Pendant nos courtes vacances d’été, nous avons passé quelques jours à Nasu-Shiobara, sur des collines boisées et près des cours d’eau. C’est le pays des libellules (et des insectes en tous genres). Elles nous survolent, nous croisent de manière désordonnée et se posent parfois, comme sur la photo ci-dessus.

Ces derniers temps, dès que j’en ai l’occasion, j’aime passer un peu de temps en librairie rayon photographies pour feuilleter les livres. Juste à côté du bouquin Northern de Moriyama que j’ai acheté il y a quelques semaines, j’ai aperçu celui de Shuji Yamada: 山田脩二 日本旅 1961-2010 aux éditions Heibonsha. Le titre, Voyage au Japon, nous indique qu’il s’agit de photos prises à différentes époques et divers lieux à travers le pays: Le livre commencent par de belles photos d’un été en 1963 à Shikoku, province d’Iyo, des paysages côtiers, des villages que l’on imagine de pêcheurs et leurs habitants, des enfants dans les rues en labyrinthes ou abrités sous les arbres. On nous emmène ensuite à Osaka avec quelques photos de l’expo de 1970, et ensuite Tokyo, Shibuya, le centre, près de la gare de 1961 à 1964. Le livre alterne le long des pages, les paysages de campagne et d’urbanisme d’une manière plus ou moins chronologique. Les 2 tiers couvrent les années 1960-70, la dernière partie, les années 2000. Il y a très peu de photos des années 1980-90.

Lorsque j’ai feuilleté pour la première fois ce livre, j’ai tout de suite remarqué la beauté des photos des toitures de maison. Plus qu’un décor, elles sont le sujet de nombreuses photos. On ressent un intérêt fort du photographe pour ces toitures japonaises. Je comprendrais ce lien après quelques recherches qui m’apprendront la carrière atypique du photographe Shuji Yamada.

Shuji Yamada commença sa carrière de photographe dans les années 60, à l’époque de ses 20 ans, se spécialisant dans la photo pour magazine d’architecture alors que le Japon commençait son boom économique de l’après-guerre. Il photographia l’insertion des buildings dans le paysage des villes et leur uniformité déprimante. Au début de la quarantaine, il decide de tout laisser tomber pour se rapprocher des valeurs de la terre. Au début des années 1980, il quitte la ville pour l’île de Awajishima dans la préfecture de Hyogo pour y fabriquer des tuiles, dites Kawara, une fascination qu’il a depuis son enfance. On ressent cette fascination dans les photos qu’il prend des toitures et des manufactures dans les annees 1960 et 1970, avant son changement abrupte de vie. On comprend également la période de vide photographique des années 1980-90, certainement plongé dans cette nouvelle carrière débutante.

L’île de Awajishima est réputée pour ses tuiles Kawara: tuiles de toitures, de jardins. Elles sont fabriquées artisanalement dans les ateliers du sud de l’île, dans la zone de Tsui. Malgré le peu d’encouragement et l’accueil glacial de la population locale, il travailla avec acharnement en apprenant le processus de création depuis zéro. Le regard des autres changea lorsque le photographe Kishin Shinoyama, en visite sur l’île, lui accorda sa reconnaissance. Fort d’une nouvelle reconnaissance sociale locale, Shuji Yamada ouvrit ensuite son propre atelier, non pas pour se concentrer sur les toitures, mais plutôt sur les jardins et promenades. Des architectes tels que Toyo Ito intégrèrent son travail dans leurs designs.

Le tremblement de terre du Hanshin en 1995 fut une catastrophe pour l’industrie de la tuile. Les maisons de tuiles furent les plus touchées par le tremblement de terre, ce qui condomna aux yeux du public l’utilisation de ce matériau. Malgré la mise en place de nouvelles techniques de fabrication pour une meilleure résistance aux tremblements de terre, l’industrie de la tuile ne s’en ai pas remis et la fabrication à Awajishima en péril…

Malgré cela, Shuji Yamada persiste, dans ce qui ressemble à un combat pour la survie d’une tradition. Ce livre est un un très beau témoignage d’un métier et de paysages qui disparaissent. En plus de leur qualité esthétique, la connaissance de l’histoire du photographe apporte une toute autre dimension à ces photos. C’est un très beau recueil que je conseille fortement, bien qu’il soit, je pense, pas facile a trouver hors du Japon. En parallèle, de photographe à fabriquant de tuiles Kawara, cette page nous donne une petite idée de l’art de Shuji Yamada.

