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Musiques/Tokyo

why not take all of me

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Une grande affiche du manga Tokyo Revengers dans une des vitrines du grand magasin Seibu de Shibuya se mélange aux passants. Une Mercedes vintage fait des boucles dans le centre de Shibuya à la recherche d’un peu d’attention. Une tentative de la marque Celine de s’identifier à la culture du skateboard ne trompe certainement pas les initiés. Les hauteurs vertes de la terrasse haut perchée du building Tokyu Plaza à Harajuku nous attirent pour une pause ensoleillée quand on les regarde d’en-bas. La foule tokyoïte lève progressivement les masques du moins à l’extérieur tout en scrutant le regard des autres qui voudraient en faire autant. Une intervention de l’artiste Invader quelque part sur la rue Cat Street à Harajuku conclut ce billet sur une note fantastique qui caractériserait d’ailleurs très bien la haute qualité de ce blog. Je ne me désintéresse toujours pas des scènes de rue à Shibuya, en essayant même parfois me rapprocher de la foule. Cette foule mouvante est difficile à saisir mais autorise également plus facilement les tentatives de photographie.

J’écoute depuis quelques temps des albums des années 90 et du début des années 2000. Cette fois-ci, le premier album de POiSON GiRL FRiEND attire mon attention. Il s’intitule Melting Moment et est sorti en Mai 1992. Je suis en fait complètement absorbé voire fasciné par ce mini-album qui semble me contaminer à petite dose comme un poison lent (j’exagère juste un peu bien sûr). J’aime l’approche non conformiste des 6 morceaux qui composent cet album mélangeant des sonorités électroniques parfois proches du trip-hop avec des arrangements plus acoustiques, incluant des petits passages francophones et d’autres sonorités cosmiques étranges. La voix de Noriko Sekiguchi, qui se fait également appelée nOriKO, est très présente, parfois intime et chuchotante, transmettant une émotion pleine de mélancolie. Dans les paroles, elle évoque plusieurs fois des ruptures amoureuses, comme sur le deuxième morceau FACT 2 qui démarre par une phrase en français avec un accent charmant nous énonçant avec un brin d’insolence: « c’est fini mon amour ». nOriKO est née à Tokyo mais a passé des années de son enfance au Brésil. Elle y aurait appris le français dans une école francophone. Parmi les morceaux de ce mini-album, on trouve également une interprétation libre du morceau Quoi de Jane Birkin, complètement réimaginé et même difficile à reconnaître aux premiers abords sauf quand nOriKO y chante des paroles de la chanson originale à la manière de Jane Birkin. Je n’ai pas d’interêt particulier pour les artistes japonais s’inspirant de chansons françaises, mais ce morceau réinterprété est vraiment très beau et sa version incluant des éléments électroniques est très personnelle. Et je sais faire des exceptions, Sheena Ringo a bien chanté en français une reprise de la chanson Les feuilles mortes. À ce propos, j’ai eu la surprise de lire que Neko Saito (斎藤ネコ) joue du violon sur cet album de POiSON GiRL FRiEND, notamment sur le dernier morceau Melting Moment, qui reprend le titre de l’album. Ce dernier morceau est le plus déstructuré et également un des plus intéressants car il ne se révèle vraiment qu’après plusieurs écoutes. Les influences de POiSON GiRL FRiEND ne sont pas que francophones mais plus cosmopolites. Elle reprend également sur cet album un morceau très connu de la britannique Mary Hopkin intitulé Those Were The Days, sorti en 1968. Sur ce morceau très librement inspiré de cette chanson à succès, les arrangements électroniques se reprochent beaucoup du trip-hop mais avec des pointes proches de la musique EDM. Les paroles du morceau FACT 2 qui nous interrogent « Do you love me like you used to do?, I still love you more than everything » me rappellent à chaque fois des paroles, excellemment interprétées par Morrisey, sur le morceau de 1987 des Smiths Stop Me If You Think You’ve Heard This One Before qui nous disent d’une manière un peu insolente: « I still love you, oh, I still love you, Only slightly, only slightly less than I used to, my love ». On sait que nOriKO apprécie également la musique des Smiths, mais qu’elle soit inspirée par ce groupe sur ce morceau en particulier est ma pure interprétation. Le premier morceau long de 7 minutes, Hardly ever smile (without you), est certainement le plus emblématique de l’album. La partition de violon qui accentue régulièrement le morceau est superbe et s’accorde étonnamment bien avec la rythmique très marquée années 90 accompagnant sans discontinuer la totalité du morceau. La voix de nOriKO chantant en anglais a ce quelque chose d’à la fois très naturel et cinématographique d’art et d’essai qui lui donne un charme certain. Son nom d’artiste a également quelque chose de cinématographique, comme si elle était sortie d’un film d’espionnage d’une autre époque. Elle s’est apparemment inspirée du titre d’un album de Nick Currie, également appelé Momus. Cet album sorti en 1987 s’intitule The Poison Boyfriend. Cela encouragea Momus à proposer ses services pour l’album suivant de POiSON GiRL FRiEND intitulé Shyness sorti en Juillet 1993. Je ne connais pas l’oeuvre musicale de Momus mais je me souviens qu’il a écrit pour la chanteuse de style Shibuya-Kei Kahimi Karie, notamment le morceau Good Morning World qui avait eu beaucoup de succès à sa sortie en 1995. Je suivais même le blog de Momus lorsqu’il était basé pendant quelques années au Japon mais d’une manière très détachée car je n’avais pas particulièrement d’interêt pour le personnage. Je constatais seulement qu’un groupe d’artistes et de francophones/anglophones nipponophiles gravitaient autour de lui ce qui avait attiré inutilement ma curiosité.

