Catégorie : Musiques

Architecture/Musiques/Tokyo

風を切って行くわよ

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Le béton brut de House in Minami-azabu par l’architecte Hitoshi Wakamatsu. La forme en polyèdre du toit a été calculée pour maximiser la hauteur permise par les régulations urbaines du quartier tout en minimisant l’ombre projetée sur les maisons alentours. L’impression brutaliste de l’extérieur est conservée dans certaines pièces à l’intérieur, notamment le living au deuxième étage ouvert des deux côtés par d’immenses baies vitrées dont une aux formes obliques. Le rez-de-chaussée contient une pièce traditionnelle japonaise en tatami plutôt sombre. Le dernier étage sous le toit est peint en blanc avec quelques fenêtres de taille réduite.

Une cérémonie bouddhiste de quartier à Ikegami pour commencer la nouvelle année sous les meilleurs auspices. Comme elle durait plus d’une heure, je me suis discrètement éclipsé pour aller explorer le quartier. Cette cérémonie aux portes d’un temple suscitait la curiosité de certains passants.

Détails d’une rue du quartier d’Ikegami dans l’arrondissement d’Ōta. La zone que je parcours est presque exclusivement résidentielle et ne m’a pas apporté beaucoup d’opportunités photographiques. Mais il faut parfois plusieurs passages pour que les choses se révèlent à moi. J’ai même souvent tendance à voir des choses différentes à chaque passage dans une même rue ou quartier.

Façade du magasin d’instruments de musique Ikebe à Shibuya. Je fais un détour volontaire pour voir les affiches géantes montrant les visages de Hana et Hikam Watanabe de Tamanaramen (玉名ラメン). Ces photographies aux couleurs fortement modifiées reprennent le style du single The light behind my eyelids, que je mentionnais dans un récent billet.

Quand je marche dans le centre de Shibuya, je passe presque systématiquement derrière le grand magasin PARCO pour voir quelle affiche y est montrée. Cette fois-ci, il s’agissait d’une affiche publicitaire pour une réédition en cours de l’oeuvre manga complète de Katsuhiro Ōtomo « The Complete Works« . Bien que j’aime beaucoup son œuvre, il est fort improbable que je me lance dans cette collection là. J’ai d’ailleurs l’impression qu’il y a déjà eu des rééditions du manga AKIRA et d’autres books commémoratifs.

Je fais ces détours rapides en coupant le vent dans Shibuya pour finalement arriver au Tower Records. Des costumes de scène de Tokyo Jihen y étaient exposés au huitième étage pendant une période limitée. Ce genre d’exposition se déroule en général plutôt au Tower Records de Shinjuku, mais depuis la réduction de l’espace du magasin, il ne devait pas y avoir assez de place pour tout montrer. Il faut dire que ça doit être la plus grande exposition que j’ai pu voir jusqu’à maintenant. On y retrouve les kimonos portés par Tokyo Jihen lors de l’émission Kōhaku sur NHK le 31 Décembre 2021, les tenues au début et à la fin de cette même émission, et quelques autres utilisées dans d’autres émissions en 2021. J’étais particulièrement curieux de voir le skateboard de Sheena, qui apparaît régulièrement dans des émissions ou des vidéos. On peut également apprécier les Reebok Pump futuristes, les sacs à dos NASA et les tenues de sport colorées dérivées de celles de la période Sports. J’ai également montré quelques unes de ces photos prises à l’iPhone sur mon compte Instagram. J’y suis allé un dimanche à l’ouverture à 11h et il n’y avait donc qu’assez peu de personnes. Comme l’espace n’est pas très grand tout de même, j’ai fait de mon mieux pour ne pas inclure les visages des autres visiteurs sur mes photos sur Instagram, sauf une photo qui montrait l’affiche à l’entrée et sur laquelle on pouvait voir une fille de profil avec le visage à moitié caché par un masque. Quelques heures après publication, je reçois un DM de cette même personne me demandant de flouter la photo sur Instagram sur laquelle on voyait une partie de son visage ou d’enlever complètement la photo en question, ce que j’ai finalement fait car je ne pense pas qu’on puisse éditer une photo déjà publiée sur Instagram. Deux amis ou connaissances de cette personne m’ont également contacté pour la même raison, de manière fort aimable mais insistante tout de même. Je n’avais pas l’intention de créer de problème donc effacer la photo rapidement a rassuré tout le monde. Mais je ne m’étais jamais vraiment posé la question des problèmes éventuels de montrer des visages sur Instagram ou sur ce blog. Le problème sur Instagram est que j’utilisais le tag #椎名林檎 comme tous les autres personnes ayant montré des photos de cette exposition, ce qui fait que la personne en question a rapidement vu ma photo et a réagi. Je ne prends pas souvent des personnes en photo sur ce blog et encore moins sur Instagram, mais je ne me suis jamais empêché de montrer des visages sortant d’une foule par exemple. Cette remarque va peut-être modifier mon approche, du moins je suis sûr que je vais beaucoup plus y penser, ce qui est pour sûr un peu dommage.

Le titre de ce billet n’a pas grand chose à voir avec le contenu mais j’aime tout simplement la manière dont Nanako Matsushima (松嶋菜々子) prononce cette phrase au guidon d’une moto dans une publicité récente. Je garde cette phrase comme titre pour m’en souvenir.