Un hélicoptère survole Akasaka sous un ciel nuageux. Une vieille dame traverse le pont suspendu de Daikanyama avant la pluie qui guette. C’est le même ciel mais à des lieux et jours différents. J’ai envie de regarder et photographier le ciel en ce moment. Peut être par ce que, pour un mois de juillet, il n’est pas bleu uni mais plutôt agité par la pluie et les nuages. Les nuages sont très photogéniques.

Je me suis procuré dernièrement en librairie un exemplaire de Northern de Daido Moriyama. C’est le premier de ma petite collection. A vrai dire, ça fait un moment que j’aime les photographies de Moriyama, mais j’étais d’une certaine façon intimidé par sa vaste bibliographie. Pour un premier livre, par quoi commencer? Je voulais commencer par des photos de Moriyama au Japon mais on se perd dans la multitude. Commencer par Shinjuku peut être avec son mini-pavet 新宿＋? Je me suis en fait dirigé vers des photos que j’avais vu en exposition. Ca aurait pu être Hawaii que j’avais vu avec MP, mais j’ai préféré Hokkaido. J’avais découvert début 2009 l’exposition Hokkaido de Moriyama dans la petite galerie de Daikanayama Rathole Gallery. J’avais été impressionné à l’époque pour les photos imprimées pour l’exposition, mais beaucoup moins par le gros bouquin intitulé Hokkaido reprenant toutes les photos prises dans cette région en 1978 alors qu’il y passait 3 mois. Northern reprend une partie des photos de Hokkaido dans un format plus petit et horizontal, assez rare car Moriyama est plutôt adepte du format vertical (je le suis assez la dessus). Je n’ai qu’un maigre souvenir des photos que j’ai découverte à l’exposition Hokkaido, donc je les (re)découvre ici avec un regard neuf. Le rendu mate des photos pleine page est très bon et laisse dégager toute la force des photos noir et blanc, très sombres et à fort grain, comme on a l’habitude de le voir chez Moriyama.

Dans Northern, Moriyama retranscrit son voyage en photos, nombreuses sont les scènes de trains, quelques unes en bateau. On le suit dans les rues de villes provinciales laissées à l’écart du miracle économique japonais. Le paysage est sombre et parfois enfumé. Il nous montre les habitants affairés dans leur vie quotidienne. Ils ne remarquent pas le photographe, invisible. Les photos sont chargées d’émotions mais rares sont celles qui transmettent un sentiment de joie. Il s’écarte également à l’extérieur des villes où les surfaces s’enneigent (les photos où la neige tombe sont surprenantes), vers les ports parfois, puis reprend la route ou le train. Il n’y a pratiquement pas de photos d’intérieur. Elles sont plutôt dans le mouvement, un mouvement lent. Pour quelques autres photos du livre, vous pouvez consulter le site A japanese Book. Et comme Moriyama produit sans compter, il y a déjà un deuxième tôme de Northern, Northern 2, cette fois-ci en format vertical. Peut être pour continuer ma collection.

Il n’y a pas de lien particulier, mais je me suis mis à écouter ce morceau de Animal Collective, No more runnin que je ne connaissais pas jusqu’à présent. J’ai trouvé que son rythme lent et lancinant, un petit côté bucolique également, allait bien avec le livre Northern. Du coup, j’écoute ce morceau à chaque fois que je feuillette le livre et je ne parviens plus à dissocier le livre du morceau.

Une fois n’est pas coutume, je prends des gens en photo. Ils s’échappent certes, marchent et ne s’arrêtent pas. On me fait parfois la remarque que mes photos sont souvent vide de personnes, comme si je prenais soin d’attendre que les scènes de rues se désertent avant de prendre mes photos. Ce n’est assez clairement pas mon style ou mon premier centre d’intérêt de faire des photos d’inconnus dans la rue, mais je me fais parfois le reproche à moi-même de ne pas tenter un peu plus le coup. Je ne suis pas dans mon élément et à mon aise pour prendre des photos candides et le choix que j’ai fait d’utiliser en presque exclusivité sur toutes mes photos un objectif 20mm, grand angle donc, ne favorise de toute façon pas cette approche. Le 20mm demande une approche intrusive. Un 50mm serait peut être plus adapté pour prendre ce type de photos de temps en temps, depuis le temps que je pense en acquérir un. Ce Sigma 20mm, c’est un peu comme le style du blog, j’ai beaucoup de mal à en changer. Vu les milliers de photos que j’ai pris avec, il est grandement amorti.