Musiques/Tokyo

une couronne végétale

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Je m’enfonce une nouvelle fois dans la foule de Shibuya sans objectif particulier sauf celui de traverser le grand carrefour encombré mais fluide. Je pourrais très bien emprunter des rues plus calmes, mais j’aime traverser ce carrefour sans entendre son brouhaha car je me protège les oreilles en écoutant une musique plus saine pour mes neurones. Je remonte souvent Center-gai jusqu’au magasin Disk Union, mais cette fois-ci je me décide plutôt pour Shinjuku en longeant la longue avenue Meiji. L’axe Shibuya-Shinjuku est un parcours que je connais bien et qui ne me lasse pourtant pas, pour une raison qui m’échappe. Il faut dire que j’emprunte à chaque fois un itinéraire légèrement différent.

Quelle surprise de trouver le CD de l’album éponyme de Goddess in the Morning posé sur les étagères du Disk Union de Shimo Kitazawa. Mes battements de cœur se sont accélérés pendant quelques secondes lorsque je l’ai vu dans le lot des albums non classés par ordre alphabétique que je scrute toujours par curiosité au cas où il y aurait quelque chose d’intéressant. De cet album, je ne connaissais en fait que le morceau Flower Crown (花かんむり) car il était inclus dans une compilation française intitulée Ici Tokyo (こちら東京), composée d’une sélection de morceaux japonais de styles divers (allant du rock punk à l’électronique en passant par la pop). Cette compilation sortie en 1996 a été un des premiers contacts que j’ai eu avec la musique contemporaine japonaise, à cette époque où j’étais en France. La compilation est d’une qualité et d’un intérêt très variable, mais ce morceau Flower Crown en particulier a toujours été un de mes préférés. C’est un morceau que j’ai beaucoup écouté au fur et à mesure des années, qui m’a en quelque sorte accompagné pendant presque 30 ans. Ci-dessous est un extrait de la page consacrée au groupe, tirée du livret de la compilation Ici Tokyo, du label Bond Age L’indépendant, vendue au prix conseillé à l’époque de 125 Frs.

Goddess in the morning (ゴッデス・イン・ザ・モーニング) est un duo composé d’Akino Arai (新居昭乃) et de Yula Yayoi (柚楽弥衣). Cet album éponyme est le seul qu’elles ont sorti en 1996, sous le label Biosphere Records (バイオスフィア・レコード). Il est assez court, 32 minutes pour 7 morceaux principalement chantés en japonais. Le duo utilise parfois un langage étrange qui ressemble au français comme sur le deuxième morceau intitulé Ucraine (ウクライナ). Ce langage étrange et cette manière de chanter particulière de Yula Yayoi sur certains morceaux proches du folklore celtique, sur le sixième morceau Saga (サーガ) notamment, n’est pas sans me rappeler la voix de Liz Fraser sur les albums de Cocteau Twins. Les percussions assez typiques des années 90 ont pour moi un charme nostalgique certain, mais ce sont les nombreuses envolées vocales et instrumentales que j’apprécie par dessus tout sur cet album. Le final de Flower Crown est par exemple particulièrement poignant lorsque les voix des deux chanteuses se mélangent. Le premier morceau de l’album, Reincarnation (リインカーネイション), est également l’un des plus beaux de l’album. Il y a quelque chose de divin dans la voix limpide d’Akino accompagnée de la voix mystique de Yula dans les chœurs, et l’instrumentation composée de sonorités parasites étranges ajoute un brin de mystère qui contribue à celui qui entoure ce duo.

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シブヤROCKTRANSFORMED状態

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Une Ducati 998 version Moto Corse à l’arrêt mais, j’en suis sûr, prête à bondir. J’ai toujours été impressionné par cette moto ultra-sportive tout en me disant que je ne serais probablement plus là pour en parler si j’en avais acheté une à l’époque où j’étais un motard passionné. Alors que je prenais la photo de Ramu-chan dessinée par Nakaki Pantz au dessus de l’entrée de la gare de Shibuya, je remarque un autre autocollant de Fūki Committee parmi de nombreux autres. Ils sont particulièrement nombreux à Shibuya en ce moment. En remontant les rues de Shibuya jusqu’à Dogenzaka, je suis à chaque fois étonné de voir le Club Asia toujours présent et inchangé avec ses murs de façade rouges. Je pense y être allé une ou deux fois il y a un peu plus de vingt ans.