Architecture/Musiques/Tokyo

何処にいてもデジャヴ

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J’aurais pu évoquer les géométries urbaines dans le titre de ce billet mais je préfère utiliser, comme c’est souvent mon habitude, un extrait de paroles d’un morceau que j’aime beaucoup et que j’évoquerai un peu plus bas. J’ai déjà vu et montré sur ce blog les deux maisons individuelles atypiques sur les deux premières et deux dernières photographies de ce billet. Les personnes intéressées par l’architecture tokyoïte reconnaîtront donc très rapidement Reflection of Mineral de l’Atelier Tekuto, sur les deux premières photographies. La première et unique fois où je suis passé voir cette maison était en Avril 2014. La couleur était blanche à l’origine mais elle a été repeinte en gris clair. Ce n’est pas une mauvaise idée car dès 2014, la couleur blanche de la surface des murs se salissait avec des traces d’écoulements d’eau de pluie. La voiture des propriétaires a également changé, bien que la couleur soit à peu près la même. J’ai l’impression que, comme pour House NA de Sou Fujimoto et sa 2CV bleue, cette voiture orange fait partie entière de l’esthétique de la maison. On serait presque déçu de ne pas la voir stationnée devant. J’ai également montré les formes futuristes de Hironaka House, par l’architecte Ken Yokogawa, plus récemment dans un billet du mois d’Août 2021. Une pluie fine m’avait empêché de prendre des photographies correctes de cette maison l’année dernière, donc je me rattrape un peu sur les deux photographies ci-dessus prises récemment. Un livreur pressé et un homme marchant au pas de course me font le plaisir de s’incruster au dernier moment sur les photographies que je montre ci-dessus. Et entre ces deux maisons, j’y ajoute d’autres formes géométriques. Le building de béton à la forme biseautée avec une série de petits triangles placées sur la cage d’escalier extérieure s’appelle Felice Yoyogikōen (フェリーチェ代々木公園) par Takamatsu Corporation. Comme son nom l’indique presque, il se trouve a quelques dizaines de mètres de la gare de Yoyogi-Hachiman. La photo est prise depuis l’avenue Yamate. Je l’avais déjà pris en photo mais depuis le bas de la rue. L’impression depuis l’avenue Yamate est bien différente car le building semble difforme et perd un peu de son agressivité visuelle. La photographie qui suit est prise dans un tout autre lieu, quelque part entre Suidobashi et Ochanomizu, si mes souvenirs sont bons. Les formes géométriques composant la façade me font penser au visage d’un personnage. J’imagine que cette disposition de formes est volontaire.

Pour parler une nouvelle fois de mes découvertes musicales, j’alterne la musique de tricot (que j’écoute vraiment beaucoup en ce moment) avec quelques titres du nouvel album de Mondo Grosso intitulé Big World. Je n’ai pas exploré en entier cet album mais comme Shinichi Osawa (大沢伸一), qui est seul au commande de Mondo Grosso, invite des personnes différentes pour chaque morceau, je ne suis à priori pas certain de tout aimer. Osawa joue beaucoup avec les styles car les deux morceaux que je vais évoquer maintenant sont vraiment très différents l’un de l’autre d’un point de vue stylistique. La première des deux images ci-dessus provient de la vidéo du morceau In This World. On ne le voit pas sur la vidéo, mais les notes de piano sont jouées par un certain Ryuichi Sakamoto (坂本龍一) qu’on ne présente plus. Hikari Mitsushima (満島ひかり) chante sur ce morceau et danse même. La vidéo est très belle et je dirais même poétique avec un brin de fantastique. Les notes lentes et détachées du piano surprennent d’abord jusqu’à ce que la voix de Hikari Mitsushima prenne le relai. Le début du morceau est très dépouillé, mettant l’accent sur la combinaison du piano et de la voix. Des cordes viennent ensuite compléter l’ensemble et un rythme de basse électronique donne une dimension différente au morceau. Le beat électronique s’intensifie ensuite et devient très accrocheur. Cette combinaison de sons classiques, d’une voix détachée quasiment à capella et de rythmes électroniques est vraiment intéressante et réussie. Je ne soupçonnais pas que Hikari Mitsushima, qui est avant tout actrice, avait une aussi belle voix. Je n’ai pas vu beaucoup de films dans lesquelles elle jouait mais je me souviens très bien du film Love Exposure de Sion Sono. J’avais moyennement aimé le film car il était trop long et Sion Sono va parfois trop loin dans le grotesque, mais je me souviens par contre très bien du personnage de Yōko interprété par Hikari Mitsushima. Plus récemment, elle est excellente avec Ryuhei Matsuda (松田 龍平), fils de Yūsaku Matsuda (松田 優作), habillée en reine façon Marie Antoinette dans une série de publicités pour UQ Mobile. Les deux ne manquent pas d’humour. Pour revenir au morceau In This World, je le trouve très réussi et j’y trouve même une certaine grâce. Ce n’est pas la première fois que Hikari Mitsushima chante sur un morceau de Mondo Grosso, le précédent s’intitulait Labyrinth (ラビリンス). C’est également un très bon morceau, dont la vidéo a été tournée à Hong Kong, et un des morceaux de Mondo Grosso les plus vus sur YouTube. C’est le genre de morceaux qu’on peut écouter en boucle sans s’en lasser.

Sur cet album Big World de Mondo Grosso, j’aime aussi beaucoup le morceau intitulé Stranger chanté par Asuka Saitō (齋藤飛鳥) du groupe Nogizaka46 (乃木坂46). L’ambiance musicale est dans l’esprit rock shoegazing, très différent de l’autre morceau. La voix d’Asuka Saitō n’est par contre pas effacée et est même très présente. En écoutant ce morceau, je me dis une nouvelle fois que c’est une bonne idée de faire évoluer les idoles dans le style rock shoegazing, comme le fait par exemple assez brillamment le groupe RAY, dont j’avais déjà parlé à l’occasion de la sortie de leur premier album Pink. Il faudrait que je fouille un peu plus dans discographie plus ancienne de Mondo Grosso, car je sais qu’on y trouve des morceaux avec UA et AiNA que je n’ai pas écouté avec assez d’attention. Cette « découverte » de Shinichi Osawa me ramène vers l’émission d’interview Wow Music de J-Wave visible sur YouTube. Lorsqu’elle était hôte de l’émission, AiNA The End a interviewé Shinichi Osawa. Elle le considérait comme un professeur, très bavard de surcroît. Osawa a également été hôte de cette émission radio et nous a fait le plaisir d’interviewer Seiko Ōmori. J’ai un avis mitigé sur la musique de Seiko Ōmori même si j’aime beaucoup son album Tokyo Black Hole. Il s’agit par contre d’une artiste qui compte sur la scène indépendante japonaise et qui influence des artistes plus jeunes (enfin, elle n’a, elle-même qu’une trentaine d’années).

