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Live Report/Musiques/Tokyo

Eternally Returning・Paradigm Shift

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Une fois n’est pas coutume, je me suis décidé un peu au dernier moment à aller voir Haru Nemuri (春ねむ) en concert. Il restait des places pour la date de Tokyo de sa tournée 2024 Flee from the Sanctuary (サンクチュアリを飛び出して), qui est d’abord passée par Nagoya puis Osaka. Le concert de Tokyo avait lieu dans la salle de Shibuya WWW X le Vendredi 6 Septembre 2024. Son album Haru to Shura (春と修羅) sorti en 2018, le EP Kick in the World sorti la même année et les morceaux sortis avant cela dont le sublime Tokyo (Ewig Wiederkehren), m’avaient tellement marqué, que j’avais trouvé le EP Lovetheism suivant moins inspiré, à part le très beau Fanfarre. Je n’avais du coup pas écouté avec attention son album suivant Shunka Ryougen (春火燎原) sorti en 2022 et j’avais été assez partagé sur le EP INSAINT qui suivait en 2023. Depuis quelques temps, je suis la progression de la jeune compositrice et interprète rock Minori Nagashima (長嶋水徳), qui a participé en première partie à la date d’Osaka de la tournée d’Haru Nemuri. Cela m’a en quelque sorte rappelé à mes premiers souvenirs du choc qu’avait provoqué en moi la musique d’Haru Nemuri, mélangeant poésie rappée et rock parfois des plus virulents. Acheter un billet pour son concert a en quelque sorte attisé une flamme qui n’était pas éteinte, et je me suis ensuite mis à écouter son album Shunka Ryougen pour me préparer au concert, tout en me disant que j’avais eu tord de ne pas m’y être plongé plus tôt tant il regorge de morceaux puissants. Son style sur cet album est immédiatement reconnaissable, mais est en fait assez différent de Haru to Shura car plus varié dans son approche. Je me souviens avoir été un peu dérangé par les cris de type « death voice » qu’elle pratique sur quelques morceaux de INSAINT, mais ceux-ci interpellent sur les morceaux de Shunka Ryougen, notamment sur Never Let You Go (あなたを離さないで) et Shunka Ryougen (春火燎原), au point où cette rage qu’elle transmet dans sa voix me donne des frissons à chaque écoute. C’est un détail, mais le fait qu’elle utilise en interlude musical sur Shunka Ryougen une version, certes modifiée, du morceau Arabesque de Claude Debussy a fini par me convaincre que j’avais été très mal inspiré de ne pas avoir écouté cet album jusqu’à maintenant. Le morceau Never Let You Go (あなたを離さないで), ainsi que plusieurs autres, compte même parmi les morceaux que je préfère d’Haru Nemuri.

La prestation d’Haru Nemuri sur la scène de la salle WWW X de Shibuya, que je finis par bien connaître, était précédée de deux groupes. La première partie était assurée par un jeune artiste de 18 ans nommé Yatsui Ichijiku (奴居イチヂク) accompagné pour ce concert par le groupe EiQkessha (永Q結社). Suivait ensuite le groupe rock alternatif Mass of the Fermenting Dregs (en diminutif MOTFD ou Masudore), que je connais mieux même si je ne m’étais pas encore penché sur leur dernier album Awakening:Sleeping sorti en Août 2022. Le fait que Masudore joue en première partie d’Haru Nemuri m’a aussi convaincu que ce concert était une occasion à ne pas laisser passer. En fait, j’étais aussi très curieux de voir Haru Nemuri, car j’avais l’image d’une présence extrêmement dynamique et physique sur scène, du moins lors de ses tournées à l’étranger, où elle pouvait se jeter dans la foule. Je me suis demandé si elle pouvait être aussi proche du public sur une scène japonaise à priori plus réservée. Il s’avère qu’Haru a un talent certain pour animer la foule. Le concert démarrait à 19h pour une demi-heure en compagnie de Yatsui Ichijiku et de son groupe, suivi de Mass of the Fermenting Dregs à partir de 19:40 pour environ une heure de set et finalement Haru Nemuri à partir de 21:00 pour plus d’une heure.

Je suis arrivé quelques minutes avant 18h qui était l’heure annoncée d’ouverture de la salle WWW X. L’appel des numéros avait commencé avant l’heure et il n’y avait que peu de personnes regroupées devant la salle à ce moment là. Ça n’a pas empêché le staff de la salle de procéder à l’appel méthodique des numéros de places, et rapidement arriver jusqu’au numéro 300 vers lequel je me situais. Avec un tel numéro de place, j’aurais dû être placé dans la deuxième partie de la salle depuis la scène, mais le fait d’arriver tôt m’a permis de rentrer en avance et me placer proche de la scène au deuxième rang. Je ne souhaitais pas vraiment être trop près de la scène, sachant qu’Haru Nemuri fait parfois des sauts en diving dans la foule et qu’il faudrait éviter de se prendre une pointure de ses chaussures renforcées en pleine figure. J’entre au final dans la salle une heure en avance ce qui me laisse un peu de temps pour envoyer les messages traditionnels à Nicolas, et mahl également cette fois-ci, pour leur faire part de mon enthousiasme avant le début du concert. La salle se remplit petit à petit derrière moi. La proportion d’étrangers est plus importante que pour les concerts auxquels j’ai pu assister jusqu’à maintenant. Il faut dire qu’Haru Nemuri et Masudore font régulièrement des tournées à l’étranger, et ils entameront même très prochainement une tournée américaine. Je pense même qu’Haru Memuri et Masudore sont plus reconnus à l’étranger qu’au Japon. Pendant ce moment d’attente avant le début du concert, je reste attentif à la musique de fond qui nous fait patienter. Je me suis toujours demandé si ces morceaux d’attente étaient décidés par le management de salle ou par les artistes. Il semblerait que les choix de morceaux soient plutôt fait par l’artiste car Haru Nemuri partageait après le concert la playlist sur Twitter.