Ci-dessus, deux photos de Jasper James dans sa série People and Places 2, prises à Pékin. J’avoue que j’ai un peu de mal à comprendre s’il s’agit de montages ou de véritable réflexion sur les vitres d’immeubles, mais l’effet est extrêmement réussi. L’humain devient un filtre qui nous permet de mieux apercevoir et comprendre la structure de la ville. Il agit comme un révélateur du paysage urbain. Les habitants en réflexion ici deviennent des guides nous ouvrant les portes d’une ville dense.

A gauche une photo de Shimooka Renjô datant de 1870 pour une carte de visite, à droite une photo de Daido Moriyama d’un poster déchiré à Nakano (1990-2003). J’ai découvert il y a de cela quelques temps, un article disponible en ligne de Etudes photographiques, revue semestrielle publiée par la Société française de photographie, retraçant les débuts de la photographie au Japon à travers la mise en place des premiers ateliers de photographie japonais de 1859 à 1872. L’article est très intéressant avec de nombreuses photos d’époque. Faisons un saut dans le temps, plus de 100 ans plus tard, la photographie japonaise s’exposait à Paris en 2008, « Spotlight on Japan ». LensCulture propose en ligne un long essai de Mariko Takeuchi, conservatrice invitée pour cet évènement. Cet article donne de bons pointeurs sur la photographie contemporaine japonaise. Le site Japan-Photo.info, blog photographique offrant une vue sur la photographie japonaise depuis l’étranger, propose également une interview en 2 parties de Mariko Takeuchi: Partie 1 et Partie 2. J’ai envie en ce moment de nourrir ma culture photographique, ça me prend de temps en temps. Je me suis même procuré un grand classique, Les Américains de Robert Franck, une édition récente bien entendu.

Une équipe postée en avant garde nous observe. On essaie de ne pas croiser leurs regards, mais c’est difficile tant le regard pèse. Le petit posté au fond est bavard, tandis que celui en avant, le chef certainement, garde son sang froid et semble analyser chacun de nos mouvements. Nous avançons discrètement tête baissée. Si vous passez à Higashi 1-chome, Shibuya-Ku, prenez garde.

Les éditions Taschen propose pour leur 25ème anniversaire quelques livres à prix réduit, c’est le cas de Paris du photographe Eugène Atget. Je me suis empressé de me le procurer lorsque je l’ai aperçu dans une librairie de Ebisu. Le livre propose des séries de photographies classées par thèmes ainsi qu’un long texte explicatif en plusieurs langues (dont le français) retraçant les différentes périodes et motivations d’Atget. Son oeuvre, des milliers de photographies de Paris et proche environs, est un véritable travail documentaire sur le vieux Paris et ses habitants à la fin du 19ème et début du 20ème siècle. Parmi les nombreuses photographies du livre, j’aime tout particulièrement les vue d’ensemble du paysage urbain parisien et les photos d’architecture, ainsi que les vues intérieures de quelques hôtels particuliers. J’aurais voulu voir des photos de l’Hôtel Lambert, qui faisait polémique il y a quelque temps, mais le livre n’en montre pas malheureusement. En complément, la page flickr de Pete Sieger montre des photos actuelles de Paris en les comparant avec celles d’Atget. Intéressant.

Les faces cachées des buildings, quand elles se révèlent parfois, quand les immeubles adjacents disparaissent. J’écris qu’il s’agit de lignes noires pour les tuyaux parallèles sur la façade de béton, mais il s’agit en fait d’une tuyauterie bleutée. La rambarde sur la terrasse est, elle, de couleur rouge vive. J’avais déjà utilisé cet immeuble pour une composition urbano-végétale en 2007. Ces tuyaux comme des veines irriguent le bloc de béton et le fait vivre.