Musiques/Tokyo

そちは危ない、立ち入り禁止

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Les photographies de ce billet datent pour sûr du 10 Janvier car on y voit des jeunes filles porter un kimono à manches longues qu’on appelle furisode (振袖) pour le Seijin Shiki (成人式), la cérémonie du passage à la majorité à 20 ans au Japon. Ma destination ce jour là était le sanctuaire Meiji Jingu pour aller y chercher un goshuin qui viendrait compléter mon carnet. Il me restait une seule page vide et l’idée de le terminer avec le sceau de Meiji Jingu me convenait plutôt bien. J’hésite un peu à scanner mon carnet maintenant terminé, car c’est une tâche qui me prendrait beaucoup de temps et je ne suis pas certain que ça intéresserait beaucoup de visiteurs. Une fois terminé, le carnet de goshuin est un bel objet que j’aime feuilleter de temps en temps. Je l’ai posé en apparence sur une petite étagère juste au dessus de l’ordinateur familial. Tous les dieux shintoïstes et bouddhistes me tomberont d’un coup sur la tête si un tremblement de terre survenait soudainement pendant que je travaille le développement numérique de mes photographies. Pour me rendre au sanctuaire de Meiji Jingu, je remonte à pieds la rue Kōen Dōri (公園通り) qui me fait passer devant la salle de spectacle Shibuya Public Hall (渋谷公会堂). Tokyo Jihen s’y était produit en 2005 pour la tournée Dynamite Out. Le bâtiment a été renommé en C.C. Lemon Hall en 2006 puis fermé pour reconstruction en 2015. Depuis sa reconstruction en 2019, cette salle s’appelle maintenant LINE Shibuya Cube et devait être utilisée ce jour là pour la cérémonie Seijin Shiki des résidents de Shibuya, car nombreux étaient les garçons et filles de 20 ans en kimono à attendre leur tour devant la salle. Après avoir traversé la très large allée piétonne longeant les studios de la NHK et volontairement marché au plus près du gymnase olympique de Kenzo Tange, j’arrive finalement au sanctuaire de Meiji Jingu accolé au parc de Yoyogi. Nous sommes au dixième jour de l’année mais il y a toujours foule dans le sanctuaire. Je n’ose pas imaginer la foule qu’il doit y avoir ici les trois premiers jours de l’année. Nous ne nous sommes jamais aventurés à Meiji Jingu pendant cette période là. En sortant du sanctuaire, j’aperçois une troupe d’hommes et de femmes en tenue traditionnelle, marchant au pas avec un long arc à la main. Je ne suis pas le seul à les prendre en photo. Je ne sais pas de quelle cérémonie il s’agissait exactement mais elle ne semblait pas visible au public, car le groupe disparu rapidement dans une allée privée s’enfonçant dans la forêt. Les première et dernière photographies sont prises dans un tout autre lieu: en remontant le cimetière d’Aoyama pour l’une et en apercevant le grillage blanc d’un bâtiment commercial de Kazuyo Sejima à Aoyama, pour l’autre.

Je connais le groupe tricot depuis quelques temps mais je n’avais pas jusqu’à maintenant poussé la curiosité jusqu’à écouter un album en entier. J’avais certes tenté de rentrer dans leur univers musical, plutôt à base de math rock, en écoutant quelques morceaux par-ci par-là sans pourtant aller plus en avant. Je ne sais plus exactement les raisons pour lesquelles je n’avais pas approfondi mon écoute mais ça ne devait pas correspondre à la phase musicale dans laquelle je me trouvais à ce moment-là. Ou peut-être pensais-je qu’un groupe s’appelant tricot et utilisant des titres de morceaux comme « Potage » ne pouvait pas jouer un rock qui m’intéresserait. Mais mon avis a pourtant complètement changé depuis la discussion entretenue avec Nicolas dans les commentaires d’un ancien billet intitulé ネタバレしてる人生. On parle d’abord du groupe Genie High mené par le producteur (et guitariste) Enon Kawatani dans lequel chante la guitariste et interprète de tricot, Ikkyu Nakajima. Cette discussion à propos de Genie High me rappelle un morceau que le groupe a interprété avec AiNA The End, Fubenna Kawaige (不便な可愛げ). J’étais également passé à côté de ce morceau à sa sortie en Novembre 2019, ce que je regrette maintenant vu le nombre de fois où j’ai pu l’écouter ces dernières semaines, depuis cette discussion dans les commentaires. Comme quoi, j’ai parfois des idées préconçues sur certaines formations musicales alors qu’elles mériteraient quand même que je m’y attarde. Le morceau Fubenna Kawaige fonctionne extrêmement bien car les voix de AiNA et de Ikkyu sont complémentaires. Il y a une grande fluidité dans les échanges vocaux qui fait grand plaisir à écouter. Le morceau est excellent et musicalement, c’est impeccable même si ce sont deux comédiens qui jouent de la batterie et de la basse. Je pense que mon à priori était dû à la présence de ces comédiens dans ce super-groupe de Kawatani que j’avais initialement eu du mal à prendre au sérieux. Le deuxième album de tricot intitulé A N D m’est ensuite conseillé, pour la simple raison que H Zett M y joue du piano sur deux morceaux. Il ne m’en fallait pas plus pour y jeter une oreille et réaliser que j’étais passé à côté de quelque chose en ne m’étant pas penché sur la musique de tricot un peu plus tôt. Mieux vaut tard que jamais! J’adore tout simplement ce que j’étends sur ce septième morceau Pain (ぱいーん): le rythme frénétique, les coupures inattendues et le piano aux accords compliqués de H Zett M s’accordant excellemment avec les guitares de tricot prenant le relai. En écoutant le piano de H Zett M se mélanger aux guitares et ne pas perdre le dessus, je repense à ses prestations lors des concerts de Tokyo Jihen, Dynamite Out, et de Sheena Ringo, Electric Mole (Sugoroku Xstasy). En fait, je ne soupçonnais pas que la musique de tricot était aussi puissante et prenante. Ikkyu pousse très souvent sa voix et les guitares sont rapides et imprévisibles (ça doit être le côté math rock). Il y a même un côté sauvage et instinctif dans la manière dont Ikkyu chante. Les douze morceaux de l’album A N D défilent à toute vitesse sans qu’on décroche une seconde. Le rythme est soutenu sans vrais moments de répit, mais mélangent le chaud et le froid en alternant des voix plus éthérées avec des chœurs et des montées en puissance soudaines des voix. Des morceaux comme le troisième Hashire (走れ) ou le sixième Kieru (消える) en sont de bons exemples, et sont tout simplement excellents. Comme sur Hashire (走れ), il y a une sorte d’urgence et de danger imminent dans beaucoup de morceaux. « C’est dangereux par là, défense d’entrer » (そちは危ない、立ち入り禁止) comme le chante Ikkyu sur ce morceau. Et les guitares et batterie accompagnent et transcendent cette frénésie sonore qui nous envahit. On ne s’ennuie pas parce que même s’il y a une grande continuité de style dans l’ensemble de l’album résolument de style rock alternatif, on y trouve quand même des moments particuliers comme le neuvième morceau intitulé Niwa (庭) où Ikkyu chante de manière très rapide à la limite du rap. Il y a une sorte de folie contagieuse dans ce morceau là. Il y a des moments un peu plus pop comme le morceau Kōbe Number (神戸ナンバー), qui est également un point remarquable de l’album, notamment quand les trois filles du groupe chantent ensemble le titre du morceau en chœurs (神戸ナンバー、思い出すわー). Mais, j’aime beaucoup de toute façon les morceaux avec des noms de plaques d’immatriculation (笑), que ça soit Hashire wa Number (走れゎナンバー) de Sheena Ringo ou Shinagawa Number (品川ナンバー) du groupe Sōtaisei Riron (相対性理論) d’Etsuko Yakushimaru.