Pour la première partie, Yatsui Ichijiku et EiQkessha ont interprété 6 morceaux avec une énergie et une assurance assez bluffante. Le premier morceau était en fait joué par d’autres musiciens que ceux de EiQkessha puis un changement s’est opéré à partir du deuxième morceau. Les morceaux que j’ai pu écouter sur le premier et unique EP Temee no Sōmatō de mata Aou (テメェの走馬灯でまた会おう。) de Yatsui Ichijiku se base principalement sur une instrumentalisation électronique tandis que la formation lors du concert était plutôt orientée rock avec guitares et batterie. Le beat électronique était bien entendu présent et même particulièrement puissant sur certains morceaux. Yatsui Ichijuku maîtrisait très bien son set mais on sentait qu’il n’était pas complètement à l’aise lorsqu’il s’adressait à la foule pendant les quelques passages de MC. Leur set a passé assez vite car les morceaux se sont enchaînés avec beaucoup d’énergie.

Les interludes entre les groupes étaient heureusement assez courts. Pour la préparation du set de Masudore, j’étais assez surpris de voir les membres du groupe faire leurs ajustements d’instruments eux-mêmes. Il faut dire que Mass of The Fermenting Dregs est complètement indépendant, même dans la production de leurs albums, ce qui suppose qu’ils faut qu’ils fassent tout par eux-mêmes. Quelques membres du Staff étaient tout de même présents, dont une personne portant un t-shirt du feu groupe Ms.Machine, ce qui m’a bien étonné mais fait sourire. J’écoute Masudore depuis de nombreuses années et j’étais content de voir monter sur scène Natsuko Miyamoto (宮本菜津子) qui assure le chant et la guitare basse, Naoya Ogura (小倉直也) à la guitare et au chant, et Isao Yoshino (吉野功) à la batterie. Leur set est un mélange de leur dernier album Awakening:Sleeping et de quelques morceaux plus anciens. Je les connaissais tous à part un inédit qui n’est pas encore sorti en single. J’ai découvert leur dernier album Awakening:Sleeping récemment et je l’ai beaucoup aimé, notamment le long morceau quasiment instrumental intitulé 1960 qui était au centre de leur setlist de concert. Quelle puissance de guitares et de batterie! Nos oreilles n’en sortent pas tout à fait intactes, mais c’est un véritable bonheur. J’adore le jeu de guitare de Naoya Ogura, et le fait de le voir jouer sur scène, le visage caché dans ses cheveux noirs. C’est pour sûr un esthète car on a le sentiment que sa manière de se positionner sur scène est réfléchie, notamment par rapport à Natsuko Miyamoto qui se laisse entraîner par le flot des guitares et par les sensations qu’elles procurent. Il y a une certaine complémentarité dans leur manière d’être sur scène. Le batteur à l’arrière est forcément plus discret mais ça ne l’empêche pas de taper très fort. Pendant les moments de MC, Natsuko nous a rappelé la premiere rencontre de Masudore avec Haru Nemuri. C’était il y a sept ans et Haru démarrait sa carrière. Elle avait apparemment fait la première partie de Masudore et le concert d’aujourd’hui était en quelque sorte un retour d’ascenseur. Là encore, les morceaux se sont enchaînés sans temps mort avec toujours la même puissance. C’est assez agréable de reconnaître certains morceaux des premiers EPs, comme l’excellent Delusionalism par lequel j’avais découvert le groupe et que je n’avais pas écouté depuis longtemps.