Sans complexe, je vais passer ci-dessous à une oeuvre photographique. Je n’instaure pas de hiérarchie dans mes billets, c’est à dire que j’aime de temps en temps présenter ce que j’aime sans vraiment me soucier de la notoriété de l’auteur (dont je ne suis pas toujours conscient parfois). J’avais été surpris par une remarque alors que j’avais juxtaposé une photo prise par un blogger et une photographie de photographe reconnu. Le blogger était surpris d’être associé, par proximité, à cet autre photographe. C’était il y quelques années mais j’ai toujours gardé cette remarque en tête. De la même façon, je ne m’impose pas de contraintes à montrer sur un même billet, une de mes photos suivie de celles d’un livre photographique magnifique. Sans pour autant essayer d’établir une comparaison, bien entendu.

La première fois, j’étais intrigué lorsque j’ai aperçu et feuilleté ce livre La deuxième fois, la fascination a commencé à prendre et le désir de l’acheter s’est fait irrésistible il y a quelques jours dans une librairie de Roppongi (Aoyama Book center pour ne pas nommer).

Dazaifu Tenmangu est un sanctaire paisible près de Fukuoka. Il fut construit en l’an 905 en mémoire de Michizane Sugawara, un homme de lettres et officiel de haut rang de l’Empereur à l’époque Heian, en exile à Dazaifu. Le sanctuaire possède un musée d’objets anciens et une petite galerie à l’intérieur. La volonté du jeune prêtre shintô du sanctuaire, Nobuhiro Nishitakatsuji, de conjuguer présent et passé l’a conduit à mettre un place un programme d’art contemporain dans cette petite galerie. Il commissionna ainsi la photographe Maiko Haruki. Elle passa 2 semaines dans le sanctuaire et ses environs boisées à prendre une série de photos présentées ensuite dans la galerie sous le nom Unify. C’était en 2007. Cette série de photographies est disponible depuis quelques années dans un recueil, Dazaifu, distribué par la galerie Taro Nasu. Maiko Haruki recevra des mains de l’architecte Toyo Ito le prix du jury au Mori Art Museum de Roppongi, lors de l’exposition collective Roppongi Crossing 2007. En guise de préface, Toyo Ito écrit:

白い闇、黒い闇、春木麻衣子の闇は世界を柔らかく包んで溶かし去る、甘美で深い闇。。。

J’avoue que c’est difficile à traduire mais Toyo Ito nous parle de la représentation de l’obscurité que nous donne Maiko Haruki, une obscurité claire et sombre, qui fait fondre le monde dans une douce enveloppe, une obscurité profonde et douce.

Il se dégage des photographies de ce recueil une beauté indéfinissable et une grande poésie. Il se compose de plusieurs parties, autour du sanctuaire principal Honden, dans les espaces boisés et rocailleux aux alentours ou encore lors de processions. Toutes les photos s’articulent autour de surfaces sombres voire complètement noires, parfois inquiétantes mais toujours à la fois puissantes et fragiles, une ligne floue faisant la séparation entre ces surfaces sombres et celles claires d’un ciel bleuté nuageux. Cette ligne floue et fondante, l’enveloppe, attire l’oeil en premier lieu. On s’aventure ensuite dans les surfaces sombres. Ces surfaces noires et profondes sont réellement fascinantes et apparaissent sur beaucoup de photos comme des masses omniprésentes qui couvrent pratiquement tout l’espace mais laissent parfois un peu de place à des détails fragiles: des branchages qui s’échappent, des détails et motifs du sanctuaire, une présence humaine dont on devine les corps.

Sur un thème différent, mais également basé sur un concept unique fort, je rapproche Dazaifu d’un autre livre de photographies qui m’a aussi beaucoup touché, Nami de Syoin Kajii, moine bouddhiste et photographe sur l’île de Sadogashima.

Entrée d’un immeuble de logements au bord de Daikanyama.

Je reçois par courrier il y a deux jours environ un exemplaire de Etudes de Communication numéro 31 – Espaces urbains, Espaces publics, Paroles et interprétations des habitants. Julia Bonaccorsi, Maître de conférences en Sciences de l’Information et de la Communication à l’Université Paris 12, y publie une recherche sur l’habitant et l’espace urbain, et plus précisément sur le devenir habitant, médiations de la ville dans les blogs d’expatriés au Japon. Bien que techniquement je ne sois pas expatrié, j’étais assez content d’apprendre que mon blog et ma façon de représenter la ville fasse partie de cette recherche et publication universitaire. C’est quand même pas commun de se faire étudier, mais j’avoue que j’adore avoir ce genre de point de vue extérieur.