J’ai déjà parlé du nouvel album du groupe de rock indé japonais For Tracy Hyde, Hotel Insomnia, après en avoir écouté quelques morceaux. J’ai toujours écouté les albums de For Tracy Hyde en me disant qu’ils contiendront des morceaux que j’aimerais vraiment beaucoup et d’autres qui me laisseront plus indifférents. Je ne m’attendais donc pas à ce que ce nouvel album me plaise autant dans son intégralité. C’est pour moi assez clairement le meilleur album du groupe, et je me dis une fois de plus que c’est une drôle d’idée de vouloir s’arrêter maintenant. Mais bon, pourquoi ne pas s’arrêter à son apogée plutôt qu’en phase de déclin. Je suis sûr que chaque membre du groupe continuera sur d’autres projets. Eureka fait également partie d’un autre groupe appelé Ferry Chrome, que je ne connais pas. Azusa Suga (aka Natsubot) a plusieurs projets séparés comme Aprilblue et il écrit des morceaux pour le groupe d’idoles alternative RAY dont je parle aussi régulièrement sur ce blog. Une petite vidéo sous-titrée en anglais créée par Harry Bossert pour sa série Angura parlant de la scène musicale underground japonaise présente d’ailleurs le groupe en évoquant leur séparation. Leur dernier concert se déroulera le 25 Mars 2023 dans la live house WWWX de Shibuya, mais je pense qu’il sera difficile d’avoir une place. J’ai tenté ma chance mais on aura les résultats qu’après une loterie. A ce propos, en parlant de la série vidéo Angura, le groupe Ms.Machine dont je parle aussi très régulièrement dans ces pages est également présenté avec une interview. Angura est une très bonne chaine YouTube qui a démarré récemment et qu’il est bon de suivre. Pour revenir à For Tracy Hyde, l’album contient quelques uns des meilleurs morceaux du groupe comme Friends, Kodiak, milkshake ou encore Subway Station Revelation entre autres, mais il reste excellent dans la longueur de ses 13 morceaux. Peut-être que le mastering de l’album par le guitariste et chanteur Mark Gardener du groupe anglais Ride y est pour quelque chose. Le morceau Sirens, le seul qui n’est pas chanté par Eureka me rappelle particulièrement l’ambiance musicale des morceaux de Ride. J’aime le shoegaze de Ride que j’écoutais beaucoup il y a 7 ans tout en parcourant les rues de Shimokitazawa. Revoir les photographies prises à cette époque dans le billet où j’évoquais l’album me plonge dans une sorte de nostalgie de ces moments alors qu’ils ne sont pourtant pas très anciens. Mais au delà de l’influence éventuelle de Ride sur cet album, Azusa Suga a de toute façon beaucoup de talent pour composer des morceaux flottant qui nous entraînent parfois dans des rêves ou dans des tourbillons de guitares. Et la voix d’Eureka est particulièrement hypnotisante sur cet album. J’adore quand elle se noie dans les echos, sur le superbe Kodiak par exemple, et dans les guitares envahissantes, ambiance shoegaze oblige.

Je ne pouvais pas manquer le mini-live que le groupe donnait le Samedi 21 Janvier à 15h au Tower Records de Shibuya à l’occasion de la sortie de leur album. L’entrée était gratuite car le live se déroulait au sixième étage du magasin parmi les rangées de vinyls. Une petite scène temporaire était aménagée et pouvait s’installer debout où on le souhaitait, au plus près du groupe. Je suis arrivé trente minutes avant le début du mini-live. Il se voulait acoustique mais le son des guitares restait particulièrement puissant dans l’enceinte du magasin. Les photos et vidéos étaient autorisées. J’en ai pris quelques unes ci-dessus mais je ne voulais pas passé mon temps à regarder mon appareil photo plutôt qu’à regarder le groupe joué. Azusa Suga et Eureka étaient sur le devant de la scène et on ne voyait pas Mav et Soukou qui étaient installés derrière avec batterie et basse. Azusa Suga est le fondateur du groupe et principal compositeur des morceaux. Derrière sa coupe de cheveux un peu trop longs, il était le principal MC du live revenant notamment sur le fait que le groupe se séparera le 25 Mars 2023 après le concert à Shibuya. Le groupe a joué six morceaux en tout dont quatre du dernier album (Friends, Milkshake, Lungs et Subway Station Revelation) et deux autres des albums précédents pour les rappels (Interdependence (Part I) et Sakura no En (櫻の園)). C’était un très beau moment passé en leur compagnie. On sentait qu’Eureka était nerveuse devant le public qui était vraiment très proche. C’est la raison qu’elle nous a donné quand elle a loupé le démarrage au chant d’un des morceaux. J’aime bien ces petits moments d’imperfection, d’autant plus que le morceau s’est déroulé parfaitement après. On pouvait faire signer le boitier CD après le live, mais j’ai passé mon tour car j’avais déjà acheté l’album en digital sur iTunes et je ne me voyais re-acheter l’album en double en CD. J’étais placé assez proche de la petite scène et en me retournant à la fin du live, je me suis rendu compte qu’il y avait foule derrière moi dans les rangées de vinyls. La file d’attente pour faire signer le CD de l’album était donc assez longue. Mais, j’avais un autre objectif pour la suite de l’après-midi et je le suis éclipsé direction Ginza en gardant ces morceaux de For Tracy Hyde en tête. Pour découvrir un peu plus le groupe, il y a une une très bonne interview par Ryo Miyauchi sur le site musical Tone Glow.