À la fin du set de Masudore, la scène prend une toute autre forme. La batterie est poussée à droite et des équipements électroniques sont mis en place. Après le DJ et le batteur, Haru Nemuri entre ensuite en scène sur le morceau Destruction Sisters du dernier EP INSAINT puis enchaîne rapidement sur deux morceaux de son premier album Haru to Shura, Narashite (鳴らして) puis Sekai wo Torikaeshite Okure (せかいをとりかえしておくれ), ce qui met tout de suite la foule dans de bonnes conditions. Haru bouge beaucoup sur scène, danse en se laissant entraîner par le flot et le rythme de ses morceaux. Elle encourage d’entrée de jeu le public à montrer sa présence et à faire corps avec elle. Elle arrive très bien à engager le public, d’une manière que je n’avais pas constater sur les concerts que j’ai pu voir ces dernières années à Tokyo. Je pense que son expérience des concerts à l’étranger se ressent sur scène au Japon. Et une fois que le public est chaud, la tension ne redescend pas de si tôt et l’accompagne jusqu’au bout. Haru dépense beaucoup d’énergie sur scène, ça se voit et elle est même obligée de prendre quelques moments de pause entre deux morceaux pour souffler. Elle en profite pour s’addresser au public. On ressent qu’elle s’investit pleinement dans sa musique, ce qui me rappelle que les émotions qu’elle transmet sont tout à fait authentiques et même touchantes. Je me souviens avoir été parfois un peu agacé par ses coups de gueule nombreux sur les réseaux sociaux, mais on ressent à travers ses mots qu’il s’agit d’angoisses véritables qui la prennent au cœur et qu’elle a besoin de transmettre. Elle nous en parle un peu pendant ses passages adressés au public. Alors qu’elle semble épuisée après un morceau au milieu du set, une personne dans la foule lui demande si elle va bien: « Daijōbu ? ». Elle répond par la négative en rigolant: « Daijōbu ja nai! ». Et elle nous indique que cette question est en fait fort à propos car son prochain single prendra justement ce titre et ses paroles. Elle nous annonce qu’il s’agit d’une collaboration sur un EP avec le groupe américain Frost Children composé de deux sœurs. Le morceau Daijoubu Desu est disponible au moment où j’écris ces lignes, mais ne l’était pas au moment du concert.

Le set d’Haru Nemuri se compose de 14 morceaux sans rappels. Il faut dire que, dans sa totalité, ce concert dépasse déjà les 2h et demi. J’adore quand Haru se rapproche au plus près du public. On sent qu’elle en a besoin. Il y a une balustrade entre la scène et le public et elle n’hésite pas à monter dessus en s’aidant des mains du public pour se placer au dessus de l’audience. Elle a même fait un saut dans la foule à la fin du morceau Sekai wo Torikaeshite Okure. Comme j’étais au deuxième rang, il est arrivé plusieurs fois qu’elle se tienne debout juste devant moi. Je n’aime pas beaucoup me distraire du concert en prenant des photos ou des bouts de films mais je n’ai pas pu m’empêcher à ces moments là. Pour le dernier morceau intitulé Ikiru (生きる), elle se tenait également juste devant moi. L’émotion était très grande à ce moment là car elle retenait ses larmes à la toute fin du concert. C’est un moment très particulier que j’ai pu filmer et que je regarde encore maintenant, un peu plus d’une semaine après le concert. Encore une fois, on se dit qu’elle ne triche pas et que son attitude correspond souvent à un excès émotionnel. Le morceau Shunka Ryougen (春火燎原) qui précédait Ikiru était particulièrement prenant car elle a fondu en larmes en plein milieu. J’ai pensé à ce moment là qu’elle avait craqué, mais en fait non, elle reprend le dessus et continue à chanter. Je ressens cette dualité entre fragilité et force dans son chant, et cela a toujours été un aspect que j’ai aimé dans la musique d’Haru Nemuri. Ce concert me rappelle à tout cela, ponctué de messages existentiels entre la vie et la mort. Sa voix peut être puissante et dure sur des morceaux comme I refuse (わたしは拒絶する) et Never Let You Go (あなたを離さないで). En live, cette voix ressemblant à un cri est réminiscente du death metal. Elle donne froid dans le dos lorsqu’on l’écoute.

Une des surprises du concert était de voir le rappeur GOMESS soudainement débouler sur scène sur le morceau Rock’n’roll never dies (ロックンロールは死なない). Les deux avaient déjà chanté en duo sur le morceau sore eyes sorti en 2016. GOMESS assurait également la première partie de cette tournée d’Haru Nemuri à Nagoya et Osaka. Je connaissais son nom depuis longtemps pour des morceaux de Yackle (烏の餌 et Judge) avec la compositrice et interprète Utae dont j’ai souvent parlé sur ce blog. Pendant toute une partie de ce morceau, Haru se trouvait une nouvelle fois debout en hauteur portée par la main d’une spectatrice, tandis que GOMESS faisait des aller-retours sur scène. Il avait l’air d’être impressionné par l’ambiance qui régnait dans la salle. Sa voix puissante contribuait à mon avis très bien à faire monter la température. Je trouve que le costume de scène d’Haru et sa coiffure étaient très travaillés et vraiment magnifiques. Le costume un brin futuriste a été conçu par Lisa Tsuchiya. Alors que le concert s’achève déjà, Haru Nemuri accompagnée de son groupe descendent de la scène pour une photographie avec le public. On peut d’ailleurs me voir sur la gauche de la photo. Tout le concert a été filmé par un amateur de Glasgow qui lui avait demandé la permission préalable et qui avait déjà filmé son concert à Glasgow. J’espère que cette vidéo sera présente sur YouTube prochainement. Les photographies du billet sont prises par moi-même, par le photographe attitré Ed Sōta et par un membre du public nommé Yuasa qui a fait un travail intéressant sur le rendu de ses photos ressemblant à un traitement HDR. Je me permets de mélanger ces photos avec les miennes pour illustrer convenablement ce rapport de concert. Il est 22:30 et c’est le moment de sortir de la salle. En entrant, je n’avais pas vu un beau bouquet de fleurs au nom de NHK Venue 101. Je ne pense pas qu’Haru Nemuri soit déjà passée dans cette émission musicale de la NHK. Elle passera peut-être dans un avenir proche, ce qui serait une bonne nouvelle pour Haru en terme de visibilité locale. Sur les tables près de la sortie, des flyers annoncent déjà le prochain concert d’Haru Nemuri qui se déroulera dans cette même salle WWW X de Shibuya. Il s’agira d’un concert à deux artistes car Haru partagera l’affiche avec les rappeurs expérimentaux japonais Dos Monos, pour un concert le 11 Novembre 2024. Je ne connais pas la musique de Dos Monos, mais je connais par contre Zo Zhit, un des trois rappeurs du groupe, pour un duo avec AAAMYYY sur le morceau Tengu de son album Annihilation. Zo Zhit était également présent lors du concert Option C d’AAAMYYY. Sa voix puissante m’intéresse depuis un moment, et il faut que je jette prochainement une oreille attentive à la musique de Dos Monos.