En 35 pages, cette recherche aborde la question de la représentation de la ville intime (soi et la ville) et extérieure (la ville autour de soi) à travers le regard de douze auteurs de blogs devenus habitants à Tokyo. L’analyse des blogs révèle comment les bloggers tokyoites sélectionnés affirment une manière de s’approprier et de vivre la ville, révèlent l’espace urbain comme objet de connaissance à partager, mais aussi comme un espace théorique et abstrait.

La publication présente plusieurs modèles d’appropriation de la ville. Tout d’abord, le modèle de l’habitant in situ où la pratique de la ville s’effectue en dehors du blog. Le carnettiste Pipo au Japon est pris comme exemple, il croque la ville in situ et retranscrit cette expérience de la ville sous forme de croquis tel quel sur son blog. Un autre modèle est celui de la ville utilisée comme un espace de création. L’auteur de l’étude utilise le terme de « joueurs » et Made in Tokyo rentre dans cette catégorie. Je me permets de reproduire le texte qui me concerne ci-dessous. Un troisième modèle est celui de la ville en mouvement, pratiqué par Tokyo. La pratique physique de la ville sert l’introspection et la réflexion. Finalement, un dernier modèle présenté est celui des chroniqueurs avec la ville comme constellation événementielle. L’écriture de la ville suit les évenements de la vie quotidienne, familiale ou professionnelle comme chez OUGL, Ghismo au Japon ou Itadakimasu. Dans le corpus de blogs pris en exemple, on trouve également Ah, itten, torimashita, ne!, Candyland etc…

Ci-dessus, je retranscris les 3 pages du texte de Julia Bonaccorsi qui me concerne plus précisément. Le texte complet est censé être sur le site de l’Université de Lille 3 mais le lien de fonctionne pas (à priori il devrait devenir disponible plus tard…).

La ville comme espace de création : les joueurs

Le second modèle implique un investissement de la ville comme support de création et d’expression. Il est minoritaire dans le corpus et souvent délégué à une galerie photo reliée au blog (Itadakimasu, Le Japon.fr).

Dans Made in Tokyo, la photographie est le registre iconographique principal : deux galeries complètent le weblog (l’une d’elle est privée). Depuis son ouverture en 2003, le blog change sensiblement pour devenir plus narratif (récit de promenades urbaines, commentaire des photographies), et se recentrer sur la passion de l’auteur pour l’architecture:

Même en passant par des rues empruntées des dizaines de fois, j’y trouve un potentiel photographique.
Made in Tokyo, 15/02/07, Post : A Day in Tokyo

Les photographies de tours, d’immeubles de coins de rue, de magasins sont toujours informées (architecte, histoire) mais aussi resituées dans la pratique de la ville.

On pourrait dire que c’est une composition très dans l’esprit de Made in Tokyo, une vision fantomatique sur un décor urbain avec un format à la verticale, à la façon de quelques autres compostions précédentes comme City Lights. J’aime de plus en plus le format vertical, avec toujours dans l’idée de faire une fresque de plusieurs pages de long.
Made in Tokyo, 20/07/06, Post : Spirit Shown

L’auteur affirme son identité créative et éditoriale par le rappel du nom de son blog « très dans l’esprit Made in Tokyo ». Les techniques de prise en vue et de retouche photographique qu’il maîtrise de mieux en mieux au fil des années sont présentées de manière surplombante « à la façon de quelques autres compositions précédentes ».

Parmi ces compositions, on peut souligner deux « genres » : la composition « urbano-végétale » où l’auteur associe un décor urbain à des plantes, comme des îles futuristes flottant dans le vide (Figure 5);

Figure 5 :« Ci-dessus, la huitième composition urbano-végétale, une des séries que je préfère et que je souhaite faire grandir dans le temps. Un bastion de nature survole la ville au plus près, ici au dessus de Kichijoji, et entraîne avec lui quelques éléments de décor urbain, des vieux immeubles en cours d’envahissement. » Made in Tokyo, 25/11/07, Post : Urbano-végétal (8)

l’investissement graphique de murs nus (utilisation d’un logiciel de retouche d’image) (Figure 6).