J’ai toujours été attiré par la pochette DIY de ce live de Number Girl datant de 1999 intitulé Shibuya Rocktransformed Jōtai (シブヤROCKTRANSFORMED状態). Je l’ai trouvé au Disk Union de Shibuya il y a quelques semaines. Il date du 1er Octobre 1999 et il s’agissait du dernier jour de leur tournée Distortional Discharger au Shibuya Club Quattro. En fait, j’ai toujours pensé, par erreur, que ce live de Number Girl était la deuxième partie du live Kyoei Buranko (虚栄ブランコ) de Tensai Pureparāto (天才プレパラート), le groupe temporaire et secret de Sheena Ringo. Mais le live Kyoei Buranko a en fait eu lieu un peu plus d’un mois plus tard, le 30 Novembre 1999 au Club Asia (que je montrais en photo ci-dessus). Il s’agit donc d’un live différent mais j’imagine que l’ambiance rock brute devait être similaire. La qualité de la prise de son du concert de Number Girl au Shibuya Club Quattro est très bonne rendant très bien la puissance des guitares, notamment d’Hisako Tabuchi, et l’agressivité vocale de Shūtoku Mukai. Les morceaux s’enchainent sans répits à par pour quelques morceaux précédés d’une courte introduction faisant d’ailleurs partie entière des morceaux. Tomei Shōjo (透明少女) est un exemple classique à chaque fois précédé de quelques mots avant que les guitares ne dégainent. Écouter ce concert me rappelle l’ambiance qu’il pouvait y avoir dans ce genre de concerts de rock underground lorsqu’il était autorisé au public de parler et de crier. Bon, je suis maintenant reparti pour réécouter la discographie complète de Number Girl ou peut être devrais je chercher d’autres live du groupe.

Art/Musiques/Tokyo

BETWEENFRAMES

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Je place cette petite série photographique entre deux cadres, celui de l’immeuble blanc de la marque de vêtements Hakka sur l’avenue de Roppongi menant à Shibuya, et celui d’un Love Hotel laissé à l’abandon sur les hauteurs de Dogenzaka. Les amateurs de ruines Haikyo (廃墟) ont certainement déjà investi les lieux car je remarque des ouvertures dans les barricades blanches entourant le site. Avec le retour des touristes étrangers, on voit de plus en plus de personnes se faire prendre en photo au milieu du grand carrefour de Shibuya, parfois dans des tenues étonnantes comme sur la troisième photographie du billet. Je ne prends en général pas en photo des personnes qui posent pour un ou une autre photographe que moi mais je fais une exception dans le cas de ce mystérieux personnage masqué qui m’a intrigué sur le moment.