Pour reference ultérieure, je note ci-dessous les set lists des trois groupes et artistes participant à la tournée Haru Nemuri Tour 2024 | Flee from the Sanctuary (サンクチュアリを飛び出して) le 6 Septembre 2024 dans la salle WWW X de Shibuya. Pour Yatsui Ichijuku, je lui ai en fait demandé directement et il m’a gentiment et très rapidement donné sa playlist sur Twitter.

Yatsui Ichijiku (奴居イチヂク) with EiQkessha (永Q結社):

1. テメェの走馬灯でまた会おう。
2. 首都圏絆創膏
3. TECHNICS
4. 愛いびぃ愛らゔゆぅ
5. ヨミへ…。
6. 魂のlv./永Q結社

Mass of the Fermenting Dregs (マスドレ – MOTFD):

1. Dramatic, de l’album Awakening:Sleeping
2. Sugar, de l’album No New World
3. New Order, de l’album No New World
4. Aoi, Koi, Daidaiiro no Hi (青い、濃い、橙色の日), du EP World is Yours
5. 1960 de l’album Awakening:Sleeping
6. New song
7. Delusionalism, du EP Mass of the Fermenting Dregs
8. Slow-motion Replay (スローモーションリプレイ), de l’album No New World
9. ASAHINAGU (あさひなぐ), de l’album No New World
10. World is Yours (ワールドイズユアーズ), du EP World is Yours

Haru Nemuri (春ねむり):

1. Destruction Sisters (ディストラクション・シスターズ), du EP INSAINT
2. Narashite (鳴らして), de l’album 春と修羅 (Haru to Shura)
3. Sekai wo Torikaeshite Okure (せかいをとりかえしておくれ), de l’album 春と修羅 (Haru to Shura)
4. I refuse (わたしは拒絶する), du EP INSAINT
5. Never Let You Go (あなたを離さないで), de l’album Shunka Ryougen (春火燎原)
6. Souzou suru (そうぞうする), de l’album Shunka Ryougen (春火燎原)
7. Who the fuck is burning the trees (森が燃えているのは), de l’album Shunka Ryougen (春火燎原)
8. Pandora (パンドーラー), de l’album Shunka Ryougen (春火燎原)
9. Flee from the Sanctuary (サンクチュアリを飛び出して), du EP INSAINT
10. Kick in the World (déconstructed), de l’album Shunka Ryougen (春火燎原)
11. Rock’n’roll never dies (ロックンロールは死なない) feat.GOMESS, de l’album 春と修羅 (Haru to Shura)
12. Inferno (インフェルノ), du EP INSAINT
13. Shunka Ryougen (春火燎原), de l’album Shunka Ryougen (春火燎原)
14. Ikiru (生きる), de l’album Shunka Ryougen (春火燎原)

Et quelques videos pour conclure:
En complément du billet, je montre ci-dessous trois vidéos que j’ai pris pendant le concert et que j’ai publié sur Twitter, dont je donne déjà les liens dans le billet ci-dessus.


Art/Tokyo/Yokohama

仏像の影に消えた

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Nous sommes déjà dans la dernière partie de l’été et j’ai l’impression qu’il a passé très vite et que rien ne s’est vraiment passé. Il y a pourtant eu les Jeux Olympiques de Paris 2024 qui nous ont bien occupés avec des cérémonies d’ouverture et de fermeture mémorables et beaucoup de très beaux moments sportifs. On s’est bien entendu levé tôt pour regarder la cérémonie de fermeture. La présence de Tom Cruise, des groupes Phœnix et Air n’étaient pas vraiment une surprise car l’information avait fuité. La cérémonie a ressemblé par moments à un concert géant avec les prestations de Phœnix, Kavinsky et Air. Le morceau Nightcall de Kavinsky avec Angèle au chant a apparemment battu des records de recherche sur l’application Shazam, ce que je comprends très bien car ce passage était particulièrement marquant, tout comme le bain de foule de Thomas Mars de Phœnix. Je pense que c’était un imprévu tout comme le fait que la foule des sportifs ne descendent pas de la scène pour rester au plus près du groupe, alors qu’on leur a pourtant demandé plusieurs fois de descendre. Ces moments imprévus étaient particulièrement réussis et ces jeux dans leur ensemble ont été une bouffée de bonheur à regarder. C’est bon de se nourrir d’énergie positive. J’espère qu’elle restera en France pour un bon moment.