J’oubliais presque de mentionner que tricot (トリコ, Toriko prononcé en japonais) est composé de trois filles à l’époque de ce deuxième album sorti en 2015: Ikkyu Nakajima (Ikumi Nakajima en réalité) au chant et à la guitare, Motifour Kida (Motoko Kida) à la guitare et Hiromi Hirohiro (Hiromi Sagane) à la basse, sachant que tout le monde chante au moins dans les chœurs. Le groupe est originaire de Kyoto et ça s’entend clairement en interview car Ikkyu a bien l’accent du Kansai (enfin, je ne suis pas spécialiste ceci étant dit). Le batteur ayant quitté le groupe avant ce deuxième album, A N D fait donc intervenir des batteurs invités pour les sessions d’enregistrement. Un batteur officiel, Yusuke Yoshida, rejoindra ensuite le groupe à partir de 2017. En écoutant le premier morceau de l’album, Noradrenaline, je me suis tout de suite dit que les premières percussions de batterie sonnaient un peu comme le début de Tadashii Machi (正しい街) de Sheena Ringo. Comme je savais, avant cette première écoute, que les batteurs étaient différents en fonction des morceaux de l’album, j’ai d’abord pensé que Noriyasu « Kasuke » Kawamura (batteur régulier des sessions d’enregistrement et de certains concerts de Sheena Ringo) était aux commandes. En vérifiant sur Wikipedia, la surprise m’emporte en apprenant qu’il s’agit en fait de Toshiki Hata à la batterie sur ce morceau. Comme quoi, même s’il n’y a pas de véritable ressemblance ou inspiration directe visible entre la musique de Sheena Ringo ou Tokyo Jihen et celle de tricot, il y a au moins des liens intéressants en la présence de H Zett M et Toshiki Hata. Mais ce n’est pas tout car Ikkyu dit elle-même apprécier Sheena Ringo. Depuis l’écoute de A N D, je me suis mis en tête d’acheter tous les albums et d’écouter des interviews pour comprendre un peu plus l’esprit du groupe et son inspiration. Je n’ai pour l’instant que les deux albums THE (premier album de 2013) et A N D (deuxième album de 2015) ainsi que le EP School Children and the Cosmos (小学生と宇宙) sorti en 2012, tous achetés en même temps et pour un très bon prix au Disk Union de Shimokitazawa. J’ai eu un peu de mal à trouver A N D, car je suis d’abord allé sans succès aux Disk Union de Shinjuku et de Shibuya, pour finalement le trouver à Shimokitazawa. Acheter ces albums m’a fait beaucoup marcher, mais je retrouve le plaisir presque obsessionnel d’aller fouiller les disquaires pour trouver les CDs qui me manquent (comme je le faisais pour Sheena Ringo et Tokyo Jihen).