Je mentionnais très brièvement dans un précédent billet être allé à l’exposition de l’illustratrice Nakaki Pantz. Nicolas, qui commente très régulièrement par ici, m’a fait connaître cette artiste à partir d’une illustration non officielle qu’elle a fait de Sheena Ringo dans le style vestimentaire du concert Hyakki Yagyō (百鬼夜行) de 2015 et qu’elle montrait sur son compte Instagram. J’ai commencé de ce fait à suivre Nakakisan sur Instagram et je découvre assez vite qu’elle expose quelques unes de ses œuvres dans une galerie de la grande librairie Maruzen de l’immeuble Oazo à Marunouchi. L’exposition s’appelait Cherish et se déroulait du 11 au 17 Janvier 2023. La bonne nouvelle est qu’elle annonçait sa présence à l’avance et il m’a donc fallu venir au bon moment, qui se trouvait être un samedi après-midi vers 15h. On m’avait commandé son book que j’étais bien content d’aller lui faire signer. J’aime beaucoup ses illustrations, représentant la plupart du temps des personnages féminins. J’apprécie en particulier la personnalité qui s’en dégage, une certaine indépendance peut-être, une force de caractère certainement. Après avoir fait le tour de la salle d’exposition, je pars acheter le book pour ensuite revenir dans la salle d’exposition pour le faire signer. Nakakisan est assisse à une petite table et une file d’attente s’est formée pour la voir les uns après les autres. Elle est très sympathique avec tout le monde ce qui est très agréable. Lorsque vient mon tour et alors qu’elle signe l’exemplaire de son book que je lui ai tendu, j’en profite pour échanger quelques mots mais ça ne va pas beaucoup plus loin que lui dire que je la suis sur Instagram et que j’apprécie ses illustrations qui sont cools et fortes (kakkoii). Elle me remercie et me répond en s’excusant presque de ne dessiner pratiquement que des personnages féminins. Elle est consciente du public international qui la suit, ce qui n’a rien de vraiment étonnant car elle compte plus de 130,000 abonnés sur Instagram. Je lui demande également si elle est d’accord pour une photo et elle accepte gentiment. Tout le monde ne demande pas systématiquement de photos, mais en voyant les deux personnes devant moi dans la file d’attente lui demander, je n’ai pas résisté à faire la même chose. Je n’aime pas trop me montrer sur ce blog mais je ferais une nouvelle fois exception sur ce billet. Me voilà bien content d’avoir pu voir cette exposition et d’avoir échangé quelques mots avec l’illustratrice. Le book signé que je ramène à la maison n’est pas pour moi mais je vais le garder au chaud pendant quelques mois avant d’avoir l’occasion de le transmettre.

Cette même semaine pendant laquelle j’ai été voir l’exposition, une grande fresque dessinée par Nakakisan était affichée au dessus de l’entrée principale, côté Hachiko, de la gare de Shibuya. L’illustration représente une ré-interprétation du personnage de Ramu-chan de la série animée Urusei Yatsura (うる星やつら), basée sur le manga de Rumiko Takahashi (高橋留美子). J’ai bien entendu des souvenirs de cette série qui passait à la television française (sur TF1) à la fin des années 80 (à partir de 1988) et que je regardais à l’époque avec d’autres séries de Rumiko Takahashi comme Maison Ikkoku (Juliette, je t’aime) et Ranma 1/2. Il se trouve que l’extra-terrestre Ramu-chan a repris du service dans une nouvelle version d’Urusei Yatsura diffusée sur Fuji Tv et également disponible sur Netflix. En regardant le premier épisode par curiosité, ça reste tout à fait loufoque comme dans mes souvenirs, et comme peut l’être aussi Ranma 1/2. La version de Ramu-chan dessinée par Nakakisan est plus adulte et sert de pochette pour les singles du collectif MAISONdes (メゾン・デ) qui compose les thèmes de début et de fin de la nouvelle série animée. On retrouve donc le style de Nakaki Pantz adapté à l’univers d’Urusei Yatsura. Je connais assez peu MAISONdes, mais je remarque que ce groupe est évolutif, invitant pour chaque morceau des interprètes différentes, parfois connues comme Aimer ou yama. Le principe est que chaque morceau se trouve dans une salle et les vidéos des morceaux montrent à chaque fois une porte numérotée s’ouvrant sur cette salle nous permettant d’écouter le morceau. Le thème d’ouverture (OP) de la première partie de la première saison de 14 épisodes d’Urusei Yatsura est intitulé Aiue (アイウエ) avec Minami (美波) et SAKURAmoti. Le thème de fin (ED) intitulé Tokyo Shandy Rendez-vous (トウキョウ・シャンディ・ランデヴ) fait participer KAF (花譜) et Tsumiki (ツミキ). Je ne connais pas tous ces noms. Le style est clairement post-vocaloid et la dynamique frénétique des morceaux me rappelle le groupe Zuttomayo. Le style musical est assez similaire et les morceaux peuvent devenir rapidement addictif si on y prête bien l’oreille. On se laisse facilement accrocher par la mélodie et ces voix qui nous entrainent, notamment celles du morceau Tokyo Shandy Rendez-vous que j’aime beaucoup. MAISONdes (メゾン・デ) compose également les thèmes de la deuxième partie de la première saison d’Urusei Yatsura avec d’autres morceaux comme Love Trap Muchu (アイワナムチュー) avec asmi et Three (すりぃ), puis Ai Tarinai (アイタリナイ) avec yama et Nito (ニト。). Nakaki Pantz est à chaque fois en charge des illustrations des pochettes des morceaux et des vidéos animées les accompagnant.