En photographies ci-dessus, je profite de quelques heures à Sakuragichō à Yokohama pour partir prendre quelques photos du Pacific Convention Plaza Yokohama également nommé Pacifico Yokohama (パシフィコ横浜). J’étais attiré par les motifs architecturaux en forme de voiles modernes posées sur le toit du centre d’exposition, mais je n’ai pas eu l’inspiration nécessaire pour en sortir des photos abstraites, ce qui était pourtant mon idée de départ. Je marche un peu plus pour aller voir les vagues immobiles du grand hôtel de luxe hawaïen The Kahala Hotel & Resort. Les vastes surfaces de verre viennent refléter le ciel nuageux. La courbure du bâtiment est impressionnante. Elle se découpe en trois volumes pour decomposer les mouvements d’une vague semblant idéale pour le surf de haut niveau. J’ai bien pris une bonne vingtaine de photographies du bâtiment et de ses nuages, qui auraient pu constituer un billet à part entière, mais je ne garde finalement qu’une seule photographie par pur souci de concision. En revenant ensuite vers la tour Landmark, je constate que le musée d’art de Yokohama est toujours fermé ce qui est bien dommage car j’aurais peut-être eu le temps de voir une exposition si elle était intéressante. La façade de ce musée m’intrigue toujours beaucoup, surtout la partie haute arrondie qui doit donner une très bonne vue sur la large allée desservant le musée. J’imagine toujours qu’une personne importante y a ses bureaux. Il y a quelque chose de l’ordre de la forteresse dans l’architecture très ordonnée et symétrique de ce musée. J’y ressens un certain mystère et ce sont peut-être les formes géométriques symboliques qui m’inspirent ce sentiment d’étrangeté. Le tigre à la crinière rouge feu devant le Department Store Markis est tout droit sorti de l’univers fantastique du jeu de rôle Dragon Quest V. Il s’appelle Borongo (ボロンゴ) en japonais et Saber en anglais. Je suis très peu familier de l’univers de Dragon Quest car je n’ai jamais eu l’occasion de jouer à un épisode et ce n’est pas maintenant que je vais m’y mettre, même si l’univers du jeu et de ses nombreux épisodes doivent être extrêmement riches. La popularité du jeu au Japon n’est plus à rappeler. D’autres personnages de l’univers de Dragon Quest étaient placés à l’intérieur du grand magasin. La photographie suivante nous fait revenir vers Tokyo, sur la grande avenue d’Aoyama. Je ne sais que très peu de choses sur la grande fresque murale temporaire que je montre sur cette cinquième photographie du billet. Sur cette grande illustration chaotique, comme un patchwork composé de multiples images assez difficilement lisibles, on devine tout de même certains visages de style manga.

Il fait en ce moment souvent trop chaud pour marcher alors je préfère le vélo. Une de mes promenades du week-end m’amène jusqu’à Shinjuku près du parc Shinjuku Gyoen. Je passe en fait volontairement devant le temple bouddhiste Taisōji (太宗寺) situé à Shinjuku 2 chōme pour revoir les formes blanches arrondies du bâtiment principal, mais je me rappelle soudainement de la statue de bronze d’un grand Jizo Bodhisattva assis (銅造地蔵菩薩坐像) placée à l’entrée. Ce lieu a été utilisé pour une scène du film de yakuza Sailor Suit and Machine Gun (セーラー服と機関銃) réalisé en 1981 par Shinji Sōmai (相米慎二), avec dans le rôle principal Hiroko Yakushimaru (薬師丸ひろ子) jouant Izumi Hoshi (星泉), héritière malgré elle du clan de yakuza de son père. J’ai déjà de nombreuses fois parlé de ce film, qui m’a, il faut croire, laissé une forte impression. Je me souviens en fait très bien de cette scène devant la grande statue du temple Taisōji. Cette scène m’avait marqué comme plusieurs autres dans le film, mais je ne me souviens plus exactement quelle occasion amène Izumi Hoshi à s’assoir sur les genoux de cette statue. J’y ai en tout cas vu un sentiment de liberté teinté d’une certaine insolence. Ce film ayant un statut de film culte, certains amateurs se sont bien entendu amusés à retrouver et noter tous les lieux où ont été tournées les scènes du film, ce qui m’a permis de facilement retrouver cette statue.