Ma curiosité me pousse à écouter des interviews d’Ikkyu Nakajima. L’excellente surprise qui m’attend est une interview d’Ikkyu par AiNA The End, suite à leur morceau en commun pour Genie High que je mentionnais ci-dessus. L’émission s’appelle Wow Music et passe sur la radio J-Wave, mais est également retransmise en vidéo sur YouTube et c’est là que je la regarde. Cette émission est très intéressante car l’hôte faisant les interviews est à chaque fois une personnalité du monde musical et décide des invités qu’il ou elle interviewera pendant l’émission. L’hôte change apparemment tous les mois. On se souvient que pour la même émission, Seiji Kameda avait invité et interviewé Sheena Ringo. Cette fois-ci, il s’agit donc de AiNA avec Ikkyu. Dès le début de l’émission, AiNA nous fait part qu’elle est fan de tricot et de Nakajima en particulier. Après avoir évoqué des anecdotes sur leur morceau commun Fubenna Kawaige (on apprend que les deux ne se sont rencontrées pour la première fois que pendant le tournage de la vidéo), Ikkyu nous fait part de ses débuts en répondant aux questions relativement standards de l’émission (le format est plus ou moins défini). On apprend la signification de son surnom Ikkyu. Elle s’appelle en fait Ikumi mais à l’école primaire à cette époque, c’était la monde de remplacer les hiragana par les chiffres équivalents. Son prénom « I-ku-mi » devient donc « 1-9-3 », ce qui se prononce donc Ikkyu-san. Ce surnom est resté jusqu’à maintenant. On sait qu’elle a fait du judo étant jeune (je le mentionne car je le ressens dans le son du groupe) et a réellement commencé la musique au club de musique (軽音楽部) de son lycée. Elle voulait être chanteuse dès son plus jeune âge mais a réellement commencé à chanter dans les groupes qui se sont formés dans ce club de musique. Elle nous dit qu’elle voulait chanter du Sheena Ringo à cette époque, mais les autres membres du club de musique ne l’ont pas laissé faire parce qu’elle ne chantait pas assez bien (ce qu’on aurait bien du mal à croire maintenant). A la place, elle s’est plutôt retrouvée à chanter des reprises de Mettalica, ce qui fait bien rire AiNA et Ikkyu pendant l’interview. Le groupe tricot s’est formé à cette période là car Motifour Kida jouait de la guitare dans le même club de musique et Hiromi Hirohiro jouait de la basse dans un club d’une autre école. Ikkyu a appris la guitare un peu plus tard grâce à son grand frère qui en avait une à la maison. Une des questions typiques des interviews de cette émission est de demander au musicien/ne invité quel morceau a été le plus marquant. Ikkyu cite le morceau 17 de Sheena Ringo comme morceau marquant, à l’époque où elle était lycéenne. Ce morceau est en anglais, langue qu’elle ne comprenait pas, mais les paroles lui ont paru très adulte. Ce morceau est en b-side de Tsumi to Batsu (罪と罰) sorti en 2000. Ça me plaît forcément de voir des liens se dresser entre des artistes que j’aime et ça me motive d’autant plus à explorer la musique de tricot. Cet interview est très intéressante car on comprend que Ikkyu est plutôt une personne instinctive et spontanée, et n’aime, par exemple, pas répéter à outrance les morceaux avant un live. Elle nous explique pendant l’interview que trop répéter ou se préparer la pousse à réfléchir plus que nécessaire aux paroles qu’elle doit chanter et elle finit dans ces cas là par paniquer et se mélanger les pinceaux (oublier des morceaux de paroles ou se tromper de mots). Je trouve qu’on entend bien ce côté instinctif dans les morceaux de A N D, et sur ce point là, Ikkyu Nakajima me paraît être très différente de Sheena Ringo.

En comparaison, le premier album du groupe THE est moins percutant que A N D, plus « apaisé » que A N D mais n’en reste pas moins excellent. L’album THE est souvent cité comme étant l’album préféré des fans, ce que je peux très bien comprendre, et ce dès le premier morceau POOL accompagné de son introduction pool side. En y retrouve toute la technicité math rock du groupe et une manière particulièrement intéressante de chanter d’Ikkyu. Je dirais que l’approche sur THE est plus classique dans le style rock alternatif. Je suis très bon public pour ce genre de sons, car c’est clairement ma zone de comfort stylistiquement parlant, ayant été baigné dans le rock alternatif américain pendant une bonne partie de mon adolescence. Je dis ci-dessus que l’album est plus apaisé que A N D, mais il ne faut pas croire non plus qu’il s’agit d’une ballade de santé, car les guitares sont toujours très présentes. L’énergie déborde de l’album morceau après morceau. Un morceau comme le cinquième art sick me rappelle un peu les compositions de SPOOL, peut-être en raison de la mélancolie qui le traverse et la manière de chanter d’Ikkyu qui me rappelle par moments celle d’Ayumi Kobayashi sur les morceaux de SPOOL. Ce morceau me donne des frissons à chaque écoute quand la voix décolle. Le septième morceau Ochansensūsu (おちゃんせんすぅす) doit être le plus connu de l’album. C’est également celui qui a la construction la plus particulière et originale, et peut-être bien le meilleur morceau de l’album (quoique mon appréciation doit changer à chaque écoute). Je trouve que ce morceau représente bien une certaine liberté qu’on retrouve dans l’ensemble des compositions du groupe. Ikkyu disait également dans une interview qu’elle et le groupe savaient très bien dans quelle style musical elles voulaient évoluer, mais étaient également désireuses d’expérimenter de nouvelles choses. L’album THE fait 48 minutes, exactement comme A N D, et on ne s’ennuie pas une seconde. Pendant mes marches urbaines du week-end, j’écoute à la suite de THE, le EP Children and the Cosmos (小学生と宇宙) sorti juste avant en 2012. Le style est relativement similaire à celui de THE. Son écoute me fait penser qu’il ne faudra pas que je passe à côté des nombreux EPs du groupe, car on peut aussi y découvrir des pépites comme Yumemi-gachina shōjo, maiagaru, sora he (夢見がちな少女、舞い上がる、空へ). Ikkyu y parle rapidement d’une manière rappée et à la limite de l’émotion (ça me rappelle un peu ce que Haru Nemuri fera plus tard sur Haru to Shura). En écoutant ce type de compositions, je me dis qu’il faut absolument que j’écoute toute la discographie du groupe car même les EPs sont excellents. En écoutant cette musique, j’ai même l’impression de retrouver mon enthousiasme musical d’adolescent.