Pour rester encore un peu en musique, Utada Hikaru fêtait Jeudi 19 Janvier ses 40 ans avec une émission spéciale intitulée 40dai Iro Iro (40代はいろいろ, qu’on pourrait traduire par « il s’en passe des choses pendant nos quarante ans ») visible sur la plateforme de streaming Stagecrowd de Sony Music. Il fallait s’inscrire à l’avance mais le visionnage était gratuit. L’émission se composait de deux parties: une partie talk-shown avec des invités et un mini-concert de trois morceaux seulement. Utada Hikaru étant installée à Londres, les invités intervenaient par vidéo sur Zoom. La vidéo montrant Utada Hikaru était de très bonne qualité au point où on avait l’impression qu’elle était assise avec nous dans le salon. Mais les problèmes techniques en cours de route étaient nombreux, en particulier une coupure soudaine de son et une vidéo instable sur Zoom avec une des deux invités. Les invités étaient Yuriko Yoshitaka (吉高由里子) et Takeru Satō (佐藤健), respectivement actrice dans le drama Saiai (最愛) et acteur dans le drama First Love (初恋), tous les deux utilisant un morceau d’Utada Hikaru comme thème musical. La connection vidéo avec Yuriko Yoshitaka étant de mauvaise qualité, elle a été assez rapidement interrompue après quelques minutes de confusion. Ce sont les aléas du direct. J’ai bien aimé voir Takeru Satō discuter avec Utada Hikaru comme des amis de longue date. Cette discussion là m’intéressait plus parce que j’ai regardé le drama First Love. J’aurais aimé que Hikari Mitsushima passe dire bonsoir également mais ce n’était malheureusement pas le cas. La discussion n’allait pas très loin ceci étant dit, même si Utada Hikaru semblait avoir préparé avec des notes sur son iPhone. Elle répondait ensuite à quelques questions posées par avance par le public (80,000 personnes regardaient le live), dont une en anglais lui demandant ce qu’elle pensait des « nepo baby », les enfants de stars qui bénéficient de raccourcis dans leur propre carrière artistique. La question était bien entendu orientée car Utada Hikaru est la fille d’un producteur de musique et d’une chanteuse célèbres. Elle s’en sort plutôt bien en disant qu’une porte ouverte ne nous amène pas bien loin. Elle n’a clairement plus grand chose à prouver, mais peut-être que certains ne s’en sont pas encore rendu compte. Dans ce talk-show assez décousu, elle donne une citation d’un auteur appelé Adam Phillips et qui nous dit « Nothing will fit if we assume a place for it ». A méditer. Le mini-live portait bien son nom car elle ne chantait que trois morceaux en lien avec les invités: tout d’abord First love réutilisé pour le drama du même nom, puis Kimi ni Muchū (君に夢中) utilisé pour le drama Saiai mais dans une version spéciale appelée Rule. Le dernier morceau était une reprise en espagnol de Bad Bunny, un rappeur et chanteur portoricain. Je pensais qu’elle interprèterait un nouveau morceau mais ce ne fut malheureusement pas le cas. Au final, l’émission n’avait rien d’indispensable mais on peut apprécier l’effort de faire ce genre de live.

Art/Musiques/Tokyo

street remixed

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#11: mika scape. Shibuya.

#12: kusama dots. Harajuku.

#13: driving riding. Jingumae.

#14: bonjour girl. Jingumae.

#15: passing drawings. Omotesando.

Les marques vestimentaires de luxe redoublent d’astuces pour essayer d’attirer le passant étourdi dans ses filets profitant de quelques secondes d’inattention de sa part. Je remarque qu’un magasin temporaire Louis Vuitton s’est installé discrètement (ou à peine) près de la gare de Harajuku avec toujours les motifs en forme de poids colorés de Kusama Yayoi. Je devine à l’intérieur une statue de l’artiste en très grand format et je ne peux résister à l’idée d’entrer à l’intérieur pour la voir de plus près. Un peu plus loin à Omotesando et sur la dernière photographie de ce billet, les personnages de l’illustrateur Yoshitomo Nara viennent agrémenter les créations vestimentaires de Stella McCartney. On dirait que chaque marque essaie de s’attirer son artiste attitré. Loewe s’était emparé pendant quelques temps de certains personnages du monde de Ghibli, en premier lieu Totoro que la marque de luxe avait réussi à sortir de son sommeil. Sur la deuxième photographie du billet, un personnage haut en couleurs par l’illustratrice Mika Pikazo est affiché sur une grande baie vitrée d’un immeuble d’Udagawachō. Ce n’est pas la première fois que je fais le tour d’une exposition de cette illustratrice à Shibuya. La fois précédente devait être en Septembre 2019 dans un espace ouvert sur la rue près de l’ancien cinéma Rise, désormais reconverti en une live house nommée WWW WWWX. Je ne suis jamais entré à l’intérieur mais il faudrait que je trouve une occasion pour admirer l’architecture d’Atsushi Kitagawara tout en y appréciant un concert, par exemple. Je passe très souvent près de la galerie d’art Design Festa pour vérifier si les illustrations sur les murs ont été modifiées. Je ne pense pas avoir déjà vu ce petit personnage coloré uniformément de rose. Il y a certains endroits à Tokyo, comme ici ou sur les murs extérieurs d’un magasin de disques hip-hop à Udagawachō, où les fresques sont très souvent mises à jour. Ce genre de remix urbain satisfait forcément beaucoup le photographe amateur que je suis.