Figure 6 : « Je me suis lancé dans un travail de re-décoration murale extérieure de cette maison de coiffure de Fujisawa, sans consulter les propriétaires. Souvenez-vous, j’avais déjà décoré un mur à Daikanyama. » Made in Tokyo, 19/10/06, Post : Hair House Re-worked

Ces compositions graphiques sont effectuées en retrait de l’espace urbain (à l’inverse de Pipo qui dessine dans la ville) et jouent à inventer une nouvelle ville : l’auteur affirme par le biais du blog ses compétences techniques et créatives. L’espace urbain est là un terrain de jeu dont l’appropriation se fait à distance, l’espace éditorial du blog servant directement cette réécriture : « J’aime de plus en plus le format vertical, avec toujours dans l’idée de faire une fresque de plusieurs pages de long. » Le photomontage est pleinement lié aux potentialités éditoriales du blog.

Je suis content et même assez fier d’avoir participer, pour la première fois, à un fanzine. C’est un monde étrange que je ne connais pas très bien, mais c’était un plaisir de répondre à la demande de l’organisatrice t3 [aka Spirit Of Shampoo], qui vient régulièrement visiter ce blog. Ce fanzine se nomme Save Our Souls et se définit comme un artbook autopublié de 44 pages couleurs, hétéroclite composé de BD, illustrations et photographies par un collectif de 13 artistes. Même si je ne suis pas « artiste », j’ai contribué 2/3 compositions pour le recueil. J’ai assez hâte de recevoir ma copie du artbook pour voir le résultat final qui ne pourra être que réussi et superbe vu la séléction des contributeurs.

Cette publication “indie” (j’aime bien ce statut de publication) sera disponible à la vente au Festival de BD Delcourt à Paris Bercy Village le 13-14 septembre 2008. Il faut se rendre au stand SPIRIT OF SHAMPOO AND FRIENDS. Allez-y si vous êtes sur Paris. Moi, environ 10,000 kms m’empécheront malheureusement d’y arriver à temps…

Bon courage en tout cas à t3 et aux autres membres de la crew SOS qui dédicaceront les Artbooks.

La photo ci-dessous est prise avec le vieux Canon EOS10 de Mari que j’utilise parfois en noir et blanc. Pour la première fois, je tente l’argentique couleur avec un sommet d’immeuble près de la gare de Shibuya. Le format carré n’est pas d’origine.

L’immeuble du théatre Nissay (1963) par Togo Murano, un des architectes du courant moderne architectural japonais, aperçu il y a de cela quelques mois à Hibiya a attisé ma curiosité pour ce courant architectural. J’ai en fait assez peu exploré les batiments du courant moderne japonais, des époques 1950/60 à part quelques immeubles évidents comme le Nakagin de Kurokawa (Les utopies des Métabolistes me fascinent), des oeuvres architecturales de Kenzo Tange (Cathédrale St Marie, Gymnase de Yoyogi, …), le brutalisme de la petite Tower House de Takamitsu Azuma ou le stade olympique de Komazawa. Ma curiosité est amplifiée par une présentation accentuée ces derniers temps dans la presse.

Casa Brutus sort un numéro spécial « Architecture Moderne au Japon » avec une liste de 100 batiments au Japon que le mouvement DOCOMOMO essaie de protéger. Ce numéro nous montre des batiments superbes mais potentiellement menacés de destruction comme le Gunma Music Center (1961) d’Antonin Raymond. Raymond est architecte tchéque, arrivé à Tokyo en 1919 pour travailler sur le projet de l’Imperial Hotel de Frank Lloyd Wright et ensuite installé au Japon pendant de nombreuses années entrecoupées par la seconde guerre mondiale. Tout comme d’autres architectes japonais de la même époque (Junzo Sakakura, Kunio Maekawa), il est inspiré par l’architecture visionnaire de Le Corbusier.

Casa Brutus nous propose également un petit voyage avec Kiyonori Kikutake pour découvrir deux de ses oeuvres, des batiments de béton magnifiques de force et de géométrie: la réception du sanctuaire shinto Izumo Taisha (1963) et l’hotel Toukouen (1964) dans les préfectures de Shimane et Tottori. J’aimerais pouvoir aller voir ça de près un jour. Entre autres batiments spectaculaires de Kikutake, le Miyakonojo Civic Center (1966), un batiment en forme de dôme et d’éventail très intriguant.