Cette découverte du monde musical rock de tricot ne me fait pas oublier que Tokyo Jihen a récemment sorti un nouveau morceau (le 4 Février 2022) intitulé Futsū toha (ふつうとは) destiné à l’émission de la NHK Minna no Uta (NHKみんなのうた). Il est composé par Ichiyō Izawa et chanté à deux voix par Sheena et Watchi (le surnom d’Izawa), ce qui est très inhabituel. J’avoue avoir été surpris par la voix d’Izawa, pratiquement parlé et assez grave au chant. Ce morceau prend son temps à se faire apprécier, et se révèle un peu plus à chaque écoute une fois passée cette surprise d’entendre chanter Izawa. Le refrain revient cependant vers des terrains plus classiques pour Sheena. Ce morceau est loin d’être le meilleur du groupe et je l’aurais plutôt vu en b-side d’un single. Je dirais qu’il est agréable sans être transcendant. Mais après les guitares intenses de tricot, une petite pause avec ce morceau est bienvenue. La sortie de ce morceau m’a rappelé qu’il fallait que je prenne en photo ma discographie personnelle de Sheena Ringo et Tokyo Jihen. Il me manque bien quelques CDs (des compilations ou des Box) mais j’ai presque tout en CD/DVD/Blu-ray. Je possède certains CDs et DVDs depuis plus de vingt ans mais j’ai acheté de nombreux autres ces dix dernières années avec une concentration ces trois dernières années. J’ai beaucoup aimé fouiller les Disk Union et autres disquaires de Tokyo pour trouver les disques qui me manquaient. Il y avait à chaque fois une excitation certaine quand je trouvais un disque que je n’avais pas à un bon prix. Je pense notamment au concert Spa & Treatment de Tokyo Jihen trouvé au Disk Union de Shinjuku. Je ne suis pas vraiment satisfait des photos que j’ai pris ci-dessus à l’iPhone, car je me suis rendu compte après-coup que j’ai laissé l’album Kyōiku de Tokyo Jihen posé sur Electric Mole. Je ne montre pas les objets que j’ai reçu du fan club Ringohan ni les quelques livres ou magazines que je possède, car je ne cherche pas particulièrement à faire la collection de ces objets dérivés. Je n’irais pas non plus vers les vinyles, car on n’a pas de platine à la maison, bien que ça me tente à chaque fois que je passe au Tower Records. L’important pour moi est d’avoir tous les morceaux sortis, peu importe le support physique. Tout ces CDs prennent bien sûr beaucoup de place. Certains ont une collection impressionnante et le montre sur Twitter. Je ferais peut-être de même sur Twitter ou Instagram mais il faudrait que je m’applique un peu plus dans l’organisation de mes photos, en mettant par exemple les disques en ordre chronologique.

Musiques/Tokyo

between scars

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Les interactions sont, ces derniers temps, plus nombreuses sur mon compte Instagram que sur ce blog, mais ne remettent pourtant pas en compte l’intérêt que j’éprouve à écrire sur Made in Tokyo. Je partageais récemment sur Instagram des photos de l’Ambassade du Koweït conçue par Kenzo Tange, mais le but de ma visite était plutôt de vérifier si la construction du petit building appelé Arimaston par Keisuke Oka avait avancé. Ce petit building de béton que j’avais déjà montré sur ce blog est en éternelle construction. Il est construit à la main par une seule personne, ce qui peut expliquer la longueur des travaux. Ma surprise était de le voir entièrement recouvert d’une bâche de construction alors qu’il était jusqu’à maintenant ouvert à la vue des passants étonnés comme moi. Je m’étais inquiété dans ce billet Instagram du fait que les fiches de construction montrées sur site ne mentionnaient pas le nom de son architecte, et j’ai eu crainte qu’Arimaston soit en proie à une destruction imminente. Un des architectes étrangers au Japon qui me suit sur Instagram et qui connaît Keisuke Oka a eu la bonne idée de le contacter pour finalement confirmer que tout était normal. Les bâches semblent avoir été installées pour ne pas gêner le voisinage. Nous voilà donc rassurés, surtout que ce genre de construction complètement indépendante digne du palais idéal du facteur cheval est plutôt rare à Tokyo et même carrément unique.

Dans la première version de ce billet, j’avais d’abord inséré six photographies couleur, des versions non-altérées de celles que je montre ci-dessus. Je suis revenu sur ces photographies pour les altérer volontairement en les passant en noir et blanc et en y superposant des couches nuageuses comme je le fais régulièrement. Je suis revenu encore une fois sur ces photographies modifiées pour y apporter des zones électriques. Il m’arrive de temps en temps de revenir travailler des photographies que je pensais pourtant être prêtes à être publiées dans un billet. L’envie de venir « perturber » une photographie aux allures « classiques » m’attire régulièrement, quand je ressens le besoin de montrer une réalité alternative. La musique que j’écoute au moment où je travaille ces photographies joue beaucoup sur l’effet final que je souhaite montrer. D’une manière un peu similaire, le titre original que je souhaitais donner à ce billet était « Between cars » pour noter la délimitation de la série par deux photographies de voitures, mais un changement, une perturbation dirais-je, s’est imposée naturellement. Les cicatrices (scars comme écrit dans le titre du billet) recouvrent d’une certaine manière les photographies altérées que je montre et correspondent également à la musique que j’écoute. J’essaie régulièrement de créer ce genre de correspondances entre mes photographies et la musique que j’écoute. J’en parle régulièrement mais je l’explique toujours imparfaitement.

