gaze. Past, Present, and Then … (作家口視線。 過去亡現在、そして•••) et se déroule du 23 Mai au 11 Novembre 2024, mais elle se mélange avec la collection permanente. Pour les nouveaux venus dont nous faisons partie, cette distinction entre collection permanente et temporaire n’est en fait pas très importante car on découvre toutes ces œuvres comme un tout. Je suis relativement peu familier des œuvres ultra réalistes des artistes présentés dont les noms m’étaient inconnus jusqu’à maintenant: Kenichiro Ishiguro (石黒賢一郎), Nobuyuki Shimamura (島村信之), Fumihiko Gomi (五味文彦), Hiroshi Noda (野田弘志), entre beaucoup d’autres. J’ai tout de suite été impressionné par la qualité visuelle méticuleuse des natures mortes de Fumihiko Gomi qui touche à un réalisme photographique. Il en est de même des nombreux portraits. Ce qui est intéressant sur les portraits est que l’artiste n’essaie pas de gommer les imperfections comme ça pourrait être le cas en photographie, ce qui fait que ces portraits s’éloignent d’une beauté universelle pour s’approcher de notre réalité. Ces portraits ultra-réalistes en deviennent parfois plus réels que des photographies. Ces peintures prennent des mois à être réalisées, ce qui laisse beaucoup de temps à l’artiste devant sa toile pour non seulement travailler chaque détails mais également pour mûrir sa vision et sa conception des choses. On imagine ce travail et ce temps long passé seul devant une œuvre, mais on a un peu de mal à l’appréhender dans notre époque de l’immédiateté où n’importe quelle intelligence artificielle permet de créer des nouveaux portraits réalistes en quelques secondes. En regardant les œuvres exposées au musée Hoki, on apprécie à la fois la beauté et l’émotion de ce que l’on voit et la dedication sans limites de l’artiste à son œuvre. Cette beauté là n’a pas de prix et est très précieuse à notre époque.
Après notre longue visite du musée, serpentant de galeries en galeries, nous remontons finalement vers l’extérieur pour faire un dernier tour complet du bâtiment avant de reprendre la route. On peut constater que les surfaces arrondies de béton sans ouverture font face aux résidences du quartier pour éviter les vis-à-vis, tandis que les vitrages sont orientés vers la forêt toute proche. Cette forêt est immense et c’est le plus grand parc de la préfecture de Chiba. Nous tentons bien de la traverser en voiture mais nous sommes contraint d’abandonner en cours de route car il nous faut bientôt rentrer.