Kateigaho International (renommé KIE) nous présente dans son numéro 20 (été 2008) un dossier sur le Modernisme en Architecture au Japon à travers un panorama de résidences par des grands noms de l’architecture, avec notamment ceux cités précédemment. Les textes du dossier sont de Terunobu Fujimori, architecte et professeur d’architecture. Le dossier commence par un texte très intéressant de Fujimori dressant des parrallèles (en pointillé) entre l’esthétique de la villa Katsura à Kyoto et la Villa Savoye de Le Corbusier, ainsi qu’entre le sanctuaire de Ise et l’Institut de Technologie de l’Illinois par Ludwig Mies Van Der Rohe. C’est assez troublant les résonances entre ces batiments, notamment dans l’utilisation des pilotis, le format en pointe d’éléments du toit, la géométrie des fenêtres.

Pour rester dans les mêmes époques, les années 1950/60, Mari m’a offert pour mon anniversaire il y a de cela quelques jours, un superbe livre photographique sur Oscar Niemeyer, Oscar Niemeyer: Form & Space. J’avais vu ce livre quelques jours avant en librairie et faillis l’acheter à ce moment là. On peut dire que mon épouse me connait bien. Ce livre, donc, est un recueil de photographies par le japonais Yukio Futagawa. Le livre est un édition japonaise mais les textes sont en anglais, japonais, portugais. Il commence par une interview de Niemeyer par Alvaro Siza, parfois difficile à suivre car traduite approximativement en anglais (ou alors, est ce Niemeyer, à 100 ans, qui est difficile à suivre). Mais le livre se concentre sur les photographies, elles sont très belles et couvrent une belle partie des oeuvres architecturales de Niemeyer par ordre chronologique: Ibirapuera Park (1951), Brasilia bien sûr (fin 1950) jusqu’au Musée d’art contemporain de Niterói (1993-96). Les photos alternent couleur et noir et blanc, vue extérieure et intérieure, et sont en quasi totalité prises au Brésil. C’est un très beau livre sur l’art de Niemeyer.

La maison d’édition Taschen fête ses 25 ans et propose pour cette occasion des tarifs intéressants sur certains livres. De passage à la librairie Yurindo de Ebisu, j’ai repéré Sixties Design par Philippe Garner. Ce livre richement illustré nous fait faire un tour du design des années 60 à travers de nombreux exemples dans les domaines du design domestique et industriel, la mode et le graphisme, l’attrait pour la science fiction et l’espace, l’architecture et l’urbanisme. Dans cette dernière partie, on y voit des photos et illustrations des villes utopiques rêvées par les Métabolistes japonais ou les anglais d’Archigram, des photos de la vision réalisée de Niemeyer et Lucia Costa pour Brasilia et quelques design étonnant comme le dôme geodesic de Buckmister Fuller

Je termine ma petite folie pour les livres par la démesure: Le Corbusier Le Grand. Démesure par la taille et le poids de l’ouvrage et par la qualité de ce qui est montré: Photos d’archives, plans, lettres de Le Corbusier, le tout arrangé de manière chronologique au fur et à mesure des projets du maître. Je ne sais pas s’il existe un bouquin plus complet sur Le Corbusier que celui-ci. L’unique problème, c’est la taille. Le bouquin ne tient dans aucun meuble, tout comme mon atlas Phaidon de taille et de poids identique.

Et, une fois n’est pas coutume, une photo de Zoa que je tiens dans les bras le jour de mon anniversaire. Samedi dernier, le matin, nous avons inauguré tous les deux une ballade « architecturale » à Daikanyama, ou alors nous allions faire les courses pour le déjeuner, je ne me souviens plus. Il s’est, en tous cas, vite endormi dans la poussette…

Je viens de recevoir le numéro de Septembre 2008 du magazine allemand d’art art das kunstmagazin. Une de mes photos, celle de l’intérieur du National Art Center Tokyo, est publiée en pleine page pour un petit dossier sur Tokyo que j’aurais bien du mal à comprendre. D’après les photos, le dossier nous parle également du Mori Art Museum, 21_21 Design Sight de Mid Town et Nadiff. Je suis content d’avoir une photo publiée dans un magazine d’art et que cette photo du NACT soit publiée. J’aime beaucoup cette plongée sur le cône renversée, que l’on peut également voir dans mon photobook.