Je pensais bien que j’allais aimer le nouvel album de Yeule, Glitch Princess (𝖌𝕝𝒾,c̶̳͚̈́͌̿͋̔ͅ𝖍 ρ𝖗𝕚n̶͓͉̣͉͚̂̏͐ƈᵉ𝖘ร), mais pas à ce point. Bien sûr, comme je le mentionnais dans un précédent billet, je savais déjà que certains morceaux de ce nouvel album, comme Too Dead Inside, Don’t Be So Hard on Your Own Beauty et Friendly Machine, étaient très beaux et étranges, mais je ne pensais pas que d’autres morceaux viendraient surpasser ceux là. L’album est très sombre (surtout dans les paroles) et émotionnellement très fort, mais possède cependant des moments Pop qui le rendent relativement facile d’accès. En fait, chaque morceau de l’album est rempli de ces glitches sonores dont parle le titre de l’album, de triturations et perturbations sonores qui viennent rendre cette musique si intéressante. Dans une interview sur un podcast de The Fader, Yeule nous explique qu’elle a tendance à tendre vers le perfectionnisme et les glitches volontaires sont une manière de contrer ses obsessions propres. J’aime beaucoup cette idée de casser l’image de la perfection en y introduisant des éléments perturbateurs. J’en ai déjà parlé plusieurs fois de ce que j’appelais je shoegazing photographique, que je représente notamment et tant bien que mal dans la série de photographies ci-dessus. L’écoute de l’album est addictive car très personnelle. Dans cette interview, on comprend que Yeule est un personnage particulier et en même temps sincère. Elle nous fait part de ces traumas dans la plupart des morceaux et nous dévoile beaucoup de son monde intérieur, sans une certaine violence par moments. Le dernier morceau Mandy, pour Me And You, par exemple est particulièrement poignant car elle nous parle des multiples personnalités qui vivent en elle. Elle se parle à elle-même jusqu’aux cris. C’est un des sujets de cet album, avec le post-humanisme, le rapport aux machines. Il y a quelque chose de cybernétique dans son approche, mais le mot est malheureusement tellement utilisé ces derniers temps qu’il en perd de son sens. En fait, on sent que ces traumas et croyances ne sont pas imaginées pour intéresser l’auditeur mais vraiment vécus comme une douleur qu’elle évacue par la musique comme une cure. Il n’y a pourtant rien de pesant dans cette musique malgré la violence des maux. Le morceau Bites in my neck est peut-être le plus beau de l’album. On l’entend crier « I’m dead » dans un son qui se transforme en sonorité électronique. Elle transforme souvent sa voix et part, par exemple, dans les sons aigus sur Electric ou joue avec les voix cybernétiques sur le morceau Eyes qui est aussi un des plus beaux de l’album. Certains morceaux comme celui-ci me donnent des frissons à chaque écoute (« can I burn out of my own real body »). Il y a une collaboration avec le rapper japonais Tohji sur cet album. Il s’agit du cinquième morceau intitulé Perfect Blue. Je ne sais pas s’il s’agit d’une référence au film d’animation de Satoshi Kon mais c’est extrêmement probable vu que Perfect Blue parle également de confusion obsessionnelle entre identité réelle et projection irréelle de soi. Ou peut-être que le titre de ce morceau fait référence à la voiture bleue de Tohji, une Mazda RX-7, qu’il aurait apparemment récemment crashé sur l’autoroute Daisan Keihin. Le nom du rappeur Tohji m’est familier depuis longtemps car, à l’époque où j’écoutais beaucoup quelques morceaux de Valknee, elle mentionnais souvent Tohji dans un podcast régulier que j’écoutais à cette époque là. Dans l’interview de The Fader, Yeule nous parle également de la manière dont elle personnalise les machines qui l’entourent au point d’interpréter des glitches système (par exemple un son qui sature) d’un ordinateur comme des tentatives de communication de la machine vers l’être humain, comme si l’ordinateur voulait lui transmettre une émotion à travers les glitches qu’il crée quand on pousse un peu trop sa CPU ou GPU. Cette idée m’intéresse beaucoup car j’ai toujours eu cette impression en écoutant le morceau Future Daniel de Clarke. Sur ce morceau, j’ai à chaque écoute le sentiment que Clarke pousse trop loin ses machines jusqu’au crash final. Les machines viendraient en quelque sorte lui signifier qu’il va un peu trop loin et que ça suffit bien comme ça. En retrouvant le billet intitulé Crushed cities sur lequel j’en parlais, je me rends que j’y altérais également mes images. Pour revenir à cet album de Yeule, j’aime en fait le fait qu’elle a beaucoup réfléchi sa musique mais qu’en même temps elle laisse s’y introduire des imprévus. Ces imperfections volontaires sont cependant intégrées dans un ensemble très bien mixé. Glitch Princess surpasse assez facilement son album précédent qui était pourtant très bon. J’aime même un peu de mal à m’en détacher.

Musiques/Tokyo

今日見た光、忘れない

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On s’enfonce quelques instants dans les nuages qui viennent brouiller le paysage urbain et derrière lesquels on pourrait se cacher, disparaître pendant quelques heures pour revenir ensuite avec un air légèrement réjoui comme si on avait fait une découverte extraordinaire. Je me cache régulièrement pendant quelques heures seulement derrière ces nuages lorsque je pars en marche dans la ville. Derrière ces nuages, on a étonnamment les idées claires, car derrière les nuages se cache toujours une éclaircie qu’on n’oublie pas. Ces découvertes extraordinaires, je les montre d’abord sur mon compte Instagram car j’ai de plus en plus de mal à écrire des billets complets dans la foulée de mes marches urbaines. Il se passe parfois plusieurs semaines entre les photographies que je prends et les billets que j’écris pour les montrer. Je prends par conséquent moins de photographies ces derniers jours, même si je marche beaucoup. J’essaie ainsi de remonter dans le temps pour me rapprocher petit à petit du moment présent. Mon expérience internet est à deux vitesses, celle du présent, rapide et quasi-immédiate sur Instagram et celle qui prend son temps sur ce blog. Je suis à une période où j’hésite encore entre les deux, mais aucune de ces vitesses ne s’impose pourtant à l’autre. Il m’arrive de sprinter sur Instagram en montrant soudainement beaucoup de choses puis m’arrêter soudainement pendant plusieurs semaines et retrouver dans ce blog comme un refuge ou un apaisement. Je ne vais derrière les nuages que pendant quelques heures et je reviens ensuite par ici pour méditer ce que j’y ai vu. Toute la complexité est de ne pas trop s’éloigner du présent lorsqu’on se perd dans ses méditations.