Mon chemin a déjà rencontré plusieurs fois les illustrations d’Aki Akane (秋赤音). La première fois était dans la librairie Komiyama Tokyo à Jimbocho, puis ensuite à l’espace d’exposition de la librairie Tsutaya de Daikanyama. J’avais vu le livre de l’illustratrice intitulé Nagori (余波-なごり-), mais j’avais hésité à me le procurer au Tsutaya de Daikanyama lors de mon premier passage. Je l’ai finalement acheté plusieurs mois plus tard en le feuilletant une nouvelle fois dans la même librairie Tsutaya. Le terme Nagori du titre fait référence à l’eau de mer et aux algues qui restent sur la plage et les rochers après le retrait des vagues. Le sens qu’Aki Akane veut y donner est un souhait que son univers graphique riche en couleurs reste imprimé dans le cœur et la mémoire des gens qui le regarde. Les illustrations ci-dessus sont extraites du livre. J’aime beaucoup son sens du détail notamment dans les vêtements très travaillés avec un brin de gothique, de mystique et à chaque fois un petit quelque chose de très japonais souvent lié aux traditions shintoïstes. Aki Akane dessine des portraits de jeunes garçons et filles, avec la plupart du temps une note fantastique. Les deux dernières illustrations ci-dessus font par exemple partie d’une série mélangeant des portraits avec des figures animales portées au rang de kami (le serpent blanc à gauche et le loup à droite). Il y a un grand nombre d’illustrations dans ce style, ce qui me plait vraiment beaucoup, au point d’utiliser une de ses illustrations comme écran de veille sur mon smartphone. Le livre grand format reprend également des illustrations utilisées à des fins commerciales ou pour des événements particuliers. Son style n’en est pas altéré pour autant. Je suis particulièrement surpris de voir une représentation en illustrations du duo électronique Justice, Gaspard Augé et Xavier de Rosnay. Je me demande bien quelle occasion a amené Aki Akane à collaborer avec le groupe français. En plus d’être illustratrice, Aki Akane est en fait également compositrice et interprète. Elle a même été invitée à la Japan Expo, il y a plus de dix ans. Je n’ai pas encore vraiment écouté sa musique, à part quelques morceaux piochés sur YouTube, mais je préfère à priori ses illustrations. J’ai tout de même sur mon iPod le morceau techno-pop Black Gänger sorti en 2014 sur son troisième album Square. Je ne pense pas qu’elle ait sorti d’autres albums depuis celui-ci.

Musiques/Tokyo

expanded lights & noisy sounds (ガンマフラッシュ)

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Les lumières quand on les étirent font parfois ressembler les objets du décor urbain à des machines animées infernales. On les regarde de loin gesticuler sans arrêts et on ne peut que s’extasier devant ce spectacle formidable.

Côté musique, je reviens une nouvelle fois vers le rock à tendance noise et punk de Ging Nang Boyz (銀杏BOYZ), le groupe fondé par Kazunobu Mineta (峯田和伸), avec leur troisième album studio intitulé Hikari no naka ni tatteitene (光のなかに立っていてね) sorti en 2014. Je le cherchais en fait depuis un bon moment dans les magasins Disk Union de Shinjuku, Shibuya, Ochanomizu ou Shimo-Kitazawa. Je préfère trouver les albums de Ging Nang Boyz en version CD car les photographies ou illustrations sur leurs livrets sont toujours remarquables. Les photographies sur cet album sont une nouvelle fois de Kotori Kawashima (川島小鳥), qui collabore avec Kazunobu Mineta depuis plus de dix ans. Les photographies pour cet album montre l’actrice taïwanaise Yao Aining (ヤオ・アイニン), surnommée Pipi-chan (ピピちゃん), originaire de Kaohsiung. Elle a joué dans un film japonais intitulé Renai Kitanshu (恋愛奇譚集) sorti en 2017, qu’il faudrait que je vois si l’occasion se présente car le synopsis teinté de fantastique a l’air intéressant. Le son de cet album se trouve à mi-chemin entre le premier album You & I’s WW III Love Revolution (君と僕の第三次世界大戦的恋愛革命) et l’album suivant Ne- Minna Daisuki dayo (ねえみんな大好きだよ). Il n’est pas aussi punk que le premier mais reste plus agressif dans son approche que le deuxième. Le premier morceau 17 Sai (17才) est un des meilleurs morceaux de l’album et peut-être même du groupe. Il est particulièrement intéressant car on a le sentiment que Mineta accouche péniblement du morceau en allant chercher les paroles qu’il chante au plus profond de lui-même, et que les extraire lui sont à la fois pénible mais nécessaire et salvateur. Cela donne un morceau très prenant à l’écoute, plein d’une force que l’on ressent très clairement. J’ai lu que l’atmosphère lors de l’enregistrement était assez tendu entre les membres du groupe, voulant eux-mêmes poursuivre leurs propres directions, et que le guitariste Chin Nakamura et le bassiste Abiko ont finalement quitté le groupe après cet album. On ressent tout à fait cette tension dans les morceaux de l’album, sauf qu’elle semble tout de même canalisée pour ressortir dans la puissance du son et du chant, que Mineta maîtrise très bien au delà parfois des cris. J’aime beaucoup la force brute qui se dégage des albums de Ging Nang Boyz, qui n’hésite pas utiliser des sons abrasifs, qu’ils soient issus des guitares ou des synthétiseurs. On ne ressent pas de délicatesse particulière dans ses morceaux mais une émotion sans filtre et à fleur de peau. L’album reste plus abordable que You & I’s WW III Love Revolution et n’hésite pas à introduire des sonorités plutôt pop dans une atmosphère tout de même assez fortement marquée pour les sons punk. Alors bien sûr les sons pourront paraître agressifs et les mélanges de style un peu étonnants comme sur le deuxième morceau Konrinzai (金輪際) ou le troisième Ai shiteru-te yu-te yone (愛してるってゆってよね) ajoutant des sons électroniques, mais le bruit des guitares également présentes est tellement beau. Le quatrième morceau I DON’T WANNA DIE FOREVER est peut-être celui qui va le plus loin dans le grand écart entre ces différents sons et esprits, car les sons électroniques pourraient être empruntés à un groupe d’idoles, mais ça fonctionne étonnamment bien. La constante du groupe est de produire un son d’une jeunesse adolescente particulièrement rafraîchissante, et le chant de Mineta et de son groupe y sont pour beaucoup. Il y a quelque chose du défouloir dans cette musique, quelque chose de pas très raisonnable et résonné, d’excessif et d’exacerbé, qui fait beaucoup de bien, et ce même dans les morceaux plus posés comme le long Hikari (光) qui est un des points marquants de l’album.