Je viens d’acheter au Tower Records de Shibuya l’album remix de morceaux de Sheena Ringo intitulé Hyakuyakunochō (百薬の長) sorti le 11 Janvier 2023. Il est sous-titré en allemand « das Allheilmittel für alle Übel », ce qui voudrait dire « le remède à tous les maux ». Il s’agit à mon avis d’une correspondance avec le EP Ze-Chyō Syū (絶頂集, SR/ZCS) sorti en Septembre 2000 qui reprenait également l’imagerie de la boîte de médicaments. La version initiale de la pochette de Hyakuyakunochō avait même un logo « Sheener » ressemblant à celui de Pfizer mais il n’a (heureusement) pas été conservé. Je me suis procuré la version standard sans les objets additionnels (les goods) fournis avec la version deluxe, car le problème d’utilisation du logo de La Croix Rouge m’a fait comprendre que Sheena Ringo n’avait en fait aucune implication dans le choix de leur design. Les albums de remix sont en général le fait des maisons de disques sans forcément un apport de l’auteur initial de la musique remixée. C’est du moins ce que la maison de disques Sony Universal Japan a annoncé suite au problème reporté dans les médias, très certainement pour protéger l’artiste. Une chose est sûre, je remarque maintenant les ‘Help Mark‘ (ヘルプマーク) marquées sur fond rouge du cœur blanc et du logo de La Croix Rouge, et j’en vois beaucoup dans les rues ou dans les couloirs du métro alors que je les voyais à peine avant. Merci donc Sheena Ringo de m’avoir sensibilisé sur ce sujet. Mais le véritable problème de ce genre de goods est qu’on a tendance à ne volontairement pas les utiliser pour ne pas les abîmer et ils finissent oubliés au fond d’un tiroir.

L’exercice du remix est assez compliqué et même périlleux. On a souvent plusieurs cas de figures. Le remixeur ne prend parfois pas de risques et n’ajoutent que des petites touches musicales sans modifier la trame initiale du morceau. On peut aller vers des propositions à l’opposé où l’empreinte du remixeur est tellement forte qu’on peine à reconnaître le morceau original sur lequel il est basé. C’est un parti pris d’essayer de conserver l’atmosphère originale d’un morceau pour ne pas choquer les fans ou de partir vers des pistes complètement différentes. Il est à mon avis très difficile pour un remix d’égaler un morceau original car ça demande à l’auditeur d’oublier en quelque sorte ce qu’il connaît d’une musique mainte fois écoutée et d’accepter quelque chose de nouveau. Il est assez rare qu’un morceau remixé vienne dépasser et transcender sa version originale. Il y a pourtant des remixes qui amènent des morceaux vers d’autres rythmes et d’autres ambiances, qui ajoutent une épice qui ne manquait pas forcément à l’original mais qui devient indispensable une fois qu’on l’a ajouté. Certains remixes arrivent à sublimer un morceau tandis que d’autres ne font que l’alourdir et le déséquilibrer. C’est une chimie compliquée qui peut très bien fonctionner ou échouer lamentablement. Il y a un peu de tout cela dans ce premier album remix de Sheena Ringo.

Je ne sais pas si Sheena est à l’origine de la sélection des musiciens en charge des remixes mais je dirais que probablement non, vu qu’il s’agit d’une initiative de la maison de disques. Il y a beaucoup de noms réputés japonais mais aussi quelques étrangers. Certains noms me sont cependant complètement inconnus. Comme je le mentionnais auparavant, la coréenne Miso prend en charge le morceau Marunouchi Sadistic (丸ノ内サディスティック), ce qui n’est pas une mince affaire vu que c’est son morceau le plus populaire. Elle s’en sort très bien et laisse même clairement son empreinte en ajoutant sa voix sur la fin du morceau pour le compléter. Cet apport de voix est très bien vu, et Miso n’est pas la seule à le faire sur cette compilation de remixes. Le morceau Ishiki (意識 ～Conciously～) remixé par Shinichi Osawa, dont je parle régulièrement ici pour son projet MONDO GROSSO, est particulièrement réussi et cerise sur le gateau, DAOKO vient ajouter sa voix rappée sur la fin du morceau. J’adore le ton de voix immédiatement reconnaissable de DAOKO et sa manière d’accentuer certaines syllabes pour donner de la force à son phrasé. La version par moment forte en basse de Shinichi Osawa donne un souffle complètement différent à ce morceau. Le remix de Yokushitsu (浴室 ～la salle de bain～) par une des figures importantes de la musique électronique japonaise, Takkyu Ishino (石野卓球), est tout à fait enthousiasmant. Il conserve toute la force de la voix de Sheena Ringo et arrive à faire décoller le morceau, notamment dans sa deuxième partie. Yokushitsu, Marunouchi Sadistic et Ishiki sont des morceaux qui ont déjà eu des versions alternatives (notamment en anglais) sur des albums ou live de Sheena Ringo. On est donc d’une certaine manière habitué à ce que ces morceaux ne soient pas figés dans leurs formes originales, mais les versions qui nous sont proposés ici ont tout de même un style bien différent et très marqué électro.