J’avais beaucoup aimé et écouté le premier album Serotonin II, sorti en Octobre 2019, de la singapourienne, maintenant londonienne, Nat Çmiel, qui se fait appeler Yeule. J’avais par contre été moins attentif aux reprises qu’elle avait faite ensuite et à la version remixée intitulée Serotonin X reprenant quelques morceaux de ce premier album. Le deuxième album de Yeule, Glitch Princess, sortira dans quelques heures, le 4 Février, et quatre morceaux sont déjà en écoute sur Bandcamp. Le premier intitulé My Name is Nat Çmiel est en fait sorti en Décembre 2020. En l’écoutant à cette époque, il m’avait semblé que Yeule s’éloignait de plus en plus de son existence humaine pour devenir une sorte de prototype androïde capable d’émotions. Le morceau est parlé et donne l’impression que Yeule lit une fiche décrivant les caractéristiques de sa propre personnalité. Il y a quelque chose qui est en même temps robotique et sensible, comme peut l’être un Fitter Happier sur OK Computer. Il s’agit en fait d’une sorte d’introduction à cet album et les trois autres morceaux disponibles actuellement sont beaucoup plus accessibles et contiennent même des petits airs pop malgré la relative noirceur de l’ensemble. Des quatre morceaux, Too Dead Inside est certainement celui que je préfère mais les deux autres que l’on peut écouter pour l’instant, Don’t be so hard on your own beauty et Friendly Machine, sont tout aussi beaux. Le morceau Don’t be so hard on your own beauty est d’ailleurs relativement classique dans sa conception musicale, principalement axé sur une guitare et la voix de Yeule, sans les nombreux effets électroniques que l’on connaissait de son premier album et que retrouve par contre sur l’autre morceau Friendly Machine. Yeule se surnomme elle-même princesse des glitches sonores et ils sont en général très présents dans ses compositions. La musique de Yeule s’accorde avec les vidéos qui la représentent souvent seule (parfois avec son chat Miso) dans un état parfois proche de la folie. L’image atypique qu’elle projette forme un tout avec les morceaux qu’elle crée. J’ai l’impression qu’elle se transforme même de plus en plus. Outre les tatouages de personnages inspirés de l’univers ero-guro du mangaka Suehiro Maruo, elle se maquille maintenant le visage d’étranges marquages colorés. Comme je le mentionnais un peu plus haut, Too Dead Inside est un des plus beaux morceaux qu’elle a créé jusqu’à maintenant. Sa mélodie nous accroche tout de suite et est empreinte d’une étrangeté attirante. Je suis assez impatient d’écouter la suite dans quelques heures ou jours quand l’album entier sera disponible. J’allais presque l’oublier, mais comme Yeule est une personne non-binaire (comme Utada Hikaru d’ailleurs), j’aurais certainement dû utiliser dans mon texte un pronom neutre plutôt que « elle ». On peut voir le « they » régulièrement utilisé en anglais, mais j’ai rarement ou jamais vu utiliser le « iel » ou « ielle » en français. Les articles en anglais évoquant le nouvel album de Utada Hikaru utilisent systématiquement le « they », mais je n’ai pas vu l’équivalent en français. Par exemple, l’article en français sur le site Pen Official utilise « elle » mais « they » en version anglaise. Le « they » étant pour moi avant tout pluriel, je ne le trouve pas vraiment adapté pour une personne unique, quoique pour Yeule, mon impression diffère car elle évoque elle-même avoir différentes personnalités vivant en elle. En regardant récemment son compte Twitter, je remarque un détail qui m’intéresse beaucoup. Je la vois porter au doigt une bague « armour ring » (certainement de la marque Vivienne Westwood) qui me rappelle forcément une autre artiste dont je parle très souvent sur ces pages.

Pour continuer avec mes découvertes musicales, j’écoute beaucoup ces derniers jours deux morceaux du duo Tamanaramen (玉名ラメン) composé des sœurs Hikam et Hana Watanabe. J’écoute le dernier single Glowing Arcade sorti le 1er Janvier 2022 et le single précédent sorti en Novembre 2021, The light behind my eyelids (dont les paroles m’inspirent d’ailleurs le titre de ce billet). Je connais le nom de ce groupe depuis quelques temps car il est très singulier et on le retient. Mais la voix de Tamanaramen m’est surtout familière depuis que je l’ai découverte sur le troisième morceau intitulé The encounters de l’album NO MOON de D.A.N. Comme je l’évoquais déjà, ce morceau est excellent et peut-être bien le meilleur de l’album notamment pour le mélange des voix dont celle de Tamanaramen. Je reviens souvent sur ce morceau avec un plaisir d’écoute à chaque fois renouvelé. Tamanaramen m’a intrigué suite à cela, ce qui m’a poussé à écouter quelques morceaux sur YouTube et à m’attacher pour le moment à ces deux morceaux électroniques en particulier. L’ambiance musicale de Glowing Arcade est plutôt minimaliste avec une prédominance de la voix qui semble très proche de l’auditeur. Dans une approche intime pleine de mélancolie, elle nous parle de son état d’être. 「もう変わらない、変われないけどさ』(Je ne changerais pas maintenant , je ne peux plus changer). Et à cette mélancolie s’ajoutent des paroles volontairement positives et je dirais même enfantines dans la manière dont elle les chante et les répète 『みんなで行こう」(allons-y tous ensemble). Je trouve cette atmosphère très délicate et sensible. La voix de Tamanaramen (je ne suis pas sûr qui, de Hikam ou Hana, chante) est frêle et fragile, et se confronte à des sons électroniques plus agressifs sur le deuxième morceau The light behind my eyelids. En fait, plus qu’agressif, je dirais que le rythme électronique est beaucoup plus soutenu et présent, avec une dernière partie purement instrumentale vers la fin. J’aime beaucoup l’ambiance nocturne de ce morceau, qui prend des airs menaçants par moments, et qui est très bien relayée par la vidéo. Je suis déjà décidé à parcourir un peu plus l’univers nuageux de Tamanaramen.