Je fais le plus souvent la découverte de nouveaux groupes ou artistes par recommandations YouTube ou sur Instagram, mais il m’arrive de temps en temps de me laisser guider par les avis ou partages laissés par des personnes non directement liées au milieu musical. Je découvre par exemple le groupe américain Turnstile originaire de Baltimore à travers quelques photos d’un concert montrés par le designer Masamichi Katayama sur son compte Instagram. Il se trouve qu’on a quelques goûts en commun et qu’en plus de son métier d’architecte et designer, il consacre régulièrement des billets Instagram à la musique qu’il apprécie et va voir en concert, Tricot par exemple dans le passé mais c’est également un proche d’Ichiro Yamaguchi de Sakanaction. Le nom de groupe Turnstile m’était en fait déjà familier car il sont passés récemment au festival Fuji Rock mais je n’avais jusque là écouter aucun de leurs morceaux. Je découvre donc le rock condensé de Turnstile avec leur troisième album GLOW ON sorti en Août 2021, et c’est une sorte de claque. Le groupe se compose de Brendan Yates au chant, de Pat McCrory à la guitare électrique, Daniel Fang à la batterie et aux percussions, Franz Lyons à la basse, percussions et au chant. Le style est assez difficile à définir car les guitares lourdes et les rythmes de batterie nous ramènent vers le grunge de Nirvana et autres groupes de rock alternatif des années 90, mais l’approche vocale à quelque chose de plus mélodique. On pourra penser à des groupes comme Green Day que je ne connais pourtant pas beaucoup, mais le rock de Turnstile est à mon avis plus imaginatif. Les guitares sur le morceau clé de l’album BLACKOUT sont par exemple beaucoup plus proche du métal, et ce qui est assez étrange, c’est que des rythmes un peu plus latins, de samba notamment sur le morceau DON’T PLAY, viennent s’incruster dans le flot musical en toute fluidité. Il s’agit d’une fusion de nombreux genres avoisinants souvent le punk rock dans la condensation des morceaux ne dépassant en général pas les trois minutes. L’album se compose de 15 morceaux mais ne dépasse pourtant pas les 35 minutes. Le son est dans l’ensemble très puissant et la voix de Yates souvent aux bords du cri est omniprésente. C’est assez difficile de ne pas avoir envie de bouger ou de chanter lorsqu’on écoute cet album, mais il faut éviter les mouvements amples pour ne pas tout casser dans l’appartement. Lors du concert au Zepp DiverCity auquel assistait Masashi Katayama, le public pouvait monter sur scène lors du dernier morceau ce qui rare au Japon, tout ça pour dire l’énergie communicative du groupe.

Musiques/Tokyo

distorted lights & delicate sounds (ベータフラッシュ)

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Je continue à marcher le soir dans les quartiers de Shibuya sans direction ni objectif très précis. Je me laisse mener par les lumières lorsqu’elles se font attirantes. Ce sont ces lumières que j’essaie de capturer du mieux que je le peux lorsqu’elles s’aventurent devant mon appareil photo. Avec un peu de chance, j’arrive à saisir quelques échantillons de ces lumières dansantes avant qu’elles ne s’échappent et s’évaporent dans la chaleur de la nuit. En musique, j’écoute en ce moment l’album To Lie Latent de la compositrice et interprète Smany, que je connaissais déjà pour son album suivant Illuminate sorti en 2020. Elle a sorti quelques singles en 2023 dont j’ai également parlé sur ce blog, mais pas de nouvel album depuis 4 ans. L’album To Lie Latent date de 2019 et se trouve être un regroupement de versions de morceaux sortis en indépendant sur ses trois albums précédents de 2013, 2014 et 2017 qu’on ne trouve d’ailleurs pas sur iTunes. To Lie Latent est donc en quelque sorte le véritable premier album de Smany et il annonce déjà le style teinté de mélancolie qu’on a le plaisir de trouver sur Illuminate et ses singles suivants. Je suis à chaque fois marqué par l’émotion qui se dégage de la musique et du chant de Smany et je me demande bien pourquoi je n’avais pas encore écouté cet album en entier. De cet album, j’ai d’abord écouté le morceau 2113 car l’artiste en a posté un extrait en version live sur un des réseaux sociaux et ce morceau m’a tout de suite beaucoup attiré. 2113 raconte une histoire fantastique où on lui annonce un matin par courier divin apporté par un messager que la terre va disparaître le jour même et qu’elle et son compagnon sont les seuls élus destinés à quitter la planète sur une arche de Noé en direction de la planète Mars (地球は終わりです、火星へもう逃げなさい), mais elle se pose des questions si elle pourra bien passer le reste de sa vie sur Mars avec son compagnon actuel. Cette réflexion qui prend le dessus sur la panique que devrait engendrer l’annonce de ce genre d’événements tragiques est inattendue et rend tout à fait surprenante cette petite histoire fantastique. La voix de Smany raconte cette histoire sur des nappes magnifiquement mystérieuses, et cette mise en scène me rappelle un peu le long morceau Hitotsuan d’Etsuko Yakushimaru (やくしまるえつこ). L’ambiance du morceau est très belle et c’est une constante de cet album. Avec le morceau Maboroshi, celui intitulé A quiet storm is passing by (静かな嵐は過ぎ去って) compte parmi les plus beaux de l’album. L’album démarrait par l’instrumental The Cycles Of Life qui est indiqué comme étant reminiscent de la musique de Sigur Rós et je trouve cette atmosphère un peu mystique présente sur d’autres morceaux comme A quiet storm is passing by. Et on a également le plaisir de retrouver le tabla d’U-Zhaan sur le morceau intitulé ・A・ .