Le morceau JL005 Bin de (ＪＬ００５便で ～Flight JL005～) est remixé par Yoshinori Sunahara (砂原良徳) qui était intervenu sur deux morceaux de Tokyo Jihen enregistrés sur une cassette accompagnant la version spéciale du best album Sōgō (総合) sorti en Décembre 2021. J’avais beaucoup aimé les deux morceaux qu’il avait remixé: Karada (体) et Zettaizetsumei (絶体絶命). Je ne suis pas déçu par cette nouvelle version de JL005 Bin de qui démarre sur des prises de sons d’aéroport. Il y a une élégance typique des remixes de Yoshinori Sunahara, enfin de ceux que je connais jusqu’à présent. On retrouve cette même élégance dans la vidéo tournée pour ce morceau par Yuichi Kodama (évidemment). SAYA, de la formation Elevenplay que l’on retrouve régulièrement dans les concerts de Sheena Ringo, joue le rôle principal en hôtesse de l’air. J’aime beaucoup ces images et notamment le petit nuage qui vient s’incruster dans le paysage urbain (j’utilise régulièrement les interventions nuageuses dans mes compositions photographiques). Et on découvrira dans la vidéo qu’un jeu de morpion tourne en rond sur le tableau de bord et les écrans de contrôle de l’avion certainement pendant le pilotage automatique (mais y-a t’il un pilote dans l’avion? de demanderait Leslie Nielsen). Je laisserais les spécialistes en aéronautique préciser la réalité de ce genre de situation. Le sous-titre de ce morceau est B747-246, un avion Boeing donc de la compagnie JAL effectuant le vol de l’aéroport JFK à New York jusqu’à Tokyo Haneda (le vol JL005).

Les morceaux Anoyo no Mon (あの世の門 ～Gate of Hades～) et Chichinpuipui (ちちんぷいぷい ～Manipulate the time～) remixés respectivement par Telefon Tel Aviv et Gilles Peterson sont d’excellentes surprises, car ils s’écartent complètement de la version originale au point où on la reconnaît à peine. Remplacer l’ambiance euphorique de Chichinpuipui par une atmosphère Dark Jazz est assez singulière. On a l’impression d’entendre des nouveaux morceaux où la voix de Sheena est défigurée. Le morceau Adult Code (おとなの掟) remixé par object blue est par contre assez déplaisante. Le morceau d’origine est loin d’être le meilleur de Sheena Ringo et le remix crachotant semble être en permanence décorrélé des paroles. L’écoute en est assez désagréable malheureusement. Les remixes de Nagaku Migikai Matsuri (長く短い祭 ～In Summer, Night～) par Yasuyuki Okamura (岡村靖幸) et de Carnation (カーネーション ～L’œillet～) par Ovall sont agréables sans forcément apporter des propositions nouvelles ou prendre de risques. Ils n’en deviennent donc pas indispensables, même si ces versions restent belles. Je suis un peu dessus de la version par STUTS de Onnanoko ha Daredemo (女の子は誰でも ～Fly Me To Heaven～). Là encore, le remix n’est pas désagréable mais n’apporte pas grand chose de plus à l’original. On peut même se demander s’il y a une différence. L’excellente surprise est de trouver KID FRESINO sur l’avant dernier morceau Niwatori to Hebi to Buta (鶏と蛇と豚 ～Gate of Living～) car il y apporte sa voix hip-hop ce qui change complètement la dynamique du morceau. C’est une belle réussite même si le morceau reste trop court (c’était le cas de l’original). Je trouve une satisfaction certaine d’entendre la voix rap si particulière de KID FRESINO interagir avec l’univers de Sheena Ringo. Le dernier titre, une reprise du morceau le plus récent de Sheena Ringo, Ito wo Kashi (いとをかし ～toogood～) par Ajino Namero (鯵野滑郎) est une curiosité. Il s’agit d’une version en sons 8bits sortis tout droit d’une Famicom (qui serait quand même poussée dans ses derniers retranchements). Les sons primaires prennent étonnement de l’ampleur au fur et à mesure que le morceau se déroule, lui donnant même une dimension épique. J’ai grandi avec ses sons 8bits donc j’adore forcément ce morceau de conclusion, laissé instrumental. Au final, j’adore le début (trois premiers morceaux) et la deuxième partie (des morceaux 8 à 12) mais je trouve qu’il y a un passage à vide au milieu de la compilation (les morceaux 4, 5, 6 et 7). Je trouve le résultat final inégal mais n’en vaut pas moins le détour et j’y reviens très souvent ces derniers jours. Et je me dis qu’il faut absolument que Shinichi Osawa compose un morceau pour DAOKO.