Musiques/Tokyo

トウキョウサマーハウスヴァイブス

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A travers la grandiose et impressionnante cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques de Paris 2024, j’ai appris que les Minions étaient une création franco-américaine. Il y en a justement un énorme dans le centre de Shibuya, en face du magasin Tower Record. Je rentre pour la première fois à l’intérieur de l’immeuble Tsutaya renouvelé récemment, au croisement de Shibuya. Je n’y trouve que peu de choses intéressantes, car les espaces à chaque étage ont été transformés en cafés lounges dont l’entrée est payante à l’heure. En circulant dans les étages, on trouve quelques figurines de manga et Makima (マキマ) de Chainsaw Man attire forcément mon regard. Notre attention se porte en ce moment sur les Jeux Olympiques, même si je manque la plupart des épreuves vues les horaires tardives. J’ai à peine pu profiter des retransmissions en direct sur Amazon Prime du festival Fuji Rock qui se déroulait du 26 au 28 Juillet 2024. J’ai eu tout de même le plaisir de voir la prestation de The Killers et une petite partie seulement de RIDE et de Kim Gordon. Amazon Prime ne retransmettait qu’une partie du festival sur trois canaux et il n’y avait malheureusement pas de rediffusions comme ça pouvait être le cas pour Coachella. Les chaleurs estivales excessives ont fini par attaquer ma motivation à écrire alors je me contente du minimum. J’ai assez peu de nouvelles photographies à montrer, mais par contre un peu trop de musiques à évoquer.

En faisant quelques recherches sur certains des artistes et groupes présents sur l’album Tokyo Babylon Image Soundtrack vol.1 que je mentionnais dans mon billet précédent, je découvre que deux formations présentes sur cette compilation, Subsonic Factor et More Deep, ont également leurs deux mêmes morceaux présents sur une autre compilation intitulée Tokyo House Underground vol.1 sortie le 21 Novembre 1991, soit un peu moins d’une année avant Tokyo Babylon Image Soundtrack vol.1 sorti le 22 Juillet 1992. Les versions de leurs morceaux, 2・B-In Love et Nobody respectivement, sur Tokyo House Underground vol.1 sont en fait différentes de celles que je connaissais de Tokyo Babylon Image Soundtrack vol.1. Ces versions sont certainement un peu plus anciennes car la production y est beaucoup plus brute. Les versions sur Tokyo Babylon Image Soundtrack vol.1 sont en comparaison plus travaillées et affinées. Tokyo House Underground vol.1 comprend un total de dix morceaux et les autres artistes me sont tous inconnus. J’adore ce son très teinté de la fin des années 80, notamment le côté un peu brut et poussif des synthétiseurs. Je me trompe très certainement, mais sur le deuxième morceau de la compilation intitulé Headed For Tokyo par M.M. Apollo Faith, je crois reconnaître certains sons de synthétiseurs comme le MS-20, qui était mon préféré dans sa version iPad lorsque je créais des morceaux électroniques. Le troisième morceau Tektric de Takashitektronix démarre par des sons qui pourrait être sorti d’un jeu vidéo, et je pense en particulier à des jeux de combats urbains comme Final Fight de Capcom. Mais le morceau passe à un niveau supérieur quand des samples de voix quasiment opératiques viennent se poser sur les synthétiseurs. Le morceau suivant Phylocalia de PC-8 compte également parmi ceux que je préfère, notamment par la voix ressemblant étrangement à celle de Björk, démarrant et venant ponctuer le morceau. La plupart des morceaux, comme celui-ci, incorpore des éléments de hip-hop et d’autres beaucoup plus vaporeux. Il y a une densité dans ces compositions très volatiles qui me plaît beaucoup. On y trouve également une certaine étrangeté, sur des morceaux comme Peanut Cream de 3P, des rythmes acharnés comme sur Get Up Stand Up par CMJK + Super Akira MC. J’y trouve dans tous les cas une fraîcheur qui fait beaucoup de bien. Je ne pourrais pas dire par contre si cette compilation éditée par Sony est représentative de la House japonaise de la fin des années 80 et du début des années 90, car tous ces noms sont extrêmement obscurs pour